Rembrandt'ın son eseri. Rembrandt'ın kısa biyografisi ve eserleri

Gerçekten neyi sevdiğiniz hakkında konuşmak her zaman zordur. Doğru kelimeleri, mecazları dikkatle seçiyorsunuz, nereden başlayacağınızı bilmiyorsunuz... Bu nedenle küçük bir açıklamayla başlayacağım: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- en sevdiğim sanatçı ve onu çok uzun zamandır tanıyorum.

Çocukken - Hermitage'de, profesör-babanın hikayeleriyle. Gençliğimde - enstitüdeki MHC dersleri sırasında, uzun Aralık akşamlarında karanlık bir sınıfta eski slaytlarla. Gençliğimde - muhteşem Amsterdam'da, batan ağustos güneşinin ışınlarında neşeyle gülüyordum. Zaten Rembrandt hakkında yüzlerce ders verdim, düzinelerce gezi düzenledim, ama hâlâ bilinmeyen, devasa, anlaşılmaz bir şeye dalmak üzere olduğunuzu hissediyorum.

Kendinizi ilk kez bulduğunuz denizin sularına bir iskeleden atlamak gibidir. Orada su soğuk mu, dipte kaç tane taş var bilmiyorsunuz. Ellerinizi gergin bir şekilde titreten şey beklenti ve şüphedir. Bunu yenmenin tek bir yolu var - koşarak atlamak, kalbinizin çarptığını hissetmek ve bir anda etrafınızdaki tüm dünyanın nasıl uzak bir yere taşındığını ve artık tamamen yeni bir şeyle baş başa olduğunuzu hissetmek... Pekala, Peki! Hadi atlayalım, gözlerimizi açalım ve bakalım!

27 yaşındayken bir sanatçının hayal edebileceği her şeye sahipti. Şöhret, şöhret, para, sevgili kadın, yüzlerce emir. Kuzey Avrupa'nın incisi Amsterdam'da, zamanının en zengin şehirlerinden birinde portre resminin en iyi ustası olarak kabul edildi.

Evet, dünyada böyle bir şey yaratabilecek bir sanatçı hiç olmadı! Portrenin mükemmel olması, kişinin tüm kusurlarını aydınlatması gerekiyordu ama Rembrandt farklı düşünüyordu. Portreleri canlıydı. Karakteri yansıtıyorlardı; çatışmayı içeriyorlardı. İşte Hollanda eyaletinin baş vergi tahsildarı Jan Vtenbogaert'in portresinin bir parçası.

Cumhuriyetin neredeyse tüm serveti bu adamın elinden geçti. Ve kıyafetleri - havadar bir dantel yaka, uzun bir Rus samur kürkü - durumunu açıkça gösteriyor. Şimdi sadece şu gözlere bakın. İçlerinde hüzün görüyorsunuz... Ve hemen Rembrandt'ın büyük selefinin tuvali akla geliyor -. Elçi İsa'yı yanına çağırırken aynı ifadeyle bakmıyor mu? Bu portre çok zengin ama çok mutsuz bir adamın öyküsüdür ve Hollandalı ressam bunu donmuş bir anda göstermeyi başarmıştır.

Rembrandt Harmens van Rijn tüm boş zamanlarını yüz ifadelerini inceleyerek geçirdi. Saatlerce aynanın karşısında durdu ve yüzler çizdi, ardından bunları kömürle kağıda aktardı. Duyguların en ufak tonlarını yakalamak onun için önemliydi.

Sanatçıya göre insan yüzü, ruhun aynasıydı; bunu Oscar Wilde'dan çok önce “Dorian Gray'in Portresi”yle fark etmişti. Ancak Rembrandt'ın başarılı olduğu tek şey portreler değil. Büyük tuvalleri bizi daha az etkiliyor. Caravaggio'nun resimlerinde geliştirdiği chiaroscuro oyunu ustamızda gerçekten devasa boyutlara ulaşıyor.

İlk mutlak şaheserini yarattığında sadece 28 yaşındaydı. Bu “Haçtan İniş” tablosu. Hermitage'deki bu tablonun yanından geçemezsiniz. Sanatçı, bir anda Hıristiyanlığın tüm özünü tasvir etmeyi, en büyük insanlık hikayelerinden birini, kendisinden önce veya sonra kimsenin yapmadığı bir şekilde, olabildiğince dürüst ve dokunaklı bir şekilde anlatmayı başardı.

Arka planda Kudüs karanlığa boğuluyor. Kurtarıcı öldü. Resmin ortasında onun cansız bedenini görüyoruz. Bu en büyük umutsuzluk anıdır, henüz kimse dirilişe inanmamaktadır. İnsanlar yalnızca sevdikleri ve tapındıkları adamın cesedini tanrı olarak görüyorlar ve Meryem Ana bayılıyor, cildi ölümcül derecede solgun; o tek oğlunu yeni kaybetmiş.

Bu tuvalde hemen fark edilmeyen bir detay var. Bu aydınlatmadır. Işığın kaynağı bir oğlan çocuğunun elindeki fenerdir ancak İsa'nın bedeni ve onu kollarında tutan havarinin kıyafetleri ışığı bir ayna gibi yansıtır. Ve burada gerçek hikaye ışık aracılığıyla anlatılıyor, resmin felsefi anlamı ortaya çıkıyor.

Fenerin ışığı iman ışığıdır ve resimde gördüklerimiz onun sırrına giriş niteliğindedir. Burada Kurtarıcı'nın bedeninin ışık kaynağı haline geldiği hissine kapılıyorsunuz. Karanlıkta öne çıkan, Meryem Ana'nın yüzü ve mumun loş ışığıyla aydınlatılan, İsa'nın bedeninin sarılacağı kefendir. Rembrandt ilk kez bu tuvalde hayatının son yıllarında çalışmalarının merkezi haline gelen bir tekniği kullandı.

Şimdi ise yazı tekniğine son derece hakim bir adamın, tuval üzerindeki tüm ana figürleri en ince ayrıntısına kadar çizdiğini, ancak ışıktan uzaklaştıkça insanların yüzlerinin giderek bulanıklaştığını, neredeyse ayırt edilemez hale geldiğini görüyoruz. Her şey çok basit - olup bitenlerin gizemi yanlarından geçiyor.

Ancak bu tuvalde ilk bakışta fark edilmeyen başka bir karakter daha var. Rembrandt, gölgede kalmasına rağmen onu çok net bir şekilde tasvir ediyor. Tuvalin sağ alt köşesinde, en karanlık yerden, deve dikeni dallarının arkasına saklanan köpek şeklindeki Şeytan size bakıyor ve sanki size bir soru soruyor gibi:

"Olanlara karıştın mı?"

Evet, Hollandalı usta hiçbir zaman resmin çerçevesinden memnun olmadı; tuvallerinin bu dünyanın bir parçası olacağını ve izleyicinin olup bitene doğrudan katılımcı olacağını hayal etti. Ancak onu ihtişamın doruklarından asırlık unutulmanın uçurumuna indiren de tam olarak bu arzuydu.

Talihsizlik ve unutulma, servet ve zafer kadar çabuk gelir. Rembrandt Harmens van Rijn bunu 1642'de ilk elden deneyimledi. Elbette bundan önce de acılar vardı: Çocukları bebekken öldü. Sadece bir oğlu hayatta kaldı, 1641'de doğan Titus. Ancak bir yıl sonra uzun yıllar birlikte yaşadığı sevgili eşi Saskia bu dünyayı terk etti. Ve bu kaybın yanı sıra, en büyük tablolarından birini yarattığı anda şans da sanatçıdan yüz çevirdi.

Rembrandt'ın “Gece Nöbeti” tablosundan durmadan bahsedebiliriz. Bu tablonun içeriği o kadar büyük, yapısal kompozisyonu o kadar benzersiz ki, yaratılış tarihi bir makaleye değil, ayrı bir kitaba oldukça layık. Ancak, hayatta sıklıkla olduğu gibi, çağdaşları tarafından reddedilen, daha sonra dünya resminin tüm gelişimini kökten değiştiren bu yaratımdı.

Müşteriler tasvir edilme şeklini beğenmedi ve birçoğu sanatçının eserinin parasını ödemeyi reddetti. Hollanda'nın en ünlü ressamı hiç böyle bir aşağılanma yaşamamıştı. Bir yıl Rembrandt çok sevdiği eşini kaybetti ve en iyi eseriyle fiyasko yaşadı. Görünüşe göre bu oldukça yeterli, ama hayır, bu trajedinin yalnızca başlangıcıydı. Siparişler gittikçe azaldı (klasisizm ve tören portrelerinin tarzı moda oldu) ve kısa süre sonra sanatçının mülkü borçlar nedeniyle satıldı. Amsterdam'ın tam merkezindeki devasa bir konaktan şehrin eteklerine, sevgili oğlu Titus ile birkaç oda kiraladığı Yahudi Mahallesi'ne taşınmak zorunda kaldı.

En ilginç olanı, Rembrandt'ın sanattaki en son moda trendlerine kolayca uyum sağlayabilmesi ve tuvalleri için yine büyük paralar alabilmesidir. Ancak ressam tamamen yeni bir tarz yaratması gerektiğine ikna olmuştu. Portreleri artık zengin insanların değil, Amsterdam şehrinin en sıradan vatandaşlarının portreleriydi. Örneğin “Yaşlı Bir Yahudinin Portresi” böyledir.

