Rembrandts letztes Werk. Kurze Biographie von Rembrandt und seinem Werk

Es ist immer schwer, darüber zu sprechen, was man wirklich liebt. Sie wählen sorgfältig die richtigen Wörter und Redewendungen aus und wissen nicht, wo Sie anfangen sollen ... Deshalb beginne ich mit einer kleinen Offenbarung: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- mein Lieblingskünstler, und ich habe ihn schon sehr lange kennengelernt.

Als Kind – in der Eremitage, mit den Geschichten des Professor-Vaters. In meiner Jugend – während des MHC-Unterrichts am Institut, mit alten Folien in einem dunklen Klassenzimmer an langen Dezemberabenden. In meiner Jugend – im wunderschönen Amsterdam, fröhlich lachend in den Strahlen der untergehenden Augustsonne. Ich habe bereits Hunderte Vorträge über Rembrandt gehalten, Dutzende Exkursionen durchgeführt, aber ich habe immer noch das Gefühl, dass Sie jetzt dabei sind, in etwas Unbekanntes, Riesiges, Unverständliches einzutauchen.

Es ist, als würde man von einem Pier in das Wasser des Meeres springen, in dem man sich zum ersten Mal befindet. Man weiß nicht, ob das Wasser dort kalt ist oder wie viele Steine sich am Boden befinden. Es sind Vorfreude und Zweifel, die Ihre Hände nervös zittern lassen. Es gibt nur einen Weg, dies zu besiegen: Machen Sie einen Anlauf, spüren Sie, wie Ihr Herz klopft und wie in einem Moment die ganze Welt um Sie herum irgendwohin in die Ferne getragen wird und Sie jetzt allein mit etwas völlig Neuem sind ... Nun ja, Also! Lass uns springen, die Augen öffnen und schauen!

Mit 27 hatte er alles, wovon ein Künstler träumen konnte. Ruhm, Ruhm, Geld, geliebte Frau, Hunderte von Bestellungen. Er galt als der beste Meister der Porträtmalerei in einer der reichsten Städte seiner Zeit, in der Perle Nordeuropas – Amsterdam.

Ja, es gab noch nie einen Künstler auf der Welt, der so etwas schaffen konnte! Das Porträt sollte perfekt sein, es sollte alle Mängel der Person aufhellen, aber Rembrandt war anderer Meinung. Seine Porträts waren lebendig. Sie vermittelten Charakter, sie enthielten Konflikte. Hier ist ein Fragment eines Porträts des obersten Steuereintreibers der Provinz Holland, Jan Vtenbogaert.

Fast das gesamte Vermögen der Republik ging durch die Hände dieses Mannes. Und seine Kleidung – ein luftiger Spitzenkragen, ein langer Mantel aus russischem Zobelfell – zeigt deutlich seinen Zustand. Schauen Sie sich jetzt einfach diese Augen an. Man sieht Traurigkeit in ihnen ... Und sofort kommt einem das Gemälde von Rembrandts großem Vorgänger in den Sinn -. Schaut der Apostel Christus nicht mit demselben Gesichtsausdruck an, wenn er ihn zu sich ruft? Dieses Porträt ist die Geschichte eines sehr reichen, aber sehr unglücklichen Mannes, und der niederländische Maler konnte dies in einem eingefrorenen Moment zeigen.

Rembrandt Harmens van Rijn verbrachte seine gesamte Freizeit damit, Mimik zu studieren. Er stand stundenlang vor dem Spiegel und schnitt Grimassen, die er dann mit Kohle auf Papier übertrug. Es war ihm wichtig, die kleinsten Nuancen von Emotionen einzufangen.

Das menschliche Gesicht, so der Künstler, sei ein Spiegel der Seele, das habe er schon lange vor Oscar Wilde mit seinem „Porträt des Dorian Gray“ erkannt. Aber Porträts sind nicht das Einzige, worin sich Rembrandt hervorgetan hat. Seine großen Leinwände beeindrucken uns nicht weniger. Das Hell-Dunkel-Spiel, das Caravaggio in seiner Malerei so entwickelt hat, nimmt in unserem Meister wahrlich gigantische Ausmaße an.

Er war erst 28 Jahre alt, als er sein erstes absolutes Meisterwerk schuf. Dies ist das Gemälde „Die Kreuzabnahme“. An diesem Gemälde in der Eremitage kommt man einfach nicht vorbei. In einem Moment gelang es dem Künstler, das ganze Wesen des Christentums darzustellen und eine der größten menschlichen Geschichten so ehrlich und berührend wie möglich zu erzählen, wie es niemand vor oder nach ihm getan hatte.

Jerusalem im Hintergrund versinkt in Dunkelheit. Der Erlöser ist tot. In der Bildmitte sehen wir seinen leblosen Körper. Dies ist der Moment der größten Verzweiflung; noch glaubt niemand an die Auferstehung. Die Menschen sehen nur die Leiche des Mannes, den sie liebten und als Gott verehrten, und die Jungfrau Maria fällt in Ohnmacht, ihre Haut ist totenbleich – sie hat gerade ihren einzigen Sohn verloren.

Es gibt ein Detail auf dieser Leinwand, das nicht sofort auffällt. Das ist Beleuchtung. Die Lichtquelle ist eine Laterne in den Händen eines Jungen, aber der Körper Christi und die Kleidung des Apostels, der ihn in seinen Armen hält, reflektieren das Licht wie ein Spiegel. Und durch das Licht wird hier die wahre Geschichte erzählt, die philosophische Bedeutung des Bildes offenbart.

Das Licht der Laterne ist das Licht des Glaubens, und was wir auf dem Bild sehen, ist eine Einführung in sein Geheimnis. Man hat das Gefühl, dass der Körper des Erlösers hier zur Lichtquelle wird. Was aus der Dunkelheit hervorsticht, ist das Antlitz der Muttergottes und das vom schwachen Licht einer Kerze beleuchtete Leichentuch, in das der Leib Christi gehüllt werden soll. Auf dieser Leinwand verwendete Rembrandt erstmals eine Technik, die in den letzten Jahren seines Lebens zum zentralen Thema seines Schaffens wurde.

Und jetzt sehen wir, wie ein Mann, der die Schreibtechnik perfekt beherrschte, alle zentralen Figuren bis ins kleinste Detail auf die Leinwand malte, aber je weiter wir uns vom Licht entfernten, desto verschwommener wurden die Gesichter der Menschen, fast nicht mehr zu unterscheiden. Alles ist ganz einfach – das Geheimnis dessen, was passiert, ist an ihnen vorbeigegangen.

Allerdings gibt es auf dieser Leinwand noch eine weitere Figur, die auf den ersten Blick nicht auffällt. Obwohl er im Schatten steht, stellt Rembrandt ihn sehr klar dar. In der unteren rechten Ecke der Leinwand, von der dunkelsten Stelle aus, versteckt sich hinter den Distelstängeln, schaut Sie der Teufel in Form eines Hundes an und scheint Ihnen eine Frage zu stellen:

„Sind Sie in das Geschehen verwickelt?“

Ja, der niederländische Meister gab sich nie mit dem Rahmen eines Gemäldes zufrieden; er träumte davon, dass seine Leinwände Teil dieser Welt werden würden und dass der Betrachter ein direkter Teilnehmer des Geschehens werden würde. Doch genau dieser Wunsch führte ihn von den Höhen des Ruhms in den Abgrund jahrhundertealter Vergessenheit.

Unglück und Vergessen kommen ebenso schnell wie Glück und Ruhm. Rembrandt Harmens van Rijn erlebte dies 1642 aus erster Hand. Natürlich gab es vorher auch Sorgen: Seine Kinder starben im Säuglingsalter. Nur ein Sohn überlebte, Titus, geboren 1641. Doch ein Jahr später verließ seine geliebte Frau Saskia, mit der er viele Jahre zusammenlebte, diese Welt. Und mit diesem Verlust wandte sich auch das Glück vom Künstler ab, in dem Moment, als er eines seiner größten Gemälde schuf.

Wir können endlos über Rembrandts „Nachtwache“ reden. Dieses Gemälde ist in seinem Inhalt so umfangreich und in seiner strukturierten Komposition so einzigartig, dass die Geschichte seiner Entstehung durchaus eines eigenen Buches und keines Artikels würdig ist. Aber wie so oft im Leben wurde diese Schöpfung, die später die gesamte Entwicklung der Weltmalerei radikal veränderte, von ihren Zeitgenossen abgelehnt.

Den Kunden gefiel die Art und Weise, wie sie dargestellt wurden, nicht und viele von ihnen weigerten sich, für die Arbeit des Künstlers zu bezahlen. Der berühmteste Maler der Niederlande hat noch nie eine solche Demütigung erlebt. Ein Jahr später verlor Rembrandt seine geliebte Frau und erlitt mit seinem besten Werk ein Fiasko. Es scheint, dass dies völlig ausreichend ist, aber nein, dies war nur der Anfang der Tragödie. Die Aufträge wurden immer seltener (Klassizismus und der Stil zeremonieller Porträts kamen in Mode) und bald wurde das Eigentum des Künstlers wegen Schulden verkauft. Von einem riesigen Herrenhaus im Zentrum von Amsterdam musste er an den Stadtrand, ins jüdische Viertel, ziehen, wo er mit seinem geliebten Sohn Titus mehrere Zimmer mietete.