Rembrandt artık tüm kıyafetlerin ayrıntılı tasvirleriyle ilgilenmiyordu; karakterlerinin duygularını mükemmel bir doğrulukla göstermeye çalışarak daha fazla soyutlama çabası gösterdi. Bu ısrarı nedeniyle yalnızca acı ve tokat yedi. Bu, “Julius Civilis'in Komplosu” adlı tablosunda oldu.

Eski usta, klasik, gösterişli, vatansever bir imaj yerine bunu kamuoyuna sundu.

Önümüzde barbarca, kaba, çirkin bir ziyafetin resmi var. Bu resim, zamanının neredeyse 300 yıl ilerisindeydi ve dışavurumcu resmin öncüsüydü. Ustanın başyapıtının reddedilmesi ve adının silinmez bir utançla kaplanması şaşırtıcı değil. Ancak Rembrandt'ın çalışmalarının en verimli dönemlerinden biri tam da hayatının mutlak, aşılmaz bir yoksulluk içinde geçirdiği bu son sekiz yıldı.

“Savurgan Oğul’un Dönüşü” de dahil olmak üzere o dönemin resimlerini ayrı bir yazıda yazmayı düşünüyorum. Şimdi başka bir şeyden bahsetmek istiyorum. Kaderin darbeleri her yerden yağarken Rembrandt'ın nasıl çalışabildiğine ve yeteneğini geliştirebildiğine her zaman hayret etmişimdir. Bu uzun süre devam edemezdi ve sanatçı bunu sezmişti.

Son darbe her zaman en çok acı veren bölgeye yapılır. O, tek oğlu Titus'tu; ölmüş annesine benzeyen çok hasta bir çocuktu. O dönemde Rembrandt'ın en sık tasvir ettiği kişi oydu: hem “Matta ve Melek” tablosunda bir melek şeklinde, hem okurken hem de çeşitli kostümlerde. Belki de ressam, yeteneğinin yardımıyla kaçınılmaz olanı bir şekilde geciktirebileceğini düşünmüştü... Bu mümkün değildi...

Bana göre “Keşiş Cüppesindeki Titus Portresi” Rembrandt'ın en duygulu tablolarından biridir. Babasının tüm sevgisi ve ressam olarak tüm yeteneği onda kendini gösterdi. Bütün bu kaba vuruşlarda, soldan genç adamın üzerine doğru ilerleyen bu karanlıkta, vücudunu çevreleyen bitkilerde bir şey göze çarpıyor: sanatçının oğlunun alçakgönüllülükle dolu gözleriyle solgun yüzü.

Titus 1668'de öldü, Rembrandt ondan yalnızca bir yıl kurtuldu.

Bu hayatta her şeyi almış ve her şeyini kaybetmiş olarak Amsterdam'ın eteklerinde tamamen yalnız bir şekilde ölüyordu. Uzun zamandır resimlerini unutmuşlardı... Ama aradan 150 yıl geçti ve şöhret ve para yerine kendi yolunu seçen ustanın çağdaşlarına anlatmaya çalıştıklarını diğer sanatçılar çoktan duydu.

Resimleri dünyanın birçok müzesinde görülebiliyor, bugün dünyadaki herkes onu tanıyor. Korku ve sevinç, şaşkınlık ve öfke eserlerine o kadar doğal yansıyor ki, inanmamak mümkün değil. Vahşi popülerlik, trajik kader ve yaşamın üzücü düşüşü hâlâ dedikodu ve felsefi akıl yürütmenin nedeni olmaya devam ediyor.

Gençlik

Sanatçı Rembrandt, 1606 yılında Hollanda'nın Ren Nehri kıyısındaki Leiden şehrinde bir fırıncı ailesinde dünyaya geldi. Çok erken yaşlarda sanatsal yeteneği hissetti. Birkaç yıl evde eğitim gören genç adam, ünlü ressam Lastman'dan ders almak için Amsterdam'a gitti. Eğitim uzun sürmedi ve Rembrandt 19 yaşındayken Leiden'e geri döndü. Bu dönemde ailesinin ve arkadaşlarının portrelerini yaptı, aynı zamanda otoportrelere de büyük önem verdi. Kendisini çeşitli imgelerle tasvir ettiği yazarın eserlerinin çoğu günümüze kadar gelmiştir.

İtiraf

Bir gün, hevesli bir sanatçı, Cerrahlar Birliği'nden mükemmel bir sipariş alır. “Anatomi Dersi” çalışması bu şekilde ortaya çıkıyor. Resim Rembrandt'ın tanınmasını sağlıyor. Soyluların ve Amsterdam soylularının portreleri için hemen elliden fazla sipariş aldı. Popülerlikle eş zamanlı olarak ustanın refahı da artar. Antikalar ve dönem kostümleri toplamaya başlar. Enfes antika mobilyalar ve sanat objeleriyle doldurduğu lüks bir ev satın alır.

Saskia

Resimleri giderek popülerleşen Rembrandt, 28 yaşındayken zengin bir kız olan Saskia ile evlendi. Aşk için evlendi ve sadece kurtarmakla kalmadı, aynı zamanda sevgilisinin sermayesini de artırdı. Rembrandt karısını putlaştırdı ve eserlerinde onu sıklıkla çeşitli şekillerde tasvir etti. Sanatçının en ünlü tablolarından biri olan Saskia ile Otoportre, genç karısıyla mutlu bir Rembrandt'ı göstermektedir. Aynı zamanda sanatçı, İncil konusuna sahip bir dizi eser için sipariş aldı. Rembrandt'ın "İbrahim'in Kurban Edilmesi" ve "Belşatsar Bayramı" başlıklı tabloları bu şekilde ortaya çıkıyor. Ustanın en ünlü eserlerinden biri olan “Danae” de bu döneme aittir. Resim, sanatçı tarafından birkaç kez yeniden yazılmıştır ve birçok orijinal versiyonu bulunmaktadır.

Hayatın gün batımı

Sanatçının kaygısız dönemi uzun sürmedi. Rembrandt'ın bir kişiyi olduğu gibi tasvir etme tarzını herkes beğenmedi. “Gece Nöbeti” tablosunun yapılmasının ardından inanılmaz bir skandal patlak verdi. Tuvalde yabancılar belirdi. Belki de nedeni, sevgili Saskia'nın işin ortasında tüberkülozdan ölmesiydi. Resimde okçu figürlerinin yanı sıra ustanın karısını anımsatan bir kızın siluetini de görebilirsiniz. Yazarın popülaritesi azalmaya başlar. Neredeyse hiç yeni sipariş yok. Evini ve tüm mal varlığını kaybeden Rembrandt, resimlerine yeni, felsefi bir anlam kazandırarak sıradan insanları ve sevdiklerini resmetmeye başlar. Oğlu ve hayatının son yıllarında onu çevreleyen insanlar hakkında çok şey yazıyor. Bu dönemde Rembrandt'ın “Kırmızılı Yaşlı Adamın Portresi”, “Titus Okumanın Oğlunun Portresi” başlıklı resimleri ve diğer eserleri doğdu. Hayatının sonunda ustanın kaleminden başka bir şaheser ortaya çıkıyor: "Savurgan Evlat'ın Dönüşü". Bu resimde usta kendisini, değişen şöhretin zorlu yollarında dolaşmak zorunda kalan ebedi bir gezgin olarak resmetmektedir. 1969'da oğlunu ve gelinini gömen Rembrandt, bu dünyada sonsuza dek yaratıcı izini bırakarak ölür. Bugün, sanatçının resimleri dünyadaki herhangi bir büyük müzede onurlu bir yere sahiptir.

En Rembrandt. "Anatomi Dersi" (1632)

Bu tablo Rembrandt'ın Amsterdam'a taşınmasından sonra aldığı ilk büyük sipariştir. Tuval, Dr. Tulp'un yaptığı otopsiyi tasvir ediyor. Doktor forsepsle ellerinin tendonlarını tutarak öğrencilerine parmakların nasıl büküldüğünü gösteriyor. Bu tür grup portreleri o zamanlar doktor loncaları arasında çok popülerdi. Doğru, kural olarak, grup üyeleri arka arkaya oturarak onlara poz verdi. Resimleri doğallık ve gerçekçilik ile öne çıkan Rembrandt, öğrencileri yakın çevrede, Doktor Tulp'un sözlerini dikkatle dinlerken tasvir etti. Solgun yüzler ve cesedin kendisi, resmin kasvetli ve karanlık arka planına karşı parlak ışık noktaları olarak öne çıkıyor. Eser, Rembrandt'a ilk popülerliğini kazandırdı ve ardından yazara inanılmaz bir hızla siparişler yağdı.

"Saskia ile Otoportre" (1635)

Rembrandt hayatı boyunca inanılmaz sayıda otoportre çizdi. Bu tablo en ünlülerinden biridir. Bu, sanatçının sevdiğine sahip olmanın mutluluğunun sevincini anlatır. Ressamın duygusal durumu, karakterlerin açık bakışlarına, Rembrandt'ın sanki mutluluk ve esenlikten boğuluyormuş gibi ışıltılı yüzüne yansıyor. Ancak portrede gizli bir provokasyon da var: Ne de olsa sanatçı kendisini sıradan bir fahişeyle ziyafet çeken aynı "savurgan oğul" imajında \u200b\u200byaptırıyor. Bu otoportredeki “savurgan oğul”, izleyicinin aynı isimli tablodan tanıdığından ne kadar da farklı!

"Danae" (1636)

Rembrandt'ın tablolarının en ünlüsü. Perseus'un annesi Danae hakkındaki efsaneye dayanılarak yazılmıştır. Efsaneye göre kızın babası, kendi kızının oğlu yüzünden öleceğini öğrenince onu zindana hapseder. Zeus, altın yağmuru şeklinde mahkumun içine girdi ve ardından Perseus doğdu. Resim, sanatçının eserine özgü alışılmadık renklendirmesiyle dikkat çekiyor. Ortada vücudu parlak güneş ışığıyla aydınlatılan çıplak bir kadın var. Resimlerinde sıklıkla yakınındaki insanları tasvir eden Rembrandt, bu görselinde çok sevdiği eşi Saskia'nın imajını yakalamış. Meleğin görüntüsü karısının ölümünden sonra eklendi. Görünüşe göre her zaman ölen kişinin kaderi için ağlıyor. Rembrandt, en sevdiği yaratımı yeniden yazmak, resmin ruh halini duygularına göre değiştirmek için uzun zaman harcadı. Parıldayan tonlar ve altın rengi vurguların birleşimi, inceliği ve ihtişamıyla hayrete düşürüyor.

Tablonun kaderi, sanatçının hayat hikayesi gibi şaşırtıcı ve dramatiktir. Yazarın ölümünden sonra şaheserin birçok sahibi değişti. Eserin II. Catherine tarafından satın alınmasının ardından Danae, ünlü Hermitage koleksiyonunda gururla yerini aldı. 1985 yılında müzede, dünyayı Rembrandt'ın yaratılışını düşünme fırsatından neredeyse mahrum bırakan hoş olmayan bir olay meydana geldi. Deli bir adam tabloya doğru yürüdü ve üzerine asit attı. Boya hemen kabarmaya başladı. Ancak bu bile saldırgan için yeterli değildi: Durdurulmadan önce tuval üzerinde bıçakla birkaç kesik açmayı başardı. Hasar başyapıtın yaklaşık% 30'unu etkiledi. Manyağın, daha sonra 6 yılını bir psikiyatri kliniğinde geçiren Bronius Maigis olduğu ortaya çıktı. Tablonun restorasyonu 12 yıl sürdü. Şimdi Hermitage'de sergileniyor ve başyapıtı vandallardan koruyor. Başka bir ilginç gerçek. Sanat eseri ve onun reprodüksiyonları sıklıkla filmlerde yer alır. Örneğin "Danae", "Gangster Petersburg" dizisinde Rembrandt'ın "Aegina" tablosu olarak karşımıza çıkıyor.

"Gece Nöbeti" (1642)

Tablo, bir piyade tümeni başkanı tarafından Rembrandt'a sipariş edildi. Tuval, kampanya yürüten bir milis bölüğünü tasvir ediyor. Davul sesleriyle cesaretlenen silahşörler, çeşitli sosyal statü ve yaşlardaki askerlerin yanında savaşa hazır şekilde tasvir ediliyor. Hepsi erkeklik ve vatanseverlik dürtüsüyle birleşiyor. Eser, tüm görsellerin ve detayların çizimindeki titizliğiyle öne çıkıyor. Rembrandt'ın "Gece Nöbeti" tablosu, onu izleyen izleyicilerde olup biten her şeyin gerçekliğine dair tam bir fikir uyandırıyor. Yazar sadece tüm karakterlerin dış özelliklerini göstermeye değil, aynı zamanda her askerin iç dünyasını da ortaya çıkarmaya çalıştı. Resmin özü, geçmiş başarıların sembolü ve yeni bir görkemli zaferin habercisi olan zafer takıdır. Renkli renklerin (altın, siyah ve sarı) yardımıyla izleyici, ordunun ruh halinin enerjisini, dramını ve ciddiyetini ortaya çıkarıyor. Her karakterin karakteri ve kaderi ünlü bir sanatçının fırçası sayesinde okunabiliyor.

Neredeyse resmin ortasında tasvir edilen kızla ilgili birçok versiyon var. Parlak renkleri ve melek görünümüyle herkesten farklıdır. Belki de bu bir tür milis maskotudur. Başka bir versiyona göre kız, yazarın resmin ortasında başka bir dünyaya giden sevgili karısının görüntüsüdür. Bildiğiniz gibi müşteriler çalışmayı beğenmedi. Tabloyu aldıktan sonra tuvali barbarca kesip ziyafet salonuna astılar.

"Savurgan Oğul'un Dönüşü" (1666-1669)

Rembrandt'ın “Savurgan Oğul'un Dönüşü” adlı tablosu, ünlü sanatçının çalışmalarının en çarpıcı zirvelerinden biridir. Üstadın hayatının son yıllarında yazılmıştır. Bu onun çok yaşlı ve zayıf, muhtaç ve aç olduğu bir dönemdi. Savurgan oğul teması sanatçının çalışmalarında defalarca ortaya çıktı. Bu çalışma, ünlü yazarın uzun yıllar süren yaratıcı gezilerinin bir özeti olan bir sonuçtur. Resim, Rembrandt'ın paletinin tüm sıcaklığını ve derinliğini yayıyor. Parıldayan renkler ve zarif ışık ve gölge oyunu, ana karakterlerin görüntülerini vurguluyor. Saygıdeğer yaşlı adamın ve onun müsrif oğlunun ortaya çıkışı bir dizi farklı duyguyu ifade ediyor: tövbe ve sevgi, merhamet ve gecikmiş içgörünün acısı. Sanat eleştirmenlerine göre “Dönüş” ressamın tüm psikolojik yeteneğini ortaya çıkardı. Birikmiş tüm yaratıcı deneyimini, tüm tutkusunu, tüm ilhamını beynine aktardı.

Çözüm

Rembrandt'ın bu makalede sunulanları nasıl tasvir ettiğini hayal etmek bile zor. Yaratılışlarından bu yana kaç yıl geçti, üç asırlık tarih boyunca don yağı mumlarından ne kadar çok kurum onları kapladı! Doğum günlerinde nasıl göründüklerini ancak tahmin edebiliriz. Bu arada, bugüne kadar ünlü ressamın yeteneğinin milyonlarca hayranı, dünyanın dört bir yanındaki farklı müzelerde onun başyapıtlarını görmeye geliyor.

Güzel sanatların gelecekteki reformcusu, Leiden'de zengin bir değirmencinin ailesinde doğdu. Çocuk, erken çocukluktan itibaren resme ilgi gösterdi, bu nedenle 13 yaşındayken Leiden sanatçısı Jacob van Swanenburch'un yanında çıraklık yaptı. Rembrandt daha sonra tarihi, mitolojik ve İncil konularında uzmanlaşmış Amsterdamlı ressam Pieter Lastman'la çalıştı.

Zaten 1627'de Rembrandt, arkadaşı Jan Lievens ile kendi atölyesini açmayı başardı - henüz 20 yaşında olan genç ressam, kendisi öğrenci almaya başladı.

Zaten Rembrandt'ın ilk çalışmalarında, şekillenmeye başlayan özel bir resimsel üslup açıkça görülüyor - sanatçı, karakterlerini olabildiğince duygusal olarak boyamaya çalışıyor, kelimenin tam anlamıyla tuvalin her santimetresi drama ile dolu. Yolculuğunun en başında, chiaroscuro ile çalışmanın geleceğin eşsiz ustası, bu tekniğin duyguları aktarmadaki gücünü fark etti.

1631'de Rembrandt Amsterdam'a taşındı ve orada son derece coşkuyla karşılandı; sanat uzmanları genç sanatçının resim stilini bizzat Rubens'in eserleriyle karşılaştırdılar; bu arada Rembrandt, bu sanatçının estetiğinin çoğundan ipuçları almaktan mutluydu.

Hollanda'nın başkentindeki çalışma dönemi, Rembrandt'ın çalışmalarındaki portre türü için bir dönüm noktası haline geldi - burada usta, her ayrıntıyı dikkatlice çalışarak, insanın yüz ifadelerinin tüm inceliklerini kavrayarak, kadın ve erkek kafalarının birçok çalışmasını boyadı. yüz. Sanatçı zengin kasaba halkının resimlerini yapıyor - şöhreti hızla yayılıyor ve ticari başarının anahtarı haline geliyor - ve aynı zamanda otoportreler üzerinde de çok çalışıyor.

Rembrandt'ın hem kişisel hem de yaratıcı kaderi kolay değildi. Başlangıçta şöhret ve başarının tercih ettiği yetenekli ressam, aynı zamanda eserlerinin devrimci cesaretini fark edemeyen zengin müşterilerini birdenbire kaybetti. Rembrandt'ın mirası yalnızca iki yüzyıl sonra gerçekten takdir edildi - 19. yüzyılda gerçekçi sanatçılar, Hollanda resminin altın çağının en parlak temsilcilerinden biri olan bu ustanın resimlerinden ilham aldı.

1. "Danae" (1633-1647)

Rembrandt hakkında hiçbir şey bilmiyorsanız ve resimle hiç ilgilenmiyorsanız bile bu tablo size kesinlikle tanıdık gelecektir. St. Petersburg Hermitage'da saklanan tuval, 1985 yılında üzerine sülfürik asit döken ve ardından tuvali bıçakla kesen bir vandal nedeniyle neredeyse sonsuza kadar kaybolmuştu.