Das Interessanteste ist, dass Rembrandt sich problemlos an die neuesten Modetrends in der Kunst anpassen und erneut viel Geld für seine Leinwände erhalten konnte. Doch der Maler war überzeugt, dass er einen völlig neuen Stil schaffen musste. Seine Porträts zeigten nicht mehr reiche Leute, sondern die einfachsten Bürger der Stadt Amsterdam. Dies ist zum Beispiel „Porträt eines alten Juden“.

Rembrandt war nicht mehr an detaillierten Darstellungen aller Kleidungsstücke interessiert; er strebte nach größerer Abstraktion und strebte danach, die Gefühle seiner Figuren mit perfekter Genauigkeit darzustellen. Für seine Beharrlichkeit erntete er nur Leid und Ohrfeigen. Dies geschah mit seinem Gemälde „Die Verschwörung des Julius Civilis“.

Statt eines klassischen, pompösen, patriotischen Bildes präsentierte der Altmeister dieses der Öffentlichkeit.

Vor uns liegt das Bild eines barbarischen Festes, unhöflich, unansehnlich. Dieses Gemälde war seiner Zeit fast 300 Jahre voraus und nahm die expressionistische Malerei vorweg. Es ist nicht verwunderlich, dass das Meisterwerk des Meisters abgelehnt wurde und sein Name mit unauslöschlicher Schande bedeckt war. Aber gerade diese letzten acht Jahre seines Lebens, die er in absoluter, undurchdringlicher Armut verbrachte, gehören zu den fruchtbarsten Perioden in Rembrandts Werk.

Ich denke, dass ich über die Gemälde dieser Zeit, einschließlich seiner „Rückkehr des verlorenen Sohnes“, in einem separaten Artikel schreiben werde. Jetzt möchte ich über etwas anderes sprechen. Ich war immer erstaunt, wie Rembrandt arbeiten und sein Talent entwickeln konnte, wenn von überall her Schicksalsschläge auf ihn niederprasselten. Dies konnte nicht lange so bleiben, und der Künstler ahnte es.

Der letzte Schlag wird immer an der schmerzhaftesten Stelle ausgeführt. Er war sein einziger Sohn, Titus – ein sehr kränklicher Junge, der wie seine tote Mutter aussah. Er war es, den Rembrandt damals am häufigsten darstellte: sowohl in Form eines Engels im Gemälde „Matthäus und der Engel“ als auch beim Lesen und in verschiedenen Kostümen. Vielleicht dachte der Maler, dass er mit Hilfe seines Talents das Unvermeidliche irgendwie hinauszögern könnte... Das war nicht möglich...

Meiner Meinung nach ist „Porträt des Titus im Mönchsgewand“ eines der gefühlvollsten Gemälde Rembrandts. Die ganze Liebe ihres Vaters und ihr ganzes Talent als Malerin manifestierten sich in ihr. In all diesen groben Strichen, in dieser Dunkelheit, die von links auf den jungen Mann zukommt, in den Pflanzen, die bereits seinen Körper umgeben, fällt eines auf: das blasse Gesicht des Sohnes des Künstlers mit niedergeschlagenen Augen voller Demut.

Titus starb 1668, Rembrandt überlebte ihn nur um ein Jahr.

Er starb völlig allein am Stadtrand von Amsterdam, nachdem er in diesem Leben alles erhalten und alles verloren hatte. Seine Bilder vergaßen sie lange Zeit... Aber 150 Jahre sind vergangen, und andere Künstler haben bereits gehört, was der Meister seinen Zeitgenossen zu sagen versuchte, die ihren eigenen, einzigartigen Weg statt Ruhm und Geld wählten.

Seine Gemälde sind in vielen Museen auf der ganzen Welt zu sehen, heute ist er jedem Menschen auf der Erde bekannt. Angst und Freude, Überraschung und Empörung spiegeln sich in seinen Werken so natürlich wider, dass es unmöglich ist, ihnen nicht zu glauben. Wilde Popularität, tragisches Schicksal und trauriger Niedergang des Lebens bleiben immer noch ein Grund für Klatsch und philosophische Überlegungen.

Jugend

Der Künstler Rembrandt wurde 1606 in der niederländischen Stadt Leiden am Rheinufer in eine Bäckerfamilie hineingeboren. Schon früh spürte er künstlerisches Talent. Nachdem er mehrere Jahre zu Hause studiert hatte, ging der junge Mann nach Amsterdam, um Unterricht beim berühmten Maler Lastman zu nehmen. Die Ausbildung dauerte nicht lange und im Alter von 19 Jahren kehrte Rembrandt nach Leiden zurück. Zu dieser Zeit malte er Porträts seiner Familie und Freunde und legte auch großen Wert auf Selbstporträts. Bis heute sind viele Werke des Autors erhalten, in denen er sich selbst in verschiedenen Bildern darstellt.

Geständnis

Eines Tages erhält ein aufstrebender Künstler einen hervorragenden Auftrag von der Guild of Surgeons. So entsteht die Arbeit „Anatomy Lesson“. Das Gemälde bringt Rembrandt Anerkennung. Er erhält sofort mehr als fünfzig Aufträge für Porträts von Adligen und dem Amsterdamer Adel. Gleichzeitig mit der Popularität wächst auch das Wohlbefinden des Meisters. Er beginnt, Antiquitäten und historische Kostüme zu sammeln. Er kauft ein luxuriöses Haus, das er mit exquisiten antiken Möbeln und Kunstgegenständen füllt.

Saskia

Im Alter von 28 Jahren heiratete Rembrandt, dessen Gemälde immer beliebter wurden, ein reiches Mädchen, Saskia. Er heiratete aus Liebe und sparte nicht nur, sondern vergrößerte auch das Kapital seiner Geliebten. Rembrandt vergötterte seine Frau und stellte sie in seinen Werken oft auf unterschiedliche Weise dar. Eines der berühmtesten Gemälde des Künstlers, Selbstporträt mit Saskia, zeigt einen glücklichen Rembrandt mit seiner jungen Frau. Gleichzeitig erhielt der Künstler einen Auftrag für eine Werkreihe mit biblischer Handlung. So erscheinen Rembrandts Gemälde mit den Titeln „Das Opfer Abrahams“ und „Das Fest Belsazars“. Aus dieser Zeit stammt auch eines der berühmtesten Werke des Meisters, „Danae“. Das Gemälde wurde vom Künstler mehrmals umgeschrieben und verfügt über mehrere Originalversionen.

Sonnenuntergang des Lebens

Die unbeschwerte Zeit des Künstlers währte nicht lange. Nicht jedem gefiel Rembrandts Art, einen Menschen so darzustellen, wie er ist. Nachdem das Gemälde „Nachtwache“ gemalt wurde, brach ein unglaublicher Skandal aus. Fremde erschienen auf der Leinwand. Vielleicht liegt es daran, dass seine geliebte Saskia mitten in der Arbeit an Tuberkulose stirbt. Auf dem Bild ist neben den Figuren der Bogenschützen die Silhouette eines Mädchens zu sehen, die so an die Frau des Meisters erinnert. Die Popularität des Autors beginnt zu sinken. Es gibt fast keine neuen Bestellungen. Nachdem er sein Zuhause und sein gesamtes Eigentum verloren hat, beginnt Rembrandt, dessen Gemälde eine neue, philosophische Bedeutung erhalten, einfache Menschen und seine Lieben darzustellen. Er schreibt viel über seinen Sohn und die Menschen, die ihn in den letzten Jahren seines Lebens umgeben. Zu dieser Zeit entstanden Rembrandts Gemälde mit den Titeln „Porträt eines alten Mannes in Rot“, „Porträt des Sohnes des lesenden Titus“ und andere Werke. Am Ende seines Lebens erscheint ein weiteres Meisterwerk aus der Feder des Meisters – „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“. In diesem Gemälde stellt der Meister sich selbst als ewigen Wanderer dar, der gezwungen ist, auf den schwierigen Wegen wechselnden Ruhms zu wandern. Nachdem Rembrandt 1969 seinen Sohn und seine Braut beerdigt hatte, starb er selbst und hinterließ für immer seine kreativen Spuren in dieser Welt. Heute nehmen die Gemälde des Künstlers in jedem großen Museum der Welt einen Ehrenplatz ein.

Der Rembrandtste. „Anatomie-Lektion“ (1632)

Dieses Gemälde ist der erste große Auftrag, den Rembrandt nach seinem Umzug nach Amsterdam erhielt. Die Leinwand zeigt die von Dr. Tulp durchgeführte Autopsie. Der Arzt hält die Sehnen seiner Hände mit einer Pinzette und zeigt seinen Schülern, wie sich die Finger beugen. Solche Gruppenporträts erfreuten sich damals bei den Ärztezünften großer Beliebtheit. Zwar posierten Gruppenmitglieder in der Regel in einer Reihe für sie. Rembrandt, dessen Gemälde sich durch Natürlichkeit und Realismus auszeichneten, stellte Studenten in einem engen Kreis dar und hörte aufmerksam den Worten von Doktor Tulp zu. Blasse Gesichter und die Leiche selbst heben sich als helle Lichtpunkte vom düsteren und dunklen Hintergrund des Bildes ab. Das Werk verschaffte Rembrandt seine erste Popularität, woraufhin die Aufträge mit unglaublicher Geschwindigkeit auf den Autor einprasselten.