Dünya dışı ışık ışınları altında bir yatakta yatan çıplak bir kızı tasvir eden tablo, Rembrandt tarafından evi için boyandı - tema, kazanan Medusa Perseus'un gelecekteki annesi güzel Danae hakkındaki ünlü antik Yunan efsanesiydi ve Yıldırım Zeus. Danae'nin ortaya çıkışı, yaratıcılık araştırmacıları için yakın zamanda çözülen bir bilmece oluşturdu: Rembrandt'ın modelinin karısı Saskia van Uylenburch olduğu biliniyor, ancak bize gelen Danae, sanatçının karısına hiç benzemiyor. Tuval üzerinde yapılan bir röntgen çalışması, Rembrandt'ın karısının ölümünden sonra Danae'nin yüzünü kısmen yeniden yazdığını ve bunu ikinci sevgilisi, oğlu Titus'un dadısı Gertje Dirks'in yüzüne benzettiğini gösterdi. Danae'nin üzerinde uçan aşk tanrısı da başlangıçta farklı görünüyordu - kanatlı tanrı güldü, ancak son versiyonda yüzünde donmuş bir acı vardı.

1985 yılında tabloya yapılan saldırının ardından restore edilmesi 12 yıl sürdü. Resim kaybı %27'ydi; en iyi ustalar Rembrandt'ın başyapıtını restore etmek için çalıştı, ancak başarı garantisi yoktu. Neyse ki tuval kurtarıldı; tablo artık zırhlı camla güvenilir bir şekilde korunuyor.

2. "Gece Nöbeti", (1642)

Görüntüleme moduna geçmek için resme tıklayın

Neredeyse dört metrelik devasa tuval, yaratıcısının kariyerinde gerçekten ölümcül hale geldi. Resmin doğru başlığı "Yüzbaşı Frans Banning Kok ve Teğmen Willem van Ruytenburg'un tüfek bölüğünün performansı"dır. İki yüzyıl boyunca unutulan bu yapı, sanat tarihçilerinin keşfetmesiyle “Gece Nöbeti” haline geldi. Resmin bir gece servisi sırasında silahşörleri tasvir ettiğine karar verildi - ve ancak restorasyondan sonra kurum tabakasının altında tamamen farklı bir orijinal renklendirme olduğu ortaya çıktı - gölgeler bu konuda anlamlı bir şekilde konuşuyor - tuval üzerindeki eylem 2 civarında gerçekleşiyor öğleden sonra saat.

Çalışma, Hollanda'nın sivil milis birimi olan Shooting Society'den Rembrandt tarafından sipariş edildi. Derneğin yeni binasını altı şirketten oluşan bir grup portresi süsleyecekti - Rembrandt'tan Yüzbaşı Frans Banning Cock'un tüfek şirketini boyaması istendi. Sanatçının geleneksel bir tören portresi yapması bekleniyordu - tüm karakterler arka arkaya - ancak silahşörleri hareket halinde tasvir etmeye karar verdi. Her figürün olabildiğince dinamik olduğu cesur kompozisyon, müşteri arasında anlayış bulamadı - memnuniyetsizlik, tasvir edilenlerden bazılarının açıkça görülebilmesi, diğerlerinin ise arka planda olmasından kaynaklandı. "Gece Nöbeti" kelimenin tam anlamıyla Rembrandt'ın kariyerini kırdı - bu tablodan sonra düzenli zengin müşteriler ressamdan uzaklaştı ve resim tarzı kökten değişti.

Bu arada bu tablonun kaderi Danae'ninkinden daha az trajik değil. Her şeyden önce, 18. yüzyılda Atıcılık Cemiyeti'nin yeni salonuna sığması için tamamen barbarca kesildi. Böylece silahşörler Jacob Dirksen de Roy ve Jan Brugman resimden kayboldu. Neyse ki orijinal tablonun bir kopyası korunmuştur. “Gece Nöbeti” üç kez vandalların saldırısına uğradı: İlkinde büyük bir tuval parçası kesildi, ikincisinde tablo 10 kez bıçaklandı ve üçüncüsünde üzerine sülfürik asit döküldü.

Artık tuval, Amsterdam Ulusal Müzesi olan Rijksmuseum'da tutuluyor. Bu resme saatlerce bakabilirsiniz - hem "ısmarlama" (aslında 18 silahşör var) hem de Rembrandt'ın kendi takdirine göre eklediği (16 figür, en gizemli olanı tablonun “altın bölümleri”nin yerindeki küçük kızdır)

3. "Meyhanedeki Savurgan Oğul" (1635)

Görüntüleme moduna geçmek için resme tıklayın

Sanatçının, kucağında sevgili eşi Saskia ile yaptığı bu otoportre, Dresden'deki Eski Ustalar Galerisi'nde (Dresden Galerisi olarak da bilinir) saklanmaktadır. Hiç şüphe yok ki sanatçı bu resmi tamamen mutlu bir şekilde resmetmiştir. Hayatının bu döneminde Rembrandt çok çalıştı ve verimli çalıştı, popüler oldu, çalışmalarından yüksek ücretler aldı ve müşterileri arasında ünlü ve varlıklı insanlar vardı. Usta, Luka İncili'nin olay örgüsünü zamanın ruhuna uygun olarak yeniden işledi - savurgan oğul bir kaşkorse ve geniş kenarlı tüylü bir şapka giymiş, kucağındaki fahişe de o zamanın modasına göre giyinmiş. Bu arada bu, sanatçının eşiyle birlikte yaptığı otoportrenin tek resmi. Rembrandt, 1638'de gravür tekniğini kullanarak aynı resimsel mekanda kendisinin ve Saskia'nın başka bir resmini yapmıştı. Resmin genel neşeli tonuna rağmen, yazar size er ya da geç bu hayattaki her şeyin bedelini ödemek zorunda kalacağınızı hatırlatmayı unutmadı - bu, eğlencenin çok yakında olacağı arka plandaki arduvaz tahtası tarafından anlamlı bir şekilde kanıtlanıyor. faturalandırılacak. Rembrandt yeteneğinin karşılığının ne kadar büyük olacağını tahmin edebilir miydi?

4. "Savurgan Evlat'ın Dönüşü" (1666-1669)

Görüntüleme moduna geçmek için resme tıklayın

Bu, Rembrandt'ın dini temalı en büyük tablosudur ve Hermitage'da saklanmaktadır. Resmin anlamsal merkezi güçlü bir şekilde yana kaydırılır, ana figürler ışıkla vurgulanır, geri kalan karakterler gölgeyle kaplanır, bu da tasvir edilenleri okurken hata yapmayı imkansız hale getirir. Bu arada, Rembrandt'ın tüm resimleri önemli bir ayrıntıyla birleşiyor - ana olay örgüsünün genel netliğine rağmen, her resim sanat tarihçilerinin çözemediği gizemler içeriyor. Gece Nöbetçileri'ndeki kız gibi, Savurgan Oğul'un Dönüşü de gizemle örtülü karakterler içeriyor. Bunlardan dört tane var - birisi geleneksel olarak onlara ana karakterin "erkek ve kız kardeşleri" diyor. Bazı araştırmacılar, sütunun arkasındaki kadın figürünü ikinci, itaatkâr bir oğul olarak yorumluyor; ancak geleneksel olarak bu rol ön plandaki erkeğe veriliyor. Sakallı, elinde bir asa olan bu adam daha az soru sormuyor - Luka İncili'nde dekanın erkek kardeşi, savurgan akrabayla doğrudan sahadan buluşmak için koşarak geldi, ancak burada daha çok asil bir gezgin olarak tasvir ediliyor, belki de hatta Ebedi Yahudi. Bu arada, Rembrandt'ın kendisini bu şekilde tasvir etmesi mümkündür - bildiğiniz gibi otoportreler resimlerinde nadir değildir.

5. "Flora rolünde Saskia" (1634)

Görüntüleme moduna geçmek için resme tıklayın

Rembrandt'ın 1934-1942 yılları arasındaki tuvallerindeki kadın resimlerinin çoğu, sanatçının sevgili eşi Saskia van Uylenburch'a aitti. Usta, antik bahar tanrıçası Flora'nın imajında Saskia'yı üç kez tasvir etti - düşündüğümüz portre, düğün yıllarında yaratıldı - Rembrandt'ın karısını putlaştırdığı, ona hayran olduğu ve her şeyi koyduğu çıplak gözle açık. resme olan hassasiyeti.

Saskia evlendiğinde 22 yaşındaydı; 17 yaşında yetim kalmıştı. Bir olay onu gelecekteki kocasıyla bir araya getirdi - Rembrandt'ı tanıyan vaiz Johann Cornelis Silvius'un karısı olan kuzenini ziyaret etmek için Amsterdam'a geldi. Düğün 10 Haziran 1634'te gerçekleşti. 1942'de - uzun zamandır beklenen oğlu Titus'un doğumundan sadece bir yıl sonra - Saskia vefat etti.

Flora-Saskia gençliğin, tazeliğin ve iffetin vücut bulmuş halidir; görünüşünde o kadar büyüleyici bir utangaçlık ve kız gibi bir tazelik var ki. Rembrandt bu tablosunda pastoral ve tarihi portreleri ustaca birleştirdi. Bu arada, karısıyla birlikte çizdiği üç Flora'dan (diğer iki resim 1935 ve 1941'de yapılmış), ilki en çok antik çağa atıfta bulunurken, diğer iki portre sadece zar zor fark edilen ayrıntılarla efsaneye işaret ediyor. "Flora olarak Saskia" Hermitage'da tutuluyor.