„Selbstbildnis mit Saskia“ (1635)

Im Laufe seines Lebens malte Rembrandt unglaublich viele Selbstporträts. Dieses Gemälde ist eines der berühmtesten. Dies zeigt die Freude des Künstlers über das Glück, seine Geliebte zu besitzen. Der emotionale Zustand des Malers spiegelt sich im offenen Blick der Figuren wider, im strahlenden Gesicht Rembrandts, als würde er vor Glück und Wohlbefinden ersticken. Allerdings verbirgt sich in dem Porträt auch eine versteckte Provokation: Schließlich stellt sich der Künstler im Bild desselben „verlorenen Sohnes“ dar, der mit einer gewöhnlichen Kurtisane schlemmt. Wie sehr unterscheidet sich der „verlorene Sohn“ in diesem Selbstporträt von dem, den das Publikum vom gleichnamigen Gemälde kennt!

„Danae“ (1636)

Das berühmteste Gemälde von Rembrandt. Es wurde auf der Grundlage des Mythos von Perseus‘ Mutter Danaë geschrieben. Der Legende nach erfuhr der Vater des Mädchens, dass er an dem Sohn seiner eigenen Tochter sterben würde, und sperrte sie in einen Kerker. Zeus betrat den Gefangenen in Form eines Goldregens, woraufhin Perseus geboren wurde. Das Gemälde besticht durch seine ungewöhnliche Farbgebung, die für das Werk des Künstlers charakteristisch ist. Im Zentrum steht eine nackte Frau, deren Körper von hellem Sonnenlicht beleuchtet wird. Auf diesem Bild hat Rembrandt, dessen Gemälde oft ihm nahestehende Menschen zeigen, das Bild seiner geliebten Frau Saskia festgehalten. Das Bild des Engels wurde nach dem Tod seiner Frau hinzugefügt. Es scheint, dass er immer um das Schicksal des Verstorbenen weint. Rembrandt verbrachte lange Zeit damit, sein Lieblingswerk neu zu schreiben und die Stimmung des Gemäldes entsprechend seinen Gefühlen zu ändern. Die Kombination aus schimmernden Tönen und goldenen Highlights verblüfft durch Raffinesse und Pracht.

Das Schicksal des Gemäldes ist überraschend und dramatisch, ebenso wie die Lebensgeschichte des Künstlers selbst. Nach dem Tod des Autors wechselte das Meisterwerk viele Besitzer. Nach dem Erwerb des Werks durch Katharina II. nahm „Danae“ einen Ehrenplatz in der berühmten Eremitage-Sammlung ein. Im Jahr 1985 ereignete sich im Museum ein unangenehmer Vorfall, der der Welt fast die Möglichkeit nahm, Rembrandts Schöpfung zu betrachten. Ein Verrückter ging auf das Gemälde zu und schüttete Säure darauf. Die Farbe begann sofort zu sprudeln. Aber auch das reichte dem Angreifer nicht: Er schaffte es, mit einem Messer ein paar Schnitte in die Leinwand zu machen, bevor er gestoppt wurde. Der Schaden betraf etwa 30 % des Meisterwerks. Es stellte sich heraus, dass es sich bei dem Verrückten um einen gewissen Bronius Maigis handelte, der später sechs Jahre in einer psychiatrischen Klinik verbrachte. Die Restaurierung des Gemäldes dauerte 12 Jahre. Jetzt ist es in der Eremitage ausgestellt und schützt das Meisterwerk vor Vandalen. Eine weitere interessante Tatsache. Das Kunstwerk und seine Reproduktionen werden häufig in Filmen gezeigt. Beispielsweise erscheint „Danae“ in der Serie „Gangster Petersburg“ als Rembrandts Gemälde „Ägina“.

„Nachtwache“ (1642)

Das Gemälde wurde vom Chef einer Infanteriedivision bei Rembrandt in Auftrag gegeben. Die Leinwand zeigt eine Milizkompanie, die einen Feldzug führt. Dargestellt sind Musketiere, angefeuert durch Trommelschläge, neben kampfbereiten Soldaten unterschiedlichen sozialen Status und Alters. Sie alle eint Männlichkeit und patriotischer Impuls. Das Werk zeichnet sich durch die sorgfältige Zeichnung aller Bilder und Details aus. Rembrandts Gemälde „Die Nachtwache“ weckt beim Betrachter ein umfassendes Gefühl für die Realität von allem, was geschieht. Der Autor versuchte nicht nur, die äußeren Merkmale aller Charaktere zu zeigen, sondern auch die innere Welt jedes Soldaten zu offenbaren. Die Apotheose des Bildes ist der Triumphbogen – ein Symbol vergangener Erfolge und Vorbote eines neuen glorreichen Sieges. Mit Hilfe bunter Farben (Gold, Schwarz und Gelb) offenbart sich dem Betrachter die Energie, Dramatik und Feierlichkeit der Stimmung des Militärs. Der Charakter und das Schicksal jeder Figur sind dank des Pinsels eines berühmten Künstlers lesbar.

Über das Mädchen, das fast in der Bildmitte abgebildet ist, gibt es viele Versionen. Sie unterscheidet sich von allen anderen durch ihre leuchtenden Farben und ihr engelhaftes Aussehen. Vielleicht ist das eine Art Milizmaskottchen. Einer anderen Version zufolge ist das Mädchen das Abbild der geliebten Frau des Autors, die mitten in der Malerei in eine andere Welt aufbrach. Wie Sie wissen, gefiel die Arbeit den Kunden nicht. Nachdem sie das Gemälde gekauft hatten, schnitten sie die Leinwand barbarisch aus und hängten sie im Bankettsaal auf.

„Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1666-1669)

Rembrandts Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ ist einer der markantesten Höhepunkte im Schaffen des berühmten Künstlers. Es wurde in den letzten Lebensjahren des Meisters geschrieben. Dies ist die Zeit, als er sehr alt und schwach, in Not und hungrig war. Das Thema des verlorenen Sohnes taucht im Werk des Künstlers immer wieder auf. Dieses Werk ist ein Abschluss, eine Zusammenfassung der langjährigen kreativen Wanderungen des berühmten Autors. Das Gemälde strahlt die ganze Wärme und Tiefe von Rembrandts Palette aus. Schimmernde Farben und anmutige Licht- und Schattenspiele betonen die Bilder der Hauptfiguren. Das Erscheinen des ehrwürdigen alten Mannes und seines verlorenen Sohnes drückt eine ganze Reihe unterschiedlicher Gefühle aus: Reue und Liebe, Barmherzigkeit und die Bitterkeit verspäteter Einsicht. Laut Kunstkritikern offenbarte „The Return“ das ganze psychologische Talent des Malers. Er hat all seine gesammelten kreativen Erfahrungen, all seine Leidenschaft, all seine Inspiration in seine Idee gesteckt.

Abschluss

Es ist schwer vorstellbar, wie Rembrandt die in diesem Artikel vorgestellten Personen dargestellt hat. Wie viele Jahre sind seit ihrer Entstehung vergangen, wie viel Ruß von Talgkerzen hat sie in drei Jahrhunderten Geschichte bedeckt! Wir können nur vermuten, wie sie an ihren Geburtstagen aussahen. Mittlerweile kommen bis heute Millionen Fans des Talents des berühmten Malers in verschiedene Museen auf der ganzen Welt, um seine Meisterwerke zu besichtigen.

Der zukünftige Reformer der schönen Künste wurde in der Familie eines wohlhabenden Müllers in Leiden geboren. Der Junge zeigte schon in früher Kindheit Interesse an der Malerei und ging im Alter von 13 Jahren in die Lehre beim Leidener Künstler Jacob van Swanenburch. Rembrandt studierte später bei dem Amsterdamer Maler Pieter Lastman, der sich auf historische, mythologische und biblische Themen spezialisierte.

Bereits 1627 gelang es Rembrandt, mit seinem Freund Jan Lievens eine eigene Werkstatt zu eröffnen – der junge, kaum 20-jährige Maler begann, selbst Studenten zu rekrutieren.

Bereits in Rembrandts frühen Werken ist ein besonderer Malstil deutlich sichtbar, der Gestalt annimmt – der Künstler ist bestrebt, seine Figuren so emotional wie möglich zu malen, buchstäblich jeder Zentimeter der Leinwand ist voller Dramatik. Gleich zu Beginn seiner Reise erkannte der zukünftige unübertroffene Meister der Arbeit mit Hell-Dunkel die Kraft dieser Technik zur Vermittlung von Emotionen.

Im Jahr 1631 zog Rembrandt nach Amsterdam, wo er äußerst enthusiastisch aufgenommen wurde; Kunstkenner verglichen den Malstil des jungen Künstlers mit den Werken von Rubens selbst – Rembrandt ließ sich übrigens gerne von vielen Aspekten der Ästhetik dieses Künstlers inspirieren.

Die Schaffenszeit in der niederländischen Hauptstadt wurde zu einem Meilenstein für das Porträtgenre in Rembrandts Werk – hier malte der Meister viele Studien weiblicher und männlicher Köpfe, wobei er jedes Detail sorgfältig ausarbeitete und alle Feinheiten der Gesichtsausdrücke des Menschen erfasste Gesicht. Der Künstler malt wohlhabende Städter – sein Ruhm verbreitet sich schnell und wird zum Schlüssel zum kommerziellen Erfolg – und arbeitet auch viel an Selbstporträts.

Rembrandts Schicksal – sowohl persönlich als auch schöpferisch – war nicht einfach. Schon früh von Ruhm und Erfolg begünstigt, verlor der talentierte Maler plötzlich auch reiche Kunden, die den revolutionären Mut seiner Werke nicht erkannten. Rembrandts Vermächtnis wurde erst zwei Jahrhunderte später wirklich gewürdigt – im 19. Jahrhundert ließen sich realistische Künstler von den Gemälden dieses Meisters inspirieren, einem der hellsten Vertreter des goldenen Zeitalters der niederländischen Malerei.