Rembrandt'ın otoportresi, 1661. Tuval üzerine yağlıboya, 114x91.
Kenwood House, Londra, İngiliz Mirası.
http://rembr.ru/ sitesinden örnek

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), Hollandalı ressam, teknik ressam ve gravürcü, Batı Avrupa sanatının en büyük ustalarından biri. 15 Temmuz 1606'da Leiden'de zengin bir değirmencinin ailesinde doğdu. 1620'de Leiden Üniversitesi'ne girdi, ancak orada uzun süre kalmadı ve kısa süre sonra yerel sanatçı Jacob Isaacs Swanenburch'un öğrencisi oldu. 1623 civarında Amsterdam'a taşındı ve burada Jan Peynas'ın atölyesine girdi ve tarihi resim ustası Pieter Lastman'dan çalıştı. İkincisi, Rembrandt'ı İtalyan sanatının ustalarının eserleriyle tanıştırdı. 1625'ten 1631'e kadar Rembrandt, Leiden'de kendi atölyesini kurdu ve bazen ressam ve gravürcü Jan Lievens ile çalıştı. Rembrandt'ın öğrencileri arasında Gerard Dou en ünlüsüdür.

1631'de veya 1632'nin sonunda Rembrandt Amsterdam'a döndü. 22 Haziran 1635'te Leuwarden'in zengin belediye başkanının kızı Saskia van Uylenburch ile evlendi. 1642'de yaratıcılık ve kişisel yaşamdaki başarı yerini bir dizi talihsizliğe bıraktı. 1630'ların sonunda arka arkaya dört çocuğu doğdu, ancak hepsi bebeklik döneminde öldü ve ardından 14 Haziran 1642'de sevgili karısı aniden öldü. Sanatçı bir yaşındaki oğlu Titus'un yanında kaldı. Saskia'nın ölümünden kısa bir süre sonra tamamlanan Gece Nöbeti (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), onun yeni yaratıcı keşiflerinin başlangıcını işaret ediyor.

1640'ların sonunda Hendrikje Stoffels, Rembrandt'ın resmi olmayan eşi oldu (Saskia'nın vasiyetine göre ikinci kez evlenemezdi). 1654'te kızları Cornelia doğdu. Ancak artık sanatçı mali zorluklarla boğuşuyordu. Temmuz 1656'da iflas ilan etmek zorunda kaldı ve sonraki iki yıl içinde olağanüstü koleksiyonu satıldı. Rembrandt'a yardım etmek isteyen Titus ve Hendrikje, 1658 yılı sonlarında resim ticaretiyle uğraşmaya başladılar.

Sanatçının hayatının son yılları sevdiklerinin ölümüyle gölgelendi. Hendrickje 24 Temmuz 1663'te öldü. Titus Şubat 1668'de evlendi ve altı ay sonra öldü. Artık Rembrandt genç Cornelia'yla yalnız kalmıştı. Rembrandt 4 Ekim 1669'da öldü.

Rembrandt yaklaşık 600 resim, 300'e yakın gravür ve 1.400'den fazla çizim yarattı. Aşağıda çalışmalarının kronolojik bir özeti bulunmaktadır.

Rembrandt'ın çalışmalarının erken dönemi, İtalyan sanatının Hollanda resmi üzerindeki etkisi bağlamında değerlendirilmelidir. İtalyan ustalar arasında Hollandalılar özellikle Caravaggio'nun ilgisini çekmişti; Caravaggio'nun eserlerinde cesur natüralizm ve zıt ışık ve gölge modellemesi klasik sanata meydan okuyor gibi görünüyordu. Gerard Terbruggen ve Rembrandt'ın öğretmeni Pieter Lastman gibi sanatçılar Caravaggio tarzında çalıştılar ve Caravaggism'i yavaş yavaş Hollanda resminin sanatsal araçlarının cephaneliğine dahil ettiler. Rembrandt'ın Leiden dönemine (1625-1631) ait resimleri de bu akıma aittir. The Money Changer (1627, Berlin) ve The Scientist in His Study (1629, Londra, National Gallery) tabloları ustanın ışık efektlerini aktarmaya olan ilgisini gösteriyordu. Bunlardan ilki, hesap defterleriyle dolu bir köşede, gözlüklü yaşlı bir adamı iş başında tasvir ediyor. Kırışık yüzü, eliyle kapattığı tek bir mumun loş ışığıyla aydınlanıyor. İkinci resimde Rembrandt havadar bir iç mekanın atmosferini aktarmaya çalıştı. Görüntünün ana konusu, yumuşak, titreşen ışıkla dolu, yüksek tavanlı odanın kendisidir.

Sanatçı, yaratıcı kariyeri boyunca derin yaşam dramasının incelikli psikoloji unsurlarıyla birleştirildiği konulara yöneldi. Emmaus'ta Akşam Yemeği tablosu (c. 1630, Paris, Jacquemart-André Müzesi), Rembrandt'ın bu döneme ait resminin özelliklerini gösterir. Rembrandt bu bölümü teatral bir mizansen olarak sundu. Mesih'in silueti göz kamaştırıcı ışığın arka planında öne çıkıyor, tuvalin çoğu gölgeye gömülmüş durumda.

Amsterdam'a taşınması ve ardından gelen büyük sanatsal başarılar, Rembrandt'ın eserlerinde yeni bir dönem açtı; bu, dramayla dolu ve aynı zamanda maddi duygusallıktan yoksun olmayan, kısmen Flaman Peter Paul Rubens'in eserleriyle ruhen bağlantılı eserlerin yaratıldığı bir on yıl. Rembrandt'ın Amsterdam'da aldığı ilk büyük sipariş Doktor Tulp'un Anatomisi (1632, Lahey, Mauritshuis) tablosuydu. Bu, ünlü bir Amsterdam doktorunun ve şehir cerrahlar loncasındaki meslektaşlarının bir görüntüsüdür.

Rembrandt'ın 1630'larda yaptığı tarihi konulardaki resimler arasında Samson'un Kör Edilmesi (1636, Frankfurt am Main, Städel Sanat Enstitüsü) özellikle dramatik görünüyor. Olay örgüsünün gerilimini artırmak için ışık parlamaları, dinamik köşegenler ve canlı renkler kullanılıyor; resim keskin, hızlı hareketlerle doludur.

Rembrandt'ın bu yıllardaki tablolarını karakterize eden hazcılık ve teknik ustalık belki de en canlı şekilde Saskia ile Otoportre'de (c. 1635, Dresden, Resim Galerisi) somutlaşmıştır. Burada sanatçı kendisini romantik bir beyefendi kıyafetiyle tasvir etti; Bir eliyle bira bardağını kaldırıyor, diğer eliyle kucağında oturan Saskia'ya sarılıyor. Renklerin parlaklığı ve vuruş özgürlüğü, sahnenin havasına tamamen uyuyor.

Kucağında Saskia'nın olduğu otoportre. 1635

1640'ların başlarında Rembrandt'ın hayatı ve sanatsal faaliyeti istikrar ve düzenlilik kazandı. Raphael ve Titian'ın çalışmalarından etkilenen Otoportre 1640 (Londra, Ulusal Galeri), 16. yüzyıl İtalyan tarzında giyinmiş, bir korkuluğa yaslanmış, kendine güvenen, mantıklı bir adamı gösteriyor; omuzları hafifçe dönük, bakışları izleyiciye dönük.

Bu dönemin en ünlü tablolarından biri Gece Nöbeti'dir (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Eserin asıl adı Yüzbaşı Frans Banning Kok ve Teğmen Willem van Ruytenburg'un Bölüğü'dür. Fransız Kraliçesi Marie de' Medici'nin Amsterdam'ı ziyareti ve bu vesileyle düzenlenen milis birliklerinin şehirden törenle çıkışı münasebetiyle yazılmıştır. Resimdeki baskın koyu arka plan, karakterlerin figürlerinin daha iyi vurgulanmasını mümkün kılar. Bu yüzden 18. yüzyılda. tabloya yanlışlıkla Gece Nöbeti adı verildi. Doktor Tulpe'nin Anatomisi gibi bu tablo da geleneksel grup portresinin ötesine geçiyor. 16'sı gerçek tarihi figür olan 29 karakteri tasvir ediyor; resimdeki hareketleri ve konumları, izleyicinin gözleri önünde gelişen tek bir genel eyleme tabidir. Direkler, pankartlar ve tüfekler farklı yönlere çıkarak kompozisyonu daha özgür ve dinamik hale getiriyor; duygu, ışık ve gölge oyunuyla güçlendirilir.

Gece Nöbeti. 1642

1640'larda, Rembrandt'ın dini tablosu daha az retorik hale geldi, ustanın sonraki çalışmalarının karakteristik özelliği olan alçakgönüllülük ve derin içsel güç ortaya çıktı. Rönesans'tan beri Kutsal Kitap'taki olaylar genellikle kahramanca yorumlanmış ve karakterleri fiziksel güzelliklerle donatılmıştır. Rembrandt'ın vizyonu bu konseptten oldukça farklıydı; Mesih, eserlerinde alçakgönüllü ve uysal, aşağılanmış ve insanlar arasında görünmez görünüyor.