1. „Danae“ (1633-1647)

Auch wenn Sie nichts über Rembrandt wissen und sich überhaupt nicht für Malerei interessieren, ist Ihnen dieses Gemälde auf jeden Fall bekannt. Die in der St. Petersburger Eremitage aufbewahrte Leinwand ging 1985 durch einen Vandalen, der sie mit Schwefelsäure übergoss und die Leinwand anschließend mit einem Messer zerschnitt, fast für immer verloren.

Das Gemälde, das ein nacktes Mädchen zeigt, das in den Strahlen überirdischen Lichts auf einem Bett liegt, wurde von Rembrandt für sein Zuhause gemalt – das Thema war der berühmte antike griechische Mythos über die schöne Danae, die zukünftige Mutter der Gewinnerin Medusa Perseus, und Zeus der Donnerer. Schon allein das Aussehen von Danae stellte Kreativitätsforscher vor ein Rätsel, das erst kürzlich gelöst wurde: Es ist bekannt, dass Rembrandts Vorbild seine Frau Saskia van Uylenburch war, doch die uns überlieferte Danae ähnelt überhaupt nicht der Frau des Künstlers. Eine Röntgenuntersuchung der Leinwand ergab, dass Rembrandt Danaes Gesicht nach dem Tod seiner Frau teilweise umschrieb – und es dem Gesicht seiner zweiten Geliebten, der Nanny seines Sohnes Titus, Gertje Dirks, ähnelte. Auch der über Danae schwebende Amor sah zunächst anders aus – der geflügelte Gott lachte, doch in der Endfassung war auf seinem Gesicht eingefrorenes Leiden zu sehen.

Nach dem Angriff auf das Gemälde im Jahr 1985 dauerte die Restaurierung 12 Jahre. Der Verlust an Gemälden betrug 27 %; die besten Meister arbeiteten an der Restaurierung von Rembrandts Meisterwerk – eine Erfolgsgarantie gab es jedoch nicht. Glücklicherweise konnte die Leinwand gerettet werden; nun ist das Gemälde durch Panzerglas zuverlässig geschützt.

2. „Nachtwache“, (1642)

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Die kolossale, fast vier Meter große Leinwand wurde in der Karriere ihres Schöpfers wirklich zum Verhängnis. Der korrekte Titel des Gemäldes lautet „Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Kok und Leutnant Willem van Ruytenburg“. Nachdem Kunsthistoriker sie entdeckt hatten, wurde sie zur „Nachtwache“, die zwei Jahrhunderte lang vergessen war. Es wurde entschieden, dass das Gemälde Musketiere während eines Nachtgottesdienstes darstellte – und erst nach der Restaurierung wurde klar, dass sich unter der Rußschicht eine völlig andere Originalfärbung befand – die Schatten sprechen beredt darüber – die Aktion auf der Leinwand findet um 2 Uhr statt Uhr nachmittags.

Das Werk wurde von Rembrandt bei der Shooting Society, einer zivilen Milizeinheit der Niederlande, in Auftrag gegeben. Ein Gruppenporträt von sechs Kompanien sollte das neue Gebäude der Gesellschaft schmücken – Rembrandt wurde gebeten, die Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock zu malen. Von dem Künstler wurde erwartet, dass er ein traditionelles zeremonielles Porträt anfertigt – alle Charaktere hintereinander –, aber er beschloss, die Musketiere in Bewegung darzustellen. Die kühne Komposition, bei der jede Figur möglichst dynamisch ist, stieß beim Kunden auf kein Verständnis – für Unzufriedenheit sorgte die Tatsache, dass einige der Dargestellten deutlich sichtbar waren, während andere im Hintergrund standen. „Die Nachtwache“ beendete buchstäblich Rembrandts Karriere – nach diesem Gemälde wandten sich reiche Stammkunden vom Maler ab und sein Malstil änderte sich radikal.

Das Schicksal dieses Gemäldes ist übrigens nicht weniger tragisch als das von „Danae“. Zunächst wurde es im 18. Jahrhundert völlig barbarisch abgeschnitten, um in den neuen Saal des Schützenvereins zu passen. So verschwanden die Musketiere Jacob Dirksen de Roy und Jan Brugman von der Bildfläche. Glücklicherweise ist eine Kopie des Originalgemäldes erhalten geblieben. „Nachtwache“ wurde dreimal von Vandalen angegriffen: Beim ersten Mal wurde ein großes Stück Leinwand ausgeschnitten, beim zweiten Mal wurde das Gemälde zehnmal durchstochen und beim dritten Mal wurde es mit Schwefelsäure übergossen.

Jetzt wird die Leinwand im Rijksmuseum – dem Nationalmuseum von Amsterdam – aufbewahrt. Sie können dieses Bild viele Stunden lang betrachten – alle Charaktere sind so detailliert auf der riesigen Leinwand dargestellt, sowohl „maßgefertigt“ (eigentlich sind es 18 Musketiere) als auch solche, die Rembrandt nach eigenem Ermessen hinzugefügt hat (16 Figuren, das geheimnisvollste ist das kleine Mädchen anstelle der „goldenen Abschnitte“ des Gemäldes)

3. „Der verlorene Sohn in der Taverne“ (1635)

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Dieses Selbstporträt des Künstlers mit seiner geliebten Frau Saskia auf dem Schoß wird in der Galerie Alte Meister in Dresden (auch Dresdner Galerie genannt) aufbewahrt. Es besteht kein Zweifel, dass der Künstler dieses Bild absolut glücklich gemalt hat. In dieser Zeit seines Lebens arbeitete Rembrandt hart und erfolgreich, war beliebt, erhielt hohe Honorare für seine Werke und zu seinen Kunden zählten berühmte und wohlhabende Menschen. Der Meister hat die Handlung aus dem Lukasevangelium im Zeitgeist überarbeitet – der verlorene Sohn trägt ein Leibchen und einen breitkrempigen Hut mit Feder, auch die Hure auf seinem Schoß ist nach der damaligen Mode gekleidet. Dies ist übrigens das einzige Gemälde eines Selbstporträts des Künstlers zusammen mit seiner Frau – Rembrandt fertigte 1638 im selben Bildraum ein weiteres Bild von sich und Saskia in der Gravurtechnik an. Trotz des insgesamt fröhlichen Tons des Bildes hat der Autor nicht vergessen, Sie daran zu erinnern, dass Sie früher oder später für alles in diesem Leben bezahlen müssen – dies wird beredt durch die Schiefertafel im Hintergrund bewiesen, auf der der Nachtschwärmer sehr bald stehen wird in Rechnung gestellt werden. Hätte Rembrandt ahnen können, wie groß die Vergeltung für sein Talent sein würde?

4. „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1666-1669)

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Dies ist Rembrandts größtes Gemälde zu einem religiösen Thema und wird in der Eremitage aufbewahrt. Das semantische Zentrum des Bildes ist stark zur Seite verschoben, die Hauptfiguren sind durch Licht hervorgehoben, die übrigen Charaktere sind mit Schatten bedeckt, was einen Fehler beim Lesen des Dargestellten unmöglich macht. Übrigens verbindet alle Gemälde Rembrandts ein wichtiges Detail: Trotz der allgemeinen Klarheit der Haupthandlung birgt jedes Gemälde Geheimnisse, die Kunsthistoriker nicht lösen können. Wie das Mädchen aus „Die Nachtwache“ enthält „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ Charaktere, die in Geheimnisse gehüllt sind. Es gibt vier von ihnen – jemand nennt sie üblicherweise „Brüder und Schwestern“ der Hauptfigur. Einige Forscher interpretieren die weibliche Figur hinter der Säule als zweiten, gehorsamen Sohn – obwohl diese Rolle traditionell dem Mann im Vordergrund zugeschrieben wird. Dieser bärtige Mann mit einem Stab in der Hand wirft nicht weniger Fragen auf – im Lukasevangelium lief der Bruder des Dekans dem verlorenen Verwandten direkt vom Feld entgegen, aber hier wird er vielleicht eher als edler Wanderer dargestellt sogar der ewige Jude. Übrigens ist es möglich, dass Rembrandt sich selbst auf diese Weise dargestellt hat – Selbstporträts sind in seinen Gemälden bekanntlich keine Seltenheit.

5. „Saskia als Flora“ (1634)

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Die meisten weiblichen Bilder auf Rembrandts Leinwänden aus den Jahren 1934–1942 stammen von der geliebten Frau des Künstlers, Saskia van Uylenburch. Auf dem Bild der antiken Frühlingsgöttin Flora stellte der Meister Saskia dreimal dar – das Porträt, das wir in Betracht ziehen, entstand im Jahr ihrer Hochzeit – mit bloßem Auge ist klar, dass Rembrandt seine Frau vergötterte, sie bewunderte und alles tat seine Zärtlichkeit in das Gemälde.

Saskia war zum Zeitpunkt ihrer Heirat 22 Jahre alt, mit 17 wurde sie als Waise zurückgelassen. Ein Vorfall brachte sie mit ihrem zukünftigen Ehemann zusammen – sie kam nach Amsterdam, um ihre Cousine zu besuchen, die Frau des Predigers Johann Cornelis Silvius, die Rembrandt kannte. Die Hochzeit fand am 10. Juni 1634 statt. 1942 – nur ein Jahr nach der Geburt des lang erwarteten Sohnes Titus – verstarb Saskia.