Adını ilk müzayedelerden birinde satıldığı fiyattan alan bir gravür olan Yüz Gulden Yaprağı, Hıristiyan alçakgönüllülüğü temasını ele alıyor. Mesih'in figürü ne kıyafetleri ne de özel konumu nedeniyle kalabalığın arasından sıyrılıyor, ancak izleyicinin dikkati kompozisyonun merkezine çekiliyor - ondan yayılan ilahi ışığın en ince ışınlarıyla Kurtarıcı'nın yüzü. Sol elinde, ruhun ve bedenin zayıflığından kırılmış, zengin ve fakir, acıyla birleşmiş olanlar var. Sağda Ferisiler, kâfirler ve sonu gelmez tartışmalara dalmış olanlar var. Küçük çocuklar İsa'nın ayaklarına düşerler. Yüz Gulden Yaprağı gravüründe, görünür bir eylemin yokluğunda Rembrandt, İlahi varlığın mucizesini insan dünyasında aktarmayı mükemmel bir şekilde başardı.

1650'lerin başından itibaren Rembrandt'ın portreleri son derece kişisel hale geldi, kompozisyonlar yapı açısından katı ve geometrik hale geldi ve renk şeması üç veya dört rengin geniş bir ton yelpazesine dönüştü. Rembrandt'ın sanatı halkın daha sanatsal zevklerini yansıtmıyor; Sanatçı şu anda yağlıboya tekniklerinin özelliklerini araştırmakla meşgul. Ustanın daha sonraki eserlerinde somutlaşan ve bugün çok değer verilen dünya görüşü, çağdaşları için anlaşılmaz kaldı.

Rembrandt. "Danae." 1636.

Rembrandt'ın atölyesindeki Yaldızlı Miğferli Adam (1651, Berlin - Dahlem) tablosu, ustanın geç dönem üslubunun karakteristik özelliklerini gösteriyor. Gri saçlı savaşçının yüzü derin, yumuşak bir gölgeye batırılmış ve ışığın miğfer üzerindeki yansımaları serbest, geniş, kalın vuruşlarla aktarılıyor. Rembrandt'a göre alışılmadık bir konu bazen cesur sanatsal deneylere neden olabiliyordu. Buradaki bir örnek Derili Boğa Karkası (1655, Paris, Louvre) tablosudur. Fırça ölü bedene hayat, çirkinliğe güzellik getirir. Rembrandt insan vücudunu tasvir ederken her zaman klasikçi idealleştirmeden kaçındı. Bathsheba (1654, Paris, Louvre) tablosunda, Kral David'in yıkanırken gördüğü ve olağanüstü güzelliği nedeniyle aşık olduğu kadın, yıkanma anında tasvir edilmemiştir, bu nedenle sanatçılar tarafından bu hikayeyi anlatmak için sıklıkla seçilmiştir ve bu hiç de güzel. Derin düşüncelere dalmış durumda ve kocasının ölümünü önceden görüyor gibi görünüyor.

Daha sonraki çalışmalarında Rembrandt giderek Hıristiyan tarihindeki olayların yorumlanmasına yöneldi. Haçtan İniş tablosu (c. 1655, Washington, Ulusal Galeri) yalnızca Mesih'in ölümüne değil, aynı zamanda O'nun yasını tutanların üzüntüsüne de adanmıştır.

Rembrandt'ın bu döneme ait en ünlü dini resim eserlerinden biri Peter'ın Reddi tablosudur (c. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). Ortada genç bir hizmetçinin Peter'a döndüğü tasvir ediliyor ve o, elini yana doğru hareket ettirerek Mesih'ten vazgeçme konusundaki sözlerini doğruluyor. Ön plandaki alan, hizmetçinin eliyle gölgelediği tek bir mumla aydınlatılıyor; bu, yüzyılın başında Caravaggistler arasında çok popüler olan bir teknikti. Bir mumun yumuşak ışığı, ön planda yer alan figürlerin ve nesnelerin şekillerini modellemektedir. Hafif vuruşlarla, kahverengimsi sarımsı bir renk şemasında ve birkaç kırmızı vurguyla boyanmışlardır. Bazen formlar ışıkta eriyip gidiyor ya da ışıkla doluyor, tıpkı bir hizmetçinin mumu kapatan eli gibi. Peter'ın yüzünde derin bir üzüntü var. Rembrandt, sanatçının daha sonraki portre ve otoportrelerinde olduğu gibi burada da yaşlılığı, yılların biriktirdiği bilgeliği, bedenin zayıflığını ve ruhun metanetini eşsiz bir ustalıkla tasvir ediyor.

Rembrandt'ın portreleri de yıllar geçtikçe son derece kişisel hale geliyor. Şair Jan Six'in portresinde (1654, Amsterdam, Six aile koleksiyonu), konu aşağıdan yukarıya doğru zar zor fark edilen bir perspektifle tasvir edilmiştir; İnce bir şekilde modellenmiş yüz dışında, portre geniş vuruşlarla hızlı ve özgür bir şekilde boyanmıştır. Renk şemasında, yeşil ve grinin çeşitli tonlarıyla kontrast oluşturan pelerinin parlak kırmızısı ve takım elbise düğmelerinin altın rengi hakimdir.

Hendrikje Stoffels'in (c. 1656, Berlin - Dahlem) portresinde, figür pencere açıklığının çerçevesine yazılmıştır ve sanatçının seçtiği büyük ölçek nedeniyle resim düzlemine çok yakın duruyormuş gibi görünmektedir. Hendrickje'nin bakışları izleyiciye dönük, duruşu serbest, başı yana eğilmiş ve elleri çok doğal bir şekilde uzanıyor. Tablonun renk şeması altın, beyaz, kırmızı ve siyah tonlarının birleşimidir.

Rembrandt'ın en iyi grup portrelerinden biri Syndics'tir (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Portrenin müşterileri Amsterdam kumaş imalathanesinin (sindics) temsilcileriydi. Üzerinde bir sayma kitabı bulunan bir masanın etrafında tasvir edilmişlerdir. Sanatçı, izleyiciyi resimde olup bitenlerin katılımcısı haline getiriyor. Görünüşe göre hesaplamalarıyla meşgul olan sendikaların sözünü kestik ve bu nedenle hepsi sanki işlerinden bir anlığına yukarı bakıyormuş gibi izleyiciye bakıyor. Resimde düz çizgiler hakimdir, ancak masanın dönüşü ve karmaşık ışık oyunu kompozisyonun ciddiyetini yumuşatır. Işık noktaları tuvalin her tarafına dağılarak resimsel yüzeyini canlandırıyor. Bu resim hem amacı farklı karakterlere sahip insanları tasvir etmek olan psikolojik bir çalışma hem de tarihi bir belge olarak dikkat çekicidir.

1661 yılı civarında Rembrandt, Amsterdam Belediye Binası'nı süslemesi beklenen sekiz tarihi tablodan biri için görevlendirildi. Devasa tuval (orijinal boyutları 5-5 m) Julius Civilis'in Komplosu, çeşitli versiyonlara göre ya hiçbir zaman belediye binasına asılmadı ya da kendisine ayrılan alanı iki yıldan fazla olmamak üzere işgal etti ve daha sonra yerini Ovens'ın aynı konuyla ilgili bir tablosu. Stockholm'deki Ulusal Müze'de bulunan Rembrandt'ın bu eserinin yalnızca bir parçası hayatta kaldı. Rembrandt, Romalı tarihçi Tacitus'un Yıllıkları'nda (1. yüzyıl) anlatılan bir olayı tasvir etti: Batavian kabilesinin liderleri, Roma yönetiminden kurtulmak için savaşmak için kılıç üzerine yemin ediyorlar. Bu eserin orijinal haliyle ölçeği, Münih'te bulunan kompozisyon taslağından değerlendirilebilir. Bu, ilk başta masanın ve etrafında toplanan insanların, derinliği ışık ve gölge oyunuyla aktarılan devasa bir salon alanında gösterildiğini gösteriyor.

17. yüzyılda çizim genellikle büyük bir kompozisyon geliştirmek için bir ön taslak, gelecekteki resmin bireysel detaylarının bir taslağı olarak hizmet etti veya kartona uygulandı ve daha sonra boyama amaçlı yüzeye aktarıldı. Bir çizimin tam bir sanat eseri olduğu çok nadiren düşünülür; Çoğu zaman çizimler proje tamamlandıktan sonra çöpe atılırdı. Rembrandt'ın her çizimi, fenomenin doğası üzerine bir çalışmadır ve bir anın veya nesnenin karakterini yakalama girişimidir. Bir sanatçı, eski ustaların eserlerinden eskizler yaptığında, kendi sanatsal sorunlarını çözerken kopya değil, aynı temanın varyasyonlarını yaratmıştır. 1630'lu ve 1640'lı yıllarda farklı kalınlıktaki çizgileri en ince yıkamalarla birleştirerek resim yaptı. Bazen çizimleri hızlı eskizlere benziyor, sinir çizgisi neredeyse hiçbir yerde sürekli kalmıyor.