Flora-Saskia ist der Inbegriff von Jugend, Frische und Keuschheit; in ihrem Auftreten steckt so viel bezaubernde Schüchternheit und mädchenhafte Frische. Rembrandt kombinierte in diesem Gemälde gekonnt pastorale und historische Porträts. Übrigens: Von den drei Gemälden, die Flora mit seiner Frau gemalt hat (die anderen beiden Gemälde entstanden 1935 und 1941), bezieht sich das erste am stärksten auf die Antike, die anderen beiden Porträts weisen nur mit kaum wahrnehmbaren Details auf den Mythos hin. „Saskia als Flora“ wird in der Eremitage aufbewahrt.

Selbstporträt von Rembrandt, 1661. Öl auf Leinwand, 114x91.
Kenwood House, London, englisches Erbe.
Illustration von der Website http://rembr.ru/

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), niederländischer Maler, Zeichner und Radierer, einer der größten Meister der westeuropäischen Kunst. Geboren am 15. Juli 1606 in Leiden in der Familie eines wohlhabenden Müllers. 1620 trat er in die Universität Leiden ein, blieb dort jedoch nicht lange und wurde bald Schüler des örtlichen Künstlers Jacob Isaacs Swanenburch. Um 1623 zog er nach Amsterdam, wo er in die Werkstatt von Jan Peynas eintrat und beim Meister der Historienmalerei Pieter Lastman studierte. Letzterer machte Rembrandt mit den Werken italienischer Meister bekannt. Von 1625 bis 1631 unterhielt Rembrandt eine eigene Werkstatt in Leiden und arbeitete zeitweise mit dem Maler und Kupferstecher Jan Lievens zusammen. Von Rembrandts Schülern ist Gerard Dou der berühmteste.

1631 oder Ende 1632 kehrte Rembrandt nach Amsterdam zurück. Am 22. Juni 1635 heiratete er Saskia van Uylenburch, Tochter des wohlhabenden Bürgermeisters von Leuwarden. Im Jahr 1642 wich der Erfolg in Kreativität und Privatleben einer Reihe von Unglücken. Ende der 1630er Jahre wurden ihm nacheinander vier Kinder geboren, die jedoch alle im Säuglingsalter starben, und am 14. Juni 1642 starb plötzlich seine geliebte Frau. Der Künstler blieb bei seinem einjährigen Sohn Titus. Die Nachtwache (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), kurz nach Saskias Tod fertiggestellt, markiert den Beginn seiner neuen kreativen Erkundungen.

Ende der 1640er Jahre wurde Hendrikje Stoffels Rembrandts inoffizielle Ehefrau (laut Saskias Testament konnte er kein zweites Mal heiraten). 1654 wurde ihre Tochter Cornelia geboren. Doch nun wurde der Künstler von finanziellen Schwierigkeiten heimgesucht. Im Juli 1656 musste er Konkurs anmelden und in den nächsten zwei Jahren wurde seine bemerkenswerte Sammlung verkauft. Um Rembrandt zu helfen, begannen Titus und Hendrikje Ende 1658, sich dem Malerhandwerk zu widmen.

Die letzten Lebensjahre des Künstlers wurden vom Tod geliebter Menschen überschattet. Hendrickje starb am 24. Juli 1663. Titus heiratete im Februar 1668 und starb sechs Monate später. Jetzt blieb Rembrandt mit der jungen Cornelia allein. Rembrandt starb am 4. Oktober 1669.

Rembrandt schuf etwa 600 Gemälde, fast 300 Radierungen und mehr als 1.400 Zeichnungen. Nachfolgend finden Sie einen chronologischen Überblick über sein Schaffen.

Die frühe Schaffensperiode Rembrandts sollte im Kontext des Einflusses der italienischen Kunst auf die niederländische Malerei betrachtet werden. Von den italienischen Meistern fühlten sich die Niederländer besonders von Caravaggio angezogen, in dessen Werken der kühne Naturalismus und die kontrastierende Licht- und Schattenmodellierung eine Herausforderung für die klassische Kunst zu sein schienen. Künstler wie Gerard Terbruggen und Rembrandts Lehrer Pieter Lastman arbeiteten im Stil Caravaggios und führten den Caravaggismus nach und nach in das Arsenal der künstlerischen Mittel der niederländischen Malerei ein. Auch Rembrandts Gemälde aus der Leidener Zeit (1625–1631) gehören zu dieser Bewegung. Die Gemälde „The Money Changer“ (1627, Berlin) und „The Scientist in His Study“ (1629, London, National Gallery) zeigten das Interesse des Meisters an der Vermittlung von Lichteffekten. Das erste Bild zeigt einen alten Mann mit Brille bei der Arbeit in einer mit Geschäftsbüchern übersäten Ecke. Sein faltiges Gesicht wird vom schwachen Licht einer einzelnen Kerze beleuchtet, die er mit seiner Hand bedeckt. Im zweiten Gemälde versuchte Rembrandt, die Atmosphäre eines luftigen Innenraums zu vermitteln. Das Hauptmotiv des Bildes ist der Raum selbst mit seiner hohen Decke, die von sanftem, flatterndem Licht erfüllt ist.

Im Laufe seiner kreativen Karriere wandte sich der Künstler Themen zu, in denen sich tiefes Lebensdrama mit Elementen subtiler Psychologie verbindet. Das Gemälde „Abendmahl in Emmaus“ (um 1630, Paris, Jacquemart-André-Museum) zeigt die Merkmale von Rembrandts Gemälde dieser Zeit. Rembrandt präsentierte diese Episode als theatralische Inszenierung. Die Silhouette Christi sticht vor dem Hintergrund blendenden Lichts hervor, der größte Teil der Leinwand ist in Schatten getaucht.

Der Umzug nach Amsterdam und die darauf folgenden großen künstlerischen Erfolge eröffneten eine neue Periode in Rembrandts Werk; Dies ist ein Jahrzehnt, in dem Werke entstanden sind, die von Dramatik durchdrungen und gleichzeitig nicht frei von materieller Sinnlichkeit sind und teilweise im Geiste mit den Werken des Flamen Peter Paul Rubens verwandt sind. Der erste große Auftrag, den Rembrandt in Amsterdam erhielt, war das Gemälde Anatomie des Doktor Tulp (1632, Den Haag, Mauritshuis). Es ist ein Bild eines berühmten Amsterdamer Arztes und seiner Kollegen in der städtischen Chirurgengilde.

Unter den Gemälden Rembrandts zu historischen Themen aus den 1630er Jahren erscheint die Blendung Samsons (1636, Frankfurt am Main, Städelsche Kunstanstalt) besonders dramatisch. Lichtblitze, dynamische Diagonalen und leuchtende Farben erhöhen die Spannung der Handlung; Das Bild ist von scharfen, schnellen Bewegungen erfüllt.

Der Hedonismus und die technische Virtuosität, die Rembrandts Malerei dieser Jahre kennzeichneten, kamen vielleicht am deutlichsten im Selbstporträt mit Saskia (um 1635, Dresden, Gemäldegalerie) zum Ausdruck. Hier stellte sich der Künstler in einem romantischen Herrenanzug dar; Mit einer Hand hebt er sein Bierglas und umarmt mit der anderen Saskia, die auf seinem Schoß sitzt. Die Helligkeit der Farben und die Freiheit der Striche entsprechen voll und ganz der Stimmung der Szene.

Selbstporträt mit Saskia auf dem Schoß. 1635

Zu Beginn der 1640er Jahre erlangten Rembrandts Leben und künstlerische Tätigkeit Stabilität und Regelmäßigkeit. Selbstporträt 1640 (London, National Gallery), beeinflusst von den Werken Raffaels und Tizians, zeigt einen selbstbewussten, vernünftigen Mann, gekleidet in die italienische Mode des 16. Jahrhunderts, der an einer Balustrade lehnt; Seine Schultern sind leicht gedreht, sein Blick ist auf den Betrachter gerichtet.

Eines der berühmtesten Gemälde dieser Zeit ist „Die Nachtwache“ (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Der eigentliche Name des Werkes ist die Kompanie von Kapitän Frans Banning Kok und Leutnant Willem van Ruytenburg. Es wurde anlässlich des Besuchs der französischen Königin Marie de' Medici in Amsterdam und des zu diesem Anlass organisierten feierlichen Abzugs der städtischen Miliztruppen verfasst. Der überwiegend dunkle Hintergrund im Bild ermöglicht es, die Figuren der Charaktere besser hervorzuheben. Deshalb im 18. Jahrhundert. Das Gemälde trug fälschlicherweise den Titel Nachtwache. Wie die Anatomie des Doktor Tulpe geht dieses Gemälde über das traditionelle Gruppenporträt hinaus. Es stellt 29 Charaktere dar, von denen 16 echte historische Figuren sind; ihre Bewegungen und Lage im Bild sind einer einzigen Gesamthandlung untergeordnet, die sich vor den Augen des Betrachters abspielt. Stangen, Banner und Musketen ragen in unterschiedliche Richtungen, wodurch die Komposition freier und dynamischer wird; Das Gefühl wird durch das Spiel von Licht und Schatten verstärkt.

Die Nachtwache. 1642

In den 1640er Jahren wurde Rembrandts religiöses Gemälde weniger rhetorisch, Demut und tiefe innere Stärke zeigten sich darin, die für das spätere Werk des Meisters charakteristisch waren. Seit der Renaissance werden die Ereignisse der Heiligen Schrift meist heroisch interpretiert und ihre Charaktere mit körperlicher Schönheit ausgestattet. Rembrandts Vision unterschied sich deutlich von diesem Konzept; Christus erscheint in seinen Werken demütig und sanftmütig, gedemütigt und unsichtbar unter den Menschen.