Rembrandt, metal gravürle karşılaştırıldığında gravürün zengin olanaklarını fark eden ilk kişiydi. Bu gravür, bir tasarımın metal bir plaka üzerine çizilmesiyle oluşturulur; daha sonra plaka, kesicinin bıraktığı girintileri doldurarak boya ile kaplanır ve bir pres kullanılarak kağıt üzerine baskılar yapılır. Kesici güçlü baskı ve büyük özen gerektirir. Gravür üzerinde çalışmak ise tam tersine çok fazla fiziksel güç gerektirmez ve çizgiler daha özgür ve daha esnektir. Sanatçı, metali keski ile çizmek yerine, plakayı aside dayanıklı bir vernikle kaplıyor ve üzerine bir iğne ile çizim yapıyor, ardından plakayı aside batırıyor ve metalin verniksiz bölgeleri kazınıyor. Gravür, sanatçıya çok daha fazla özgürlük sağlar ve sanki kağıt üzerine kalem kullanıyormuş gibi iğneyle çizim yapabilir. Rembrandt'ın gravürlerindeki çizgiler, karakalem çizimlerindeki kadar özgür ve akıcıdır. Yeni ifade efektleri elde etmek için sıklıkla farklı teknikleri birleştirdi: Bazen önceden asitle kazınmış bir tahtanın üzerinden bir kesici geçirdi, bazen de üzerinde çentikler bırakan, ucunda elmas bulunan bir alet olan "kuru nokta" ile kazıdı. baskıya yumuşak ve kadifemsi bir dokunuş veren metal. Örneğin, Yüz Guilder Sheet'te sanatçı tüm bu teknikleri kullandı (bu panodaki çalışma birkaç yıl sürdü).

Liszt'in Çobanlara İyi Haber (1634) adlı eseri gerçek bir Barok tiyatro performansıdır. Çizim, açık ve koyu tonların kontrastını oluşturan, yoğun şekilde yerleştirilmiş kesişen vuruşlarla yapılmıştır. Beş yıl sonra, Meryem Ana'nın Göğe Kabulü'nde, yoğun gölgeli karanlık alanların hakimiyeti, yerini açık alanların hakimiyetine ve ince paralel gölgelendirmeye bıraktı. Üç Ağaç'ın (1643) gravüründe, yoğun gölgeli görüntü parçaları ile beyaz kağıdın kontrastı en uç noktaya taşınmıştır; Gökyüzüne doğru eğimli paralel çizgiler, yaz fırtınası hissini mükemmel bir şekilde aktarıyor. Rembrandt'ın gravürlerinin en dramatik olanı Üç Haç tablosudur (c. 1650).

Savurgan Oğul'un dönüşü. 1669

"Çevremizdeki Dünya" ansiklopedisinden materyaller kullanıldı.

Edebiyat:

Rovinsky D. Rembrandt'ın gravürlerinin tam koleksiyonu, cilt 1–4. St.Petersburg, 1890

Rembrandt. 17. yüzyılda Batı Avrupa'nın sanat kültürü. St.Petersburg, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Sanatçının Sovyetler Birliği müzelerinde bulunan resimleri [Albüm]. L., 1971

Egorova K.S. Rembrandt'ın eserlerinde portre. M., 1975

Daha fazlasını okuyun:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Çocuk Roman gazetesi).

Sanatçılar(biyografik referans kitabı).

Daha fazlasını internette okuyun:

İnternet sitesi http://rembr.ru/ - Hollandalı sanatçı Rembrandt Van Rijn hakkında. Resim galerisi, sanatçının biyografisi, Rembrandt'ın hayatıyla ilgili kitaplar ve çalışmalar.

Rembrandt Harmens van Rijn, Altın Çağ'ın en ünlü ressamı, gravürü ve ressamıdır. Evrensel tanınma ve zafer, keskin bir düşüş ve yoksulluk - büyük sanat dehasının biyografisi bu şekilde karakterize edilebilir. Rembrandt, portreler aracılığıyla bir kişinin ruhunu aktarmaya çalıştı; sanatçının birçok eseri hakkında gizemle örtülü söylentiler ve tahminler hâlâ ortalıkta dolaşıyor.

Devrim sırasında cumhuriyetin bağımsızlığını kazanan Hollanda devleti için 17. yüzyılın başı sakin geçti. Ülkede sanayi üretimi, tarım ve ticaret gelişti.

Güney Hollanda eyaletinde bulunan Leidin antik kentinde 15 Temmuz 1607'de doğan Rembrandt, çocukluğunu Vedesteg'deki bir evde geçirdi.

Oğlan, altıncı çocuğu olduğu geniş bir ailede büyüdü. Geleceğin sanatçısı Harmen van Rijn'in babası, bir değirmen ve malthaneye sahip zengin bir adamdı. Diğer şeylerin yanı sıra, Rhein'in hamam mülkünde iki ev daha vardı ve ayrıca eşi Cornelia Neltje'den önemli bir çeyiz aldı, böylece büyük aile bolluk içinde yaşadı. Gelecekteki sanatçının annesi bir fırıncının kızıydı ve yemek yapmayı biliyordu, bu nedenle aile masası lezzetli yemeklerle doluydu.

Zenginliklerine rağmen Harmen ailesi, katı Katolik kurallarına uyarak mütevazı bir yaşam sürüyordu. Sanatçının ebeveynleri, Hollanda Devrimi'nden sonra bile inanca karşı tutumlarını değiştirmedi.

Rembrandt'ın 23 yaşındaki otoportresi

Rembrandt hayatı boyunca annesine karşı nazik davrandı. Bu, 1639'da yapılmış, bilge, yaşlı bir kadını nazik ve biraz hüzünlü bir bakışla tasvir eden bir portrede ifade edilmektedir.

Zengin insanların sosyal etkinlikleri ve lüks yaşamı aileye yabancıydı. Van Rijn'lerin akşamları masada toplanıp kitap ve İncil okuduklarını varsaymakta fayda var: Çoğu Hollandalı vatandaşın "Altın Çağ" sırasında yaptığı şey buydu.

Harmen'in sahip olduğu yel değirmeni Ren Nehri kıyısında bulunuyordu: Çocuğun bakışının önünde, binanın küçük penceresinden içeri giren ve sislerin arasından geçen güneş ışınlarıyla aydınlatılan masmavi bir nehrin güzel bir manzarası açıldı. un tozu. Belki de çocukluk anıları nedeniyle geleceğin sanatçısı boya, ışık ve gölgede ustaca ustalaşmayı öğrendi.

Çocukken Rembrandt büyüdü ve gözlemci bir çocuk oldu. Leidin sokaklarının açık alanları ilham kaynağı oldu: Ticaret pazarlarında farklı milletlerden farklı insanlarla tanışılabilir ve yüzlerinin kağıt üzerinde çizilmesi öğrenilebilir.

Başlangıçta çocuk bir Latin okuluna gitti, ancak çalışmalarla ilgilenmiyordu. Genç Rembrandt kesin bilimlerden hoşlanmadı, çizimi tercih etti.

Gelecekteki sanatçının çocukluğu, ebeveynleri oğlunun hobilerini gördüğü için mutluydu ve çocuk 13 yaşına geldiğinde Hollandalı sanatçı Jacob van Swanenburg ile çalışmaya gönderildi. Rembrandt'ın ilk öğretmeninin biyografisinden çok az şey biliniyor; geç dönem tavırcılığının temsilcisi büyük bir sanatsal mirasa sahip değildi, bu yüzden Jacob'un Rembrandt tarzının gelişimi üzerindeki etkisini izlemek neredeyse imkansız.

1623'te genç adam, ikinci öğretmeninin Rembrandt'a altı ay boyunca resim ve gravür dersleri veren ressam Peter Lastman olduğu başkente gitti.

Tablo

Akıl hocasıyla yaptığı eğitim başarılı oldu; Lastman'ın resimlerinden etkilenen genç adam, çizim tekniğinde hızla ustalaştı. Parlak ve doygun renkler, gölge ve ışık oyunu, ayrıca bitki örtüsünün en küçük ayrıntılarının bile titizlikle işlenmesi - Peter'ın seçkin öğrencisine aktardığı şey buydu.

1627'de Rembrandt Amsterdam'dan memleketine döndü. Yeteneklerine güvenen sanatçı, arkadaşı Jan Lievens ile birlikte Hollandalılar arasında hızla popülerlik kazanan kendi resim okulunu açar. Lievens ve Rembrandt birbirlerine ayak uydurdular, bazen gençler tek bir tuval üzerinde dikkatlice çalışarak kendi tarzlarının bir kısmını çizime koydular.

Yirmi yaşındaki genç sanatçı, aşağıdakileri içeren ayrıntılı ilk çalışmalarıyla üne kavuştu:

“Havari Aziz Stephen'ın Taşlanması” (1625),
"Agamemnon'dan Önce Palamedea" (1626),
"Goliath'ın Başıyla Davut" (1627),
"Avrupa'nın Tecavüzü" (1632),

Genç adam şehrin sokaklarından ilham almaya devam ediyor, yoldan geçen rastgele biriyle karşılaşmak için meydanlarda yürüyor ve portresini ahşap bir tahta üzerindeki keskiyle çekiyor. Rembrandt ayrıca otoportreleri ve çok sayıda akrabasının portrelerini içeren bir dizi gravür yaptı.

Genç ressamın yeteneği sayesinde Rembrandt, van Rijn ve Lievens'in resimlerine hayran olan ve onları gelecek vaat eden sanatçılar olarak nitelendiren şair Constantin Heygens tarafından fark edildi. Hollandalı bir ressamın 1629 yılında yaptığı "Yahuda Otuz Parça Gümüş Geri Dönüyor" tablosunu İtalyan ustaların ünlü tablolarıyla karşılaştırıyor ancak çizimde eksiklikler buluyor. Konstantin'in bağlantıları sayesinde Rembrandt kısa sürede zengin sanat hayranları edindi: Hagens'in arabuluculuğu sayesinde Orange Prensi sanatçıya Pilatustan Önce (1636) gibi birçok dini eser sipariş etti.

Bir sanatçı için gerçek başarı Amsterdam'da gelir. 8 Haziran 1633'te Rembrandt, zengin bir kasabalı olan Saskia van Uylenburch'un kızıyla tanıştı ve toplumda güçlü bir konum kazandı. Sanatçı resimlerinin çoğunu Hollanda'nın başkentindeyken yapmıştır.