Das Hundert-Gulden-Blatt, ein Stich, der seinen Namen von dem Preis hat, zu dem er bei einer der ersten Auktionen verkauft wurde, beschäftigt sich mit dem Thema der christlichen Demut. Die Christusfigur sticht weder durch ihre Kleidung noch durch ihre besondere Stellung aus der Masse hervor, aber die Aufmerksamkeit des Betrachters wird auf das Zentrum der Komposition gelenkt – das Antlitz des Erlösers, von dem die subtilsten Strahlen göttlichen Lichts ausgehen. Zu seiner Linken sind diejenigen, die durch die Schwäche des Geistes und des Fleisches gebrochen sind, Reiche und Arme, vereint durch Leiden. Auf der rechten Seite stehen die Pharisäer, Ungläubige und in endlose Streitereien verwickelt. Kleine Kinder fallen Christus zu Füßen. In der Gravur „Blatt von einhundert Gulden“ gelang es Rembrandt in Ermangelung einer sichtbaren Handlung perfekt, das Wunder der göttlichen Präsenz in der Welt der Menschen zu vermitteln.

Ab Beginn der 1650er Jahre wurden Rembrandts Porträts zutiefst persönlich, die Kompositionen wurden strenger und geometrischer im Aufbau und die Farbgebung entwickelte sich zu einem riesigen Spektrum an Schattierungen von drei oder vier Farben. Rembrandts Kunst spiegelt nicht den eher künstlerischen Geschmack des Publikums wider; Der Künstler beschäftigt sich nun mit der Erforschung der Eigenschaften von Ölmaltechniken. Die Weltanschauung des Meisters, die in seinen heute so hochgeschätzten Spätwerken zum Ausdruck kommt, blieb für seine Zeitgenossen unverständlich.

Rembrandt. „Danae.“ 1636.

Das Gemälde Mann mit vergoldetem Helm (1651, Berlin – Dahlem) aus Rembrandts Werkstatt zeigt die charakteristischen Merkmale des Spätstils des Meisters. Das Gesicht des grauhaarigen Kriegers ist in tiefe, weiche Schatten getaucht und die Lichtreflexe auf dem Helm werden in freien, breiten, dicken Strichen vermittelt. Für Rembrandt konnte ein ungewöhnliches Thema manchmal zum Anlass für gewagte künstlerische Experimente werden. Ein Beispiel hierfür ist das Gemälde Skinned Bull Carcass (1655, Paris, Louvre). Der Pinsel erweckt totes Fleisch wieder zum Leben und Schönheit zur Hässlichkeit. Rembrandt vermied bei der Darstellung des menschlichen Körpers stets eine klassizistische Idealisierung. Auf dem Gemälde Bathseba (1654, Paris, Louvre) ist die Frau, die König David beim Baden sah und in die er sich wegen ihrer außergewöhnlichen Schönheit verliebte, nicht im Moment des Badens dargestellt, der von Künstlern so oft ausgewählt wurde, um diese Geschichte zu erzählen, und das ist auch nicht der Fall überhaupt schön. Sie ist in tiefe Gedanken versunken und scheint den Tod ihres Mannes vorherzusehen.

In seinem späteren Werk wandte sich Rembrandt zunehmend der Interpretation von Ereignissen der christlichen Geschichte zu. Das Gemälde „Die Kreuzabnahme“ (ca. 1655, Washington, National Gallery) ist nicht nur dem Tod Christi gewidmet, sondern auch dem Kummer derer, die um ihn trauern.

Eines von Rembrandts berühmtesten Werken der religiösen Malerei aus dieser Zeit ist das Gemälde „Die Verleugnung des Petrus“ (um 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). In der Mitte ist eine junge Magd dargestellt, die sich an Petrus wendet und mit einer zur Seite bewegten Handbewegung seine Worte über den Verzicht auf Christus bestätigt. Der Vordergrundraum wird von einer einzelnen Kerze beleuchtet, die die Magd mit der Hand beschattet – eine Technik, die zu Beginn des Jahrhunderts bei Caravaggisten sehr beliebt war. Das sanfte Licht einer Kerze modelliert die Formen von Figuren und Objekten im Vordergrund. Sie sind mit leichten Strichen bemalt, in einer bräunlich-gelblichen Farbgebung mit einigen roten Akzenten. Manchmal scheinen sich die Formen im Licht aufzulösen oder davon zu füllen, wie die Hand einer Magd, die eine Kerze blockiert. Auf Peters Gesicht liegt tiefe Traurigkeit. Hier, wie auch in den späteren Porträts und Selbstporträts des Künstlers, stellt Rembrandt das Alter mit seiner über die Jahre gesammelten Weisheit, die Schwäche des Fleisches und die Stärke des Geistes mit unübertroffenem Können dar.

Auch Rembrandts Porträts werden im Laufe der Jahre zutiefst persönlich. Im Porträt des Dichters Jan Six (1654, Amsterdam, Six-Familiensammlung) ist das Motiv in einer kaum wahrnehmbaren Perspektive von unten nach oben dargestellt; Mit Ausnahme des fein modellierten Gesichts ist das Porträt schnell und frei mit breiten Strichen gemalt. Bei der Farbgebung dominieren das funkelnde Rot des Umhangs und das Gold der Anzugknöpfe, kontrastiert mit verschiedenen Grün- und Grautönen.

Im Porträt von Hendrikje Stoffels (um 1656, Berlin - Dahlem) ist die Figur in den Rahmen der Fensteröffnung eingeschrieben und scheint aufgrund des vom Künstler gewählten großen Maßstabs sehr nahe an der Bildebene zu stehen. Hendrickjes Blick ist auf den Betrachter gerichtet, ihre Pose ist frei, ihr Kopf ist zur Seite geneigt und ihre Hände liegen ganz natürlich. Die Farbgebung des Gemäldes ist eine Kombination aus Gold-, Weiß-, Rot- und Schwarztönen.

Eines der besten Gruppenporträts Rembrandts sind die Syndiks (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Auftraggeber des Porträts waren Vertreter der Amsterdamer Tuchmacherwerkstatt (sindics). Sie sind um einen Tisch herum dargestellt, auf dem ein Zählbuch liegt. Der Künstler macht den Betrachter zum Teilnehmer des Bildgeschehens. Es scheint, dass wir gerade die mit ihren Berechnungen beschäftigten Syndikus unterbrochen haben, und deshalb schauen sie alle den Betrachter an, als würden sie für einen Moment von ihrer Arbeit aufblicken. Im Bild dominieren gerade Linien, doch die Drehung des Tisches und das komplexe Lichtspiel mildern die Strenge der Komposition. Über die gesamte Leinwand verteilte Lichtpunkte beleben die Bildoberfläche. Dieses Bild ist sowohl als psychologische Studie, deren Zweck es ist, Menschen mit unterschiedlichen Charakteren darzustellen, als auch als historisches Dokument bemerkenswert.

Um 1661 erhielt Rembrandt den Auftrag, eines von acht historischen Gemälden zu erhalten, die das Amsterdamer Rathaus schmücken sollten. Die riesige Leinwand (Originalmaße 5-5 m) „Die Verschwörung des Julius Civilis“ wurde verschiedenen Versionen zufolge entweder nie im Rathaus aufgehängt oder nahm den dafür vorgesehenen Raum nicht länger als zwei Jahre ein und wurde dann durch ersetzt ein Gemälde von Ovens zum gleichen Thema. Von diesem Werk Rembrandts ist nur ein Fragment erhalten, das sich im Nationalmuseum in Stockholm befindet. Rembrandt schilderte ein Ereignis, das in den Annalen des römischen Historikers Tacitus (1. Jahrhundert) beschrieben wird: Die Anführer des batavischen Stammes schwören mit dem Schwert, für die Befreiung von der römischen Herrschaft zu kämpfen. Der Umfang dieses Werkes in seiner ursprünglichen Form lässt sich anhand der in München befindlichen Kompositionsskizze beurteilen. Es zeigt, dass der Tisch und die um ihn versammelten Menschen zunächst im Raum einer riesigen Halle gezeigt wurden, deren Tiefe durch das Spiel von Licht und Schatten vermittelt wurde.

Im 17. Jahrhundert Die Zeichnung diente meist als Vorskizze für die Entwicklung einer großen Komposition, als Skizze einzelner Details des zukünftigen Gemäldes oder wurde auf Karton aufgetragen und dann auf die zum Malen vorgesehene Oberfläche übertragen. Sehr selten wurde eine Zeichnung als vollständiges Kunstwerk betrachtet; Oftmals wurden die Zeichnungen nach Abschluss des Projekts weggeworfen. Jede Zeichnung von Rembrandt ist eine Studie über die Natur von Phänomenen und ein Versuch, den Charakter eines Augenblicks oder Objekts einzufangen. Wenn ein Künstler Skizzen nach Werken alter Meister anfertigte, schuf er keine Kopien, sondern Variationen desselben Themas und löste dabei seine eigenen künstlerischen Probleme. In den 1630er und 1640er Jahren malte er, indem er Linien unterschiedlicher Stärke mit feinsten Waschungen kombinierte. Manchmal wirken seine Zeichnungen wie schnelle Skizzen, bei denen die nervöse Linie kaum irgendwo durchgängig bleibt.

Rembrandt erkannte als erster die vielfältigen Möglichkeiten der Radierung im Vergleich zur Metallgravur. Diese Gravur entsteht, indem ein Motiv auf eine Metallplatte geritzt wird. Anschließend wird die Platte mit Farbe bedeckt, wobei die vom Fräser hinterlassenen Vertiefungen ausgefüllt werden, und mit einer Presse werden daraus Abdrücke auf Papier gemacht. Der Fräser erfordert starken Druck und große Sorgfalt. Das Ätzen hingegen erfordert keine große körperliche Kraft und die Linien sind freier und flexibler. Anstatt das Metall mit einem Meißel zu zerkratzen, überzieht der Künstler die Platte mit einem säurebeständigen Lack, zeichnet mit einer Nadel darauf, taucht die Platte dann in Säure und ätzt das Metall an lackfreien Stellen. Das Radieren gibt dem Künstler viel mehr Freiheit und er kann mit einer Nadel zeichnen, als würde er mit einem Stift auf Papier zeichnen. In Rembrandts Radierungen sind die Linien so frei und fließend wie in Federzeichnungen. Um neue Ausdruckseffekte zu erzielen, kombinierte er oft verschiedene Techniken: Mal führte er einen Cutter über ein bereits mit Säure geätztes Brett, mal gravierte er mit einer „Trockenspitze“ – einem Werkzeug mit einem Diamanten am Ende, der Rillen mit Kerben hinterlässt das Metall und verleiht dem Druck eine weiche und samtige Note. Beim Hundert-Gulden-Blatt zum Beispiel verwendete der Künstler alle diese Techniken (die Arbeit an diesem Brett dauerte mehrere Jahre).

Liszts „Gute Nachricht an die Hirten“ (1634) ist eine echte barocke Theateraufführung. Die Zeichnung besteht aus dicht platzierten, sich kreuzenden Strichen, die Kontraste aus hellen und dunklen Tönen erzeugen. Fünf Jahre später, in Mariä Himmelfahrt, wurde die Dominanz dicht schattierter dunkler Flächen durch die Dominanz heller Flächen und dünner Parallelschattierungen ersetzt. In der Radierung „Drei Bäume“ (1643) wird der Kontrast von dicht schattierten Bildfragmenten und weißem Papier auf die Spitze getrieben; Schräge parallele Linien am Himmel vermitteln perfekt das Gefühl eines Sommergewitters. Die dramatischste Radierung Rembrandts ist das Blatt „Drei Kreuze“ (um 1650).

Rückkehr des verlorenen Sohnes. 1669

Es wurden Materialien aus der Enzyklopädie „The World Around Us“ verwendet.

Literatur:

Rovinsky D. Vollständige Sammlung von Rembrandts Stichen, Bd. 1–4. St. Petersburg, 1890

Rembrandt. Künstlerische Kultur Westeuropas im 17. Jahrhundert. St. Petersburg, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Gemälde des Künstlers in Museen der Sowjetunion [Album]. L., 1971

Egorova K.S. Porträt im Werk Rembrandts. M., 1975

Lesen Sie weiter:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Römische Kinderzeitung).

Künstler(biographisches Nachschlagewerk).

Lesen Sie mehr im Internet:

Webseite http://rembr.ru/ - über den niederländischen Künstler Rembrandt Van Rijn. Gemäldegalerie, Biografie des Künstlers, Bücher und Studien über das Leben Rembrandts.

Rembrandt Harmens van Rijn ist der berühmteste Maler, Radierer und Zeichner des Goldenen Zeitalters. Universelle Anerkennung und Ruhm, starker Niedergang und Armut – so lässt sich die Biografie des großen Kunstgenies charakterisieren. Rembrandt versuchte, die Seele eines Menschen durch Porträts zu vermitteln; über viele der Werke des Künstlers kursieren immer noch Gerüchte und Vermutungen, die von Geheimnissen umgeben sind.

Der Beginn des 17. Jahrhunderts verlief ruhig für den niederländischen Staat, der zur Zeit der Revolution die Unabhängigkeit der Republik erlangte. Im Land entwickelten sich industrielle Produktion, Landwirtschaft und Handel.

In der antiken Stadt Leidin in der Provinz Südholland verbrachte Rembrandt, geboren am 15. Juli 1607, seine Kindheit in einem Haus am Vedesteg.

Der Junge wuchs in einer großen Familie auf, in der er das sechste Kind war. Der Vater des zukünftigen Künstlers, Harmen van Rijn, war ein wohlhabender Mann, der eine Mühle und eine Mälzerei besaß. Zu Rheins Badbesitz gehörten unter anderem zwei weitere Häuser, außerdem erhielt er von seiner Frau Cornelia Neltje eine bedeutende Mitgift, so dass die große Familie im Überfluss lebte. Die Mutter des zukünftigen Künstlers war die Tochter eines Bäckers und konnte kochen, sodass der Familientisch mit köstlichen Gerichten gefüllt war.

Trotz ihres Reichtums lebte die Familie Harmen bescheiden und hielt sich an strenge katholische Regeln. Auch nach der niederländischen Revolution änderten die Eltern des Künstlers ihre Einstellung zum Glauben nicht.

Selbstporträt von Rembrandt im Alter von 23 Jahren

Rembrandt war zeitlebens freundlich zu seiner Mutter. Dies kommt in einem 1639 gemalten Porträt zum Ausdruck, das eine weise alte Frau mit freundlichem und leicht traurigem Blick zeigt.

Gesellschaftliche Ereignisse und das luxuriöse Leben wohlhabender Menschen waren der Familie fremd. Es ist davon auszugehen, dass sich die van Rijns abends am Tisch versammelten und Bücher und die Bibel lasen: Dies taten die meisten niederländischen Bürger im „Goldenen Zeitalter“.

Die Windmühle, die Harmen besaß, befand sich am Ufer des Rheins: Vor dem Blick des Jungen öffnete sich eine wunderschöne Landschaft eines azurblauen Flusses, beleuchtet von den Sonnenstrahlen, die durch das kleine Fenster des Gebäudes strömten und durch die Nebel strömten Mehlstaub. Vielleicht hat der zukünftige Künstler aufgrund von Kindheitserinnerungen gelernt, Farbe, Licht und Schatten gekonnt zu beherrschen.

Als Kind wuchs Rembrandt zu einem aufmerksamen Jungen heran. Die offenen Flächen der Straßen von Leidin boten Inspirationsquellen: Auf den Handelsmärkten konnte man unterschiedliche Menschen unterschiedlicher Nationalität treffen und lernen, ihre Gesichter auf Papier zu zeichnen.

Zunächst besuchte der Junge eine Lateinschule, interessierte sich jedoch nicht für das Lernen. Der junge Rembrandt mochte keine exakten Wissenschaften und bevorzugte das Zeichnen.

Die Kindheit des zukünftigen Künstlers verlief glücklich, da seine Eltern die Hobbys seines Sohnes sahen und als der Junge 13 Jahre alt war, wurde er zum Studium bei dem niederländischen Künstler Jacob van Swanenburg geschickt. Über die Biographie von Rembrandts erstem Lehrer ist wenig bekannt; der Vertreter des Spätmanierismus verfügte über kein großes künstlerisches Erbe, weshalb es nahezu unmöglich ist, Jakobs Einfluss auf die Entwicklung von Rembrandts Stil nachzuvollziehen.

1623 ging der junge Mann in die Hauptstadt, wo sein zweiter Lehrer der Maler Peter Lastman war, der Rembrandt sechs Monate lang in Malerei und Gravur unterrichtete.

Malerei

Seine Ausbildung bei seinem Mentor verlief erfolgreich; beeindruckt von Lastmans Gemälden beherrschte der junge Mann schnell die Zeichentechnik. Helle und satte Farben, das Spiel von Schatten und Licht sowie die sorgfältige Ausarbeitung selbst kleinster Details der Flora – das hat Peter seinem bedeutenden Schüler vermittelt.

1627 kehrte Rembrandt von Amsterdam in seine Heimatstadt zurück. Im Vertrauen auf seine Fähigkeiten eröffnet der Künstler zusammen mit seinem Freund Jan Lievens eine eigene Malschule, die bei den Niederländern schnell an Popularität gewann. Lievens und Rembrandt hielten mit einander Schritt, manchmal arbeiteten junge Leute sorgfältig an einer Leinwand und brachten einen Teil ihres eigenen Stils in die Zeichnung ein.

Der zwanzigjährige junge Künstler erlangte Berühmtheit durch seine detaillierten Frühwerke, darunter:

„Steinigung des Apostels Stephanus“ (1625),
„Palamedea vor Agamemnon“ (1626),
„David mit dem Haupt des Goliath“ (1627),
„Die Vergewaltigung Europas“ (1632),

Der junge Mann lässt sich weiterhin von den Straßen der Stadt inspirieren, geht über Plätze, um zufällig einen Passanten zu treffen und sein Porträt mit einem Meißel auf einem Holzbrett festzuhalten. Rembrandt fertigte auch eine Reihe von Kupferstichen mit Selbstporträts und Porträts zahlreicher Verwandter an.

Dank des Talents des jungen Malers wurde Rembrandt vom Dichter Constantin Heygens bemerkt, der die Gemälde von van Rijn und Lievens bewunderte und sie als vielversprechende Künstler bezeichnete. „Judas gibt dreißig Silberstücke zurück“, 1629 von einem Niederländer gemalt, vergleicht er mit berühmten Gemälden italienischer Meister, findet aber Mängel in der Zeichnung. Dank Konstantins Verbindungen gewann Rembrandt bald wohlhabende Kunstliebhaber: Durch die Vermittlung von Hagens gab der Prinz von Oranien mehrere religiöse Werke beim Künstler in Auftrag, beispielsweise „Vor Pilatus“ (1636).

Echter Erfolg für einen Künstler kommt in Amsterdam. Am 8. Juni 1633 lernte Rembrandt die Tochter eines wohlhabenden Bürgers, Saskia van Uylenburch, kennen und erlangte eine starke Stellung in der Gesellschaft. Der Künstler malte die meisten seiner Gemälde während seines Aufenthalts in der Hauptstadt der Niederlande.

Rembrandt lässt sich von der Schönheit seiner Geliebten inspirieren und malt daher oft Porträts von ihr. Drei Tage nach der Hochzeit stellte van Rijn eine Frau mit silbernem Bleistift und breitkrempigem Hut dar. Saskia erschien in den Gemälden des Holländers in einer gemütlichen häuslichen Umgebung. Das Bild dieser Frau mit den dicken Wangen erscheint auf vielen Leinwänden, zum Beispiel ähnelt das mysteriöse Mädchen im Gemälde „Nachtwache“ stark der Geliebten des Künstlers.

Im Jahr 1632 wurde Rembrandt durch das Gemälde „Die Anatomiestunde des Doktor Tulp“ verherrlicht. Tatsache ist, dass van Rijn sich vom Kanon der üblichen Gruppenporträts entfernte, die mit dem Betrachter zugewandten Gesichtern dargestellt wurden. Äußerst realistische Porträts des Arztes und seiner Schüler machten den Künstler berühmt.

Im Jahr 1635 entstand das berühmte Gemälde nach der biblischen Geschichte „Die Opferung Abrahams“, das in der säkularen Gesellschaft große Anerkennung fand.

Im Jahr 1642 erhielt van Rijn von der Schützengesellschaft den Auftrag, ein Gruppenporträt anzufertigen, um das neue Gebäude mit Leinwand zu schmücken. Das Gemälde wurde fälschlicherweise „Nachtwache“ genannt. Es war mit Ruß befleckt und erst im 17. Jahrhundert kamen Forscher zu dem Schluss, dass die Handlung, die sich auf der Leinwand abspielte, tagsüber stattfand.

Rembrandt hat jedes Detail der Musketiere in Bewegung akribisch dargestellt: als ob in einem bestimmten Moment die Zeit stehen geblieben wäre, als die Miliz aus dem dunklen Hof kam und van Rijn sie auf der Leinwand festhielt.

Den Kunden gefiel die Tatsache nicht, dass der niederländische Maler von den im 17. Jahrhundert entwickelten Kanons abwich. Dann wurden Gruppenporträts zeremoniell durchgeführt und die Teilnehmer wurden in voller Gestalt ohne statische Aufladung abgebildet.

Laut Wissenschaftlern war dieses Gemälde der Grund für den Bankrott des Künstlers im Jahr 1653, da es potenzielle Kunden abschreckte.

Technik und Gemälde

Rembrandt glaubte, dass das wahre Ziel des Künstlers darin bestehe, die Natur zu studieren, daher erwiesen sich alle Gemälde des Malers als zu fotografisch: Der Niederländer versuchte, jede Emotion der abgebildeten Person zu vermitteln.

Wie viele talentierte Meister des Goldenen Zeitalters hat Rembrandt religiöse Motive. Van Rijns Leinwände zeigen nicht nur eingefangene Gesichter, sondern ganze Szenen mit ihrer eigenen Geschichte.

In dem 1645 entstandenen Gemälde „Die Heilige Familie“ sind die Gesichter der Figuren natürlich, der Niederländer scheint den Betrachter mit Pinsel und Farbe in die gemütliche Atmosphäre einer einfachen Bauernfamilie entführen zu wollen. Man kann in van Rijns Werken keinerlei Pomp erkennen. sagte, dass Rembrandt die Madonna in Form einer holländischen Bäuerin gemalt habe. Tatsächlich ließ sich der Künstler sein ganzes Leben lang von den Menschen um ihn herum inspirieren; es ist möglich, dass auf der Leinwand eine Frau, die einer Magd nachempfunden ist, ein Baby wiegt.

Rembrandts Gemälde „Die Heilige Familie“, 1646

Wie viele Künstler steckt Rembrandt voller Geheimnisse: Nach dem Tod des Schöpfers grübelten Forscher lange über die Geheimnisse seiner Gemälde.

Beispielsweise arbeitete van Rijn ab 1636 elf Jahre lang an dem Gemälde „Danae“ (oder „Ägina“). Die Leinwand zeigt ein junges Mädchen, das aus dem Schlaf erwacht. Die Handlung basiert auf dem antiken griechischen Mythos von Danae, der Tochter des Königs von Argos und der Mutter von Perseus.

Die Forscher der Leinwand verstanden nicht, warum das nackte Mädchen nicht wie Saskia aussah. Nach einer Röntgenaufnahme stellte sich jedoch heraus, dass Danae ursprünglich als Eulenburch gezeichnet war, doch nach dem Tod seiner Frau kehrte van Rijn zum Gemälde zurück und veränderte Danaes Gesichtszüge.

Auch unter Kunstkritikern kam es zu Streitigkeiten über die auf der Leinwand dargestellte Heldin. Rembrandt unterzeichnete den Titel des Gemäldes nicht, und die Interpretation der Handlung wurde der Legende nach durch das Fehlen des goldenen Regens erschwert, in dessen Form Zeus Danae erschien. Wissenschaftler waren auch verwirrt über den Ehering am Ringfinger des Mädchens, der nicht mit der antiken griechischen Mythologie übereinstimmte. Rembrandts Meisterwerk „Danae“ befindet sich in der Russischen Eremitage.

„Die jüdische Braut“ (1665) ist ein weiteres mysteriöses Gemälde von van Rijn. Diesen Namen erhielt das Gemälde zu Beginn des 19. Jahrhunderts, es ist jedoch noch unbekannt, wer auf der Leinwand abgebildet ist, da ein junges Mädchen und ein Mann in antiken Kostümen gekleidet sind, die an biblische Kleidung erinnern. Beliebt ist auch das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ (1669), dessen Entstehung sechs Jahre dauerte.

Fragment von Rembrandts Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“

Wenn wir über Rembrandts Malstil sprechen, verwendete der Künstler ein Minimum an Farben und schaffte es dennoch, die Bilder dank des Spiels von Licht und Schatten „lebendig“ zu machen.

Van Rijn gelingt es auch, Mimik darzustellen: Alle Menschen auf den Gemälden des großen Malers scheinen lebendig zu sein. Im Porträt eines alten Mannes – Rembrandts Vater (1639) zum Beispiel ist jede Falte sichtbar, ebenso ein weiser und trauriger Blick.

Privatleben

1642 starb Saskia an Tuberkulose; das Liebespaar hatte einen Sohn, Titus (drei weitere Kinder starben im Säuglingsalter), mit dem Rembrandt freundschaftliche Beziehungen pflegte. Ende 1642 traf der Künstler die junge Dame Gertje Dirks. Saskias Eltern waren verärgert darüber, wie der Witwer über die Mitgift verfügte, während er im Luxus lebte. Später verklagt Dirks ihren Geliebten, weil er sein Versprechen, sie zu heiraten, gebrochen hat. Von der zweiten Frau hatte die Künstlerin eine Tochter, Cornelia.

Rembrandts Gemälde „Saskia als Göttin Flora“

Im Jahr 1656 erklärte Rembrandt aufgrund finanzieller Schwierigkeiten Insolvenz und zog in ein abgelegenes Haus am Rande der Hauptstadt.

Van Rijns Leben machte keinen Fortschritt, sondern ging im Gegenteil in den Niedergang: Eine glückliche Kindheit, Reichtum und Anerkennung wurden durch verstorbene Kunden und ein bettelarmes Alter ersetzt. Die Stimmung des Künstlers ist in seinen Leinwänden zu erkennen. Während er mit Saskia zusammenlebte, malte er fröhliche und sonnige Gemälde, zum Beispiel „Selbstporträt mit Saskia auf den Knien“ (1635). Auf der Leinwand lacht van Rijn mit einem aufrichtigen Lachen, und ein strahlendes Licht erhellt den Raum.

Waren die Gemälde des Künstlers früher detailliert, so verwendet Rembrandt im Spätwerk breite Striche und die Sonnenstrahlen werden durch Dunkelheit ersetzt.

Das Gemälde „Die Verschwörung des Julius Civilis“ aus dem Jahr 1661 wurde von den Kunden nicht bezahlt, da die Gesichter der Teilnehmer der Verschwörung im Gegensatz zu van Rijns früheren Werken nicht sorgfältig herausgearbeitet wurden.

Rembrandts Gemälde „Porträt des Sohnes des Titus“

Kurz vor seinem Tod malte Rembrandt 1665 in Armut ein Selbstporträt nach dem Bild von Zeuxis. Zeukis ist ein antiker griechischer Maler, der einen ironischen Tod erlitt: Der Künstler war amüsiert über das Porträt der Aphrodite in Form einer alten Frau und starb vor Lachen. Auf dem Porträt lacht Rembrandt; der Künstler zögerte nicht, eine Portion schwarzen Humor auf die Leinwand zu bringen.

Tod

Rembrandt bestattete 1668 seinen Sohn Titus, der an der Pest starb. Dieses traurige Ereignis verschlechterte den Gemütszustand des Künstlers erheblich. Van Rijn starb am 4. Oktober 1669 und wurde in der niederländischen Westerkerk-Kirche in Amsterdam beigesetzt.

Denkmal für Rembrandt am Rembrandtplatz in Amsterdam

Im Laufe seines Lebens malte der Künstler etwa 350 Leinwände und 100 Zeichnungen. Die Menschheit brauchte zwei Jahrhunderte, um diesen großen Künstler voll und ganz zu würdigen.

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