Rembrandt, sevgilisinin güzelliğinden ilham alıyor, bu yüzden sık sık onun portrelerini yapıyor. Düğünden üç gün sonra van Rijn, gümüş kalemle geniş kenarlı şapka takan bir kadını resmetti. Saskia, Hollandalı'nın resimlerinde rahat bir ev ortamında karşımıza çıktı. Bu dolgun yanaklı kadının görüntüsü birçok tuvalde karşımıza çıkıyor, örneğin “Gece Nöbeti” tablosundaki gizemli kız, sanatçının sevgilisine çok benziyor.

1632'de Rembrandt, "Doktor Tulp'un Anatomi Dersi" tablosuyla yüceltildi. Gerçek şu ki, van Rijn, yüzleri izleyiciye dönük olarak tasvir edilen standart grup portrelerinin kanonlarından uzaklaştı. Doktor ve öğrencilerinin son derece gerçekçi portreleri sanatçıyı meşhur etti.

1635 yılında laik toplumda büyük beğeni toplayan İncil'deki “İbrahim'in Kurban Edilmesi” hikayesine dayanan ünlü tablo yapıldı.

1642'de van Rijn, yeni binayı tuvalle süslemek için Atıcılık Derneği'nden bir grup portresi siparişi aldı. Tabloya yanlışlıkla "Gece Nöbeti" adı verildi. Kurumla lekelenmişti ve ancak 17. yüzyılda araştırmacılar tuval üzerinde gerçekleşen eylemin gündüz gerçekleştiği sonucuna vardılar.

Rembrandt, hareket halindeki silahşörlerin her detayını titizlikle tasvir etti: Milisler karanlık avludan çıktığında sanki belli bir anda zaman durmuş ve van Rijn onları tuval üzerinde yakalamış gibi.

Hollandalı ressamın 17. yüzyılda gelişen kanonlardan sapması müşterilerin hoşuna gitmedi. Daha sonra grup portreleri törensel hale getirildi ve katılımcılar herhangi bir statik olmadan tam yüz olarak tasvir edildi.

Bilim adamlarına göre bu tablo, potansiyel müşterileri korkuttuğu için sanatçının 1653'teki iflasının sebebiydi.

Teknik ve resimler

Rembrandt, sanatçının asıl amacının doğayı incelemek olduğuna inanıyordu, bu nedenle ressamın tüm resimlerinin fazlasıyla fotografik olduğu ortaya çıktı: Hollandalı, tasvir edilen kişinin her duygusunu aktarmaya çalıştı.

Altın Çağ'ın birçok yetenekli ustası gibi Rembrandt'ın da dini motifleri var. Van Rijn'in tuvalleri yalnızca yakalanmış yüzleri değil, kendi geçmişi olan tüm sahneleri tasvir ediyor.

1645'te yapılan "Kutsal Aile" tablosunda karakterlerin yüzleri doğaldır; Hollandalı, izleyicileri basit bir köylü ailesinin rahat atmosferine taşımak için fırçasını ve boyasını kullanmak istiyor gibi görünüyor. Van Rijn'in eserlerinde hiçbir gösterişin izini sürmek mümkün değil. Rembrandt'ın Madonna'yı Hollandalı bir köylü kadın şeklinde resmettiğini söyledi. Nitekim sanatçı, hayatı boyunca etrafındaki insanlardan ilham almıştır; tuvalde bir hizmetçiden kopyalanan bir kadının bir bebeği kucağında tutması mümkündür.

Rembrandt'ın "Kutsal Aile" tablosu, 1646

Pek çok sanatçı gibi Rembrandt da gizemlerle doludur: Yaratıcının ölümünden sonra araştırmacılar, resimlerinin sırları hakkında uzun süre düşündüler.

Örneğin van Rijn, 1636'dan başlayarak 11 yıl boyunca "Danae" (veya "Aegina") tablosu üzerinde çalıştı. Tuval, uykudan uyanan genç bir kızı tasvir ediyor. Konu, Argos kralının kızı ve Perseus'un annesi olan Danae'nin antik Yunan efsanesine dayanmaktadır.

Tuvali inceleyen araştırmacılar çıplak kızın neden Saskia'ya benzemediğini anlamadılar. Ancak çekilen röntgen sonrasında Danae'nin aslında Eulenburch olarak çizildiği ortaya çıktı ancak karısının ölümünden sonra van Rijn tabloya geri döndü ve Danae'nin yüz hatlarını değiştirdi.

Sanat eleştirmenleri arasında tuvalde tasvir edilen kadın kahraman hakkında da tartışmalar vardı. Rembrandt, tablonun başlığını imzalamadı ve efsaneye göre, Zeus'un Danae'ye göründüğü formda altın yağmurun olmaması nedeniyle olay örgüsünün yorumlanması karmaşıklaştı. Kızın yüzük parmağındaki alyans da bilim adamlarının kafasını karıştırdı; bu da antik Yunan mitolojisiyle tutarlı değildi. Rembrandt'ın başyapıtı "Danae" Rus Hermitage Müzesi'ndedir.

“Yahudi Gelin” (1665) van Rijn'in bir başka gizemli tablosu. Tablo 19. yüzyılın başında bu ismi almıştır ancak tuvalde kimin tasvir edildiği hala bilinmemektedir çünkü genç bir kız ve bir adam, İncil'deki kıyafetleri anımsatan eski kostümler giymiştir. Ayrıca yaratılması 6 yıl süren “Savurgan Oğul'un Dönüşü” (1669) tablosu da popülerdir.

Rembrandt'ın "Savurgan Oğul'un Dönüşü" tablosundan bir parça

Rembrandt'ın resim tarzından bahsedecek olursak, sanatçı minimum renk kullanmış, ancak ışık ve gölge oyunu sayesinde resimleri "canlı" kılmayı başarmıştır.

Van Rijn ayrıca yüz ifadelerini de başarılı bir şekilde tasvir etmeyi başarıyor: Büyük ressamın tablolarındaki tüm insanlar canlı gibi görünüyor. Örneğin, yaşlı bir adamın - Rembrandt'ın babası (1639) portresinde her kırışıklığın yanı sıra bilge ve hüzünlü bir görünüm de görülebilir.

Kişisel hayat

1642'de Saskia tüberkülozdan öldü; sevgililerin, Rembrandt'ın dostane ilişkilerini sürdürdüğü Titus adında bir oğlu vardı (diğer üç çocuk bebeklik döneminde öldü). 1642'nin sonunda sanatçı genç bayan Gertje Dirks ile tanıştı. Saskia'nın ebeveynleri, dul adamın lüks içinde yaşarken çeyizini elden çıkarması karşısında üzgündü. Daha sonra Dirks, sevgilisine evlenme sözünü tutmadığı için dava açar. Sanatçının ikinci kadından Cornelia adında bir kızı vardı.

Rembrandt'ın "Tanrıça Flora Olarak Saskia" tablosu

1656'da Rembrandt, mali zorluklar nedeniyle iflas ettiğini ilan etti ve başkentin eteklerinde tenha bir eve doğru yola çıktı.

Van Rijn'in hayatı ilerlemedi, tam tersine düşüşe geçti: Mutlu bir çocukluk, zenginlik ve tanınmanın yerini ayrılan müşteriler ve dilenci bir yaşlılık aldı. Sanatçının ruh hali tuvallerinde görülüyor. Böylece Saskia ile yaşarken neşeli ve güneşli resimler yaptı, örneğin “Saskia'nın dizlerinin üstünde otoportre” (1635). Van Rijn tuvalin üzerinde samimi bir kahkaha atıyor ve parlak bir ışık odayı aydınlatıyor.

Daha önce sanatçının resimleri ayrıntılıysa, geç çalışma aşamasında Rembrandt geniş vuruşlar kullanır ve güneş ışınlarının yerini karanlığa bırakır.

1661'de yapılan "Julius Civilis'in Komplosu" tablosu, van Rijn'in önceki çalışmalarının aksine, komploya katılanların yüzleri dikkatli bir şekilde işlenmediği için müşteriler tarafından ödenmedi.

Rembrandt'ın "Titus'un Oğlunun Portresi" tablosu

1665'te yoksulluk içinde yaşayan Rembrandt, ölümünden kısa bir süre önce Zeuxis'in imajını içeren bir otoportre çizdi. Zeukis, ironik bir ölümle ölen eski bir Yunan ressamıdır: Sanatçı, Afrodit'in yaşlı bir kadın şeklinde yaptığı portre karşısında çok eğlenmiş ve gülmekten ölmüştür. Portrede Rembrandt gülüyor; sanatçı tuvale bir doz kara mizah katmaktan çekinmedi.

Ölüm

Rembrandt, vebadan ölen oğlu Titus'u 1668'de defnedildi. Bu üzücü olay, sanatçının ruh halini keskin bir şekilde kötüleştirdi. Van Rijn 4 Ekim 1669'da öldü ve Amsterdam'daki Hollanda Westerkerk kilisesine gömüldü.

Amsterdam'daki Rembrandt Meydanı'ndaki Rembrandt Anıtı

Sanatçı yaşamı boyunca yaklaşık 350 tuval ve 100 çizim yaptı. İnsanlığın bu büyük sanatçıyı tam anlamıyla takdir etmesi iki yüzyıl sürdü.

Okumak faydalı olabilir: