Rembrandtovo zadnje delo. Kratka biografija Rembrandta in njegovega dela

Vedno je težko govoriti o tem, kaj resnično ljubiš. Skrbno izbirate prave besede, figure, ne veste, kje bi začeli ... Zato bom začel z majhnim razkritjem: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- moj najljubši umetnik in poznal sem ga zelo dolgo.

Kot otrok - v Ermitažu, z zgodbami očeta profesorja. V mladosti - med poukom MHC na inštitutu, s starimi diapozitivi v temni učilnici v dolgih decembrskih večerih. V moji mladosti - v čudovitem Amsterdamu, ki se je veselo smejal v žarkih zahajajočega avgustovskega sonca. Imel sem že na stotine predavanj o Rembrandtu, izvedel na desetine ekskurzij, a še vedno imam občutek, da se boste zdaj potopili v nekaj neznanega, ogromnega, nerazumljivega.

Kot bi skočil s pomola v morje, kjer si se znašel prvič. Ne veš, ali je tam mrzla voda in koliko kamnov je na dnu. Zaradi pričakovanja in dvoma se vam živčno tresejo roke. To lahko premagaš le na en način - skočiš v zalet, čutiš, kako ti razbija srce in kako se v enem trenutku ves svet okoli tebe odnese nekam v daljavo, ti pa si zdaj sam z nečim povsem novim ... No, dobro! Skočimo, odprimo oči in poglejmo!

Pri 27 letih je imel vse, o čemer lahko umetnik sanja. Slava, slava, denar, ljubljena ženska, na stotine naročil. Veljal je za najboljšega mojstra portretnega slikarstva v enem najbogatejših mest svojega časa, v biseru severne Evrope – Amsterdamu.

Da, še ni bilo umetnika na svetu, ki bi bil sposoben ustvariti kaj takega! Portret naj bi bil popoln, popestril naj bi vse človekove pomanjkljivosti, vendar je Rembrandt mislil drugače. Njegovi portreti so bili živi. Posredovali so značaj; vsebovali so konflikt. Tukaj je delček portreta glavnega davkarja province Nizozemske Jana Vtenbogaerta.

Skozi roke tega človeka je šlo skoraj celotno bogastvo republike. In njegova oblačila - zračen čipkast ovratnik, dolg plašč iz krzna ruskega sobolja - jasno kažejo na njegovo stanje. Zdaj pa samo poglej te oči. V njih vidiš žalost ... In takoj pride na misel platno Rembrandtovega velikega predhodnika -. Ali apostol ne gleda Kristusa z istim izrazom, ko ga kliče k sebi? Ta portret je zgodba o zelo bogatem, a zelo nesrečnem človeku in to je nizozemski slikar uspel prikazati v enem zamrznjenem trenutku.

Rembrandt Harmens van Rijn je ves svoj prosti čas preučeval obrazno mimiko. Ure in ure je stal ob ogledalu in delal obraze, ki jih je nato z ogljem prenesel na papir. Zanj je bilo pomembno ujeti najmanjše odtenke čustev.

Človeški obraz je bil po umetnikovih besedah ogledalo duše; to je spoznal že dolgo pred Oscarjem Wildom s svojim »Portretom Doriana Graya«. Toda portreti niso edino, v čemer je Rembrandt blestel. Nič manj nas ne navdušujejo njegova velika platna. Igra chiaroscura, ki jo je Caravaggio tako razvil v svojem slikarstvu, dobi pri našem mojstru res velikanski obseg.

Bil je star le 28 let, ko je ustvaril svojo prvo absolutno mojstrovino. To je slika "Spust s križa". V Ermitažu preprosto ne morete mimo te slike. Umetnik je v enem trenutku uspel upodobiti celotno bistvo krščanstva, čim bolj iskreno in ganljivo povedati eno največjih človeških zgodb, kot to ni storil nihče pred njim in za njim.

Jeruzalem v ozadju se utaplja v temi. Odrešenik je mrtev. V središču slike vidimo njegovo brezživo telo. To je trenutek največjega obupa, nihče še ne verjame v vstajenje. Ljudje vidijo le truplo človeka, ki so ga ljubili in ga častili kot boga, Devica Marija pa omedli, njena koža je smrtno bleda - pravkar je izgubila sina edinca.

Na tem platnu je en detajl, ki ni takoj opazen. To je razsvetljava. Vir svetlobe je svetilka v rokah dečka, vendar Kristusovo telo in oblačila apostola, ki ga drži v naročju, odsevajo svetlobo kot ogledalo. In skozi svetlobo se tukaj pove resnična zgodba, razkrije se filozofski pomen slike.

Luč luči je luč vere in to, kar vidimo na sliki, je uvod v njeno skrivnost. Človek dobi občutek, da Rešenikovo telo tu postane vir svetlobe. Iz teme izstopa obličje Matere Božje in z medlo svetlobo sveče obsijan prt, v katerega naj bi ovili Kristusovo telo. Na tem platnu je Rembrandt prvič uporabil tehniko, ki je v zadnjih letih njegovega življenja postala osrednja za njegovo delo.

In zdaj vidimo, kako je človek, ki je odlično obvladal tehniko pisanja, do najmanjših podrobnosti naslikal vse osrednje figure na platnu, a ko smo se oddaljevali od svetlobe, so postajali obrazi ljudi vedno bolj zamegljeni, skoraj nerazločni. Vse je zelo preprosto - skrivnost dogajanja je šla mimo njih.

Je pa na tem platnu še en lik, ki na prvi pogled ni opazen. Kljub temu, da je v senci, ga Rembrandt upodablja zelo jasno. V spodnjem desnem kotu platna, iz najtemnejšega mesta, ki se skriva za stebli bodike, vas gleda Hudič v podobi psa in kot da vas sprašuje:

"Ste se vključili v to, kar se dogaja?"

Da, nizozemski mojster nikoli ni bil zadovoljen z okvirjem slike, sanjal je, da bodo njegova platna postala del tega sveta in da bo gledalec postal neposredni udeleženec dogajanja. A prav ta želja ga je z vrhov slave pahnila v brezno stoletne pozabe.

Nesreča in pozaba prideta tako hitro kot sreča in slava. Rembrandt Harmens van Rijn je leta 1642 to izkusil na lastni koži. Seveda so bile pred tem žalosti: njegovi otroci so umrli v povojih. Preživel je le en sin, Titus, rojen leta 1641. A leto kasneje je ta svet zapustila njegova ljubljena žena Saskia, s katero je živel dolga leta. In ob tej izgubi se je od umetnika obrnila tudi sreča, obrnila se je v trenutku, ko je ustvaril eno svojih največjih slik.

O Rembrandtovi »Nočni straži« lahko govorimo neskončno. Ta slika je tako obsežna po svoji vsebini, tako edinstvena po svoji strukturirani kompoziciji, da je zgodovina njenega nastanka povsem vredna ločene knjige in ne članka. Toda, kot se pogosto zgodi v življenju, so prav to stvaritev, ki je pozneje korenito spremenila celoten razvoj svetovnega slikarstva, sodobniki zavrnili.

Strankam ni bilo všeč, kako so bili upodobljeni, in mnogi od njih niso hoteli plačati umetnikovega dela. Najslavnejši nizozemski slikar takšnega ponižanja še ni doživel. Nekega leta je Rembrandt izgubil svojo ljubljeno ženo in doživel fiasko s svojim najboljšim delom. Zdi se, da je to povsem dovolj, a ne, to je bil šele začetek tragedije. Naročil je bilo vse manj (klasicizem in slog obrednih portretov sta prišla v modo), kmalu pa je bilo umetnikovo premoženje razprodano za dolgove. Iz ogromne graščine v samem središču Amsterdama se je bil prisiljen preseliti na obrobje mesta, v judovsko četrt, kjer je s svojim ljubljenim sinom Titusom najel več sob.

Najbolj zanimivo je, da se je Rembrandt zlahka prilagodil najnovejšim modnim trendom v umetnosti in spet prejel velik denar za svoja platna. Toda slikar je bil prepričan, da mora ustvariti povsem nov slog. Njegovi portreti niso bili več bogataši, ampak najbolj navadni meščani mesta Amsterdam. Takšen je na primer "Portret starega Juda".

Rembrandta niso več zanimale podrobne upodobitve vseh oblačil, prizadeval si je za večjo abstrakcijo in s popolno natančnostjo prikazal čustva svojih junakov. Za svojo vztrajnost je bil deležen samo trpljenja in klofut. To se je zgodilo z njegovo sliko "Zarota Julija Civilisa".

Namesto klasične, pompozne, patriotske podobe je stari mojster javnosti predstavil to.

Pred nami je slika barbarske pojedine, nesramne, grde. Ta slika je bila skoraj 300 let pred svojim časom in je predvidevala ekspresionistično slikarstvo. Ni presenetljivo, da je bila mojstrova mojstrovina zavrnjena, njegovo ime pa prekrito z neizbrisnim sramom. Toda prav teh zadnjih osem let njegovega življenja, preživetih v popolni, neprehodni revščini, je eno najplodnejših obdobij v Rembrandtovem delu.

Mislim, da bom o slikah tega obdobja, vključno z njegovo "Vrnitvijo izgubljenega sina", pisal v ločenem članku. Zdaj bi rad govoril o nečem drugem. Vedno sem bil presenečen, kako je Rembrandt lahko delal in razvijal svoj talent, ko so udarci usode deževali nanj od vsepovsod. To ni moglo trajati dolgo in umetnik je to slutil.

Zaključni udarec je vedno zadan na predelu, ki najbolj boli. Bil je edini sin Titus, zelo bolehen deček, ki je bil podoben svoji mrtvi materi. Prav njega je Rembrandt takrat najpogosteje upodabljal: tako v obliki angela na sliki "Matej in angel", kot branje in v različnih kostumih. Morda je slikar mislil, da bo s pomočjo svojega talenta nekako odložil neizogibno ... Ni bilo mogoče ...

Po mojem mnenju je »Portret Tita v meniškem oblačilu« ena najbolj čustvenih Rembrandtovih slik. V njej se je pokazala vsa očetova ljubezen in ves njen slikarski talent. V vseh teh grobih potezah, v tej temi, ki se dviga na mladeniča z leve, v rastlinah, ki že obdajajo njegovo telo, izstopa ena stvar - bledi obraz umetnikovega sina s spuščenimi očmi, polnimi ponižnosti.

Titus je umrl leta 1668, Rembrandt ga je preživel le za eno leto.

Umiral je na obrobju Amsterdama, popolnoma sam, ko je v tem življenju prejel vse in vse izgubil. Na njegove slike so dolgo pozabili ... Toda minilo je 150 let in drugi umetniki so že slišali, kaj je mojster hotel povedati svojim sodobnikom, ki so namesto slave in denarja izbrali svojo edinstveno pot.

Njegove slike si lahko ogledate v številnih muzejih po vsem svetu, danes ga pozna vsak človek na Zemlji. Strah in veselje, presenečenje in ogorčenje se v njegovih delih odražajo tako naravno, da jim ni mogoče ne verjeti. Divja priljubljenost, tragična usoda in žalosten zaton življenja še vedno ostajajo razlog za ogovarjanje in filozofsko razmišljanje.

Mladost

Umetnik Rembrandt se je rodil v družini peka leta 1606 v nizozemskem mestu Leiden, ki se nahaja na bregovih Rena. Zelo zgodaj je začutil umetniški talent. Po večletnem študiju doma je mladenič odšel v Amsterdam k pouku pri slavnem slikarju Lastmanu. Usposabljanje ni trajalo dolgo in pri 19 letih se je Rembrandt vrnil nazaj v Leiden. V tem času je slikal portrete svoje družine in prijateljev, veliko pozornosti pa je posvečal tudi avtoportretom. Številna avtorjeva dela so preživela do danes, kjer se upodablja v različnih podobah.

Spoved

Nekega dne ambiciozni umetnik prejme odlično naročilo od Ceha kirurgov. Tako se pojavi delo "Lekcija anatomije". Slika prinaša Rembrandtu priznanje. Takoj prejme več kot petdeset naročil za portrete plemičev in amsterdamskega plemstva. Hkrati s priljubljenostjo raste tudi mojstrovo počutje. Začne zbirati starine in starodobne noše. Kupi si razkošen dom, ki ga napolni z izvrstnim starinskim pohištvom in umetniškimi predmeti.

Saskia

Pri 28 letih se je Rembrandt, čigar slike so postajale vse bolj priljubljene, poročil z bogatim dekletom Saskio. Poročil se je iz ljubezni in ne le rešil, ampak tudi povečal kapital svoje ljubljene. Rembrandt je idoliziral svojo ženo in jo v svojih delih pogosto upodabljal na različne načine. Ena umetnikovih najbolj znanih slik, Avtoportret s Saskio, prikazuje srečnega Rembrandta s svojo mlado ženo. Istočasno je umetnik prejel naročilo za serijo del s svetopisemsko zgodbo. Tako se pojavita Rembrandtovi sliki z naslovoma »Abrahamova žrtev« in »Belsazarjev praznik«. Iz tega obdobja sega tudi eno mojstrovih najbolj znanih del, Danae. Sliko je umetnik večkrat prepisal in ima več izvirnih različic.

Sončni zahod življenja

Umetnikov brezskrbni čas ni trajal dolgo. Ni vsem všeč Rembrandtov način upodabljanja osebe, kakršna je. Po naslikani sliki »Nočna straža« je izbruhnil neverjeten škandal. Na platnu so se pojavili tujci. Morda je bil razlog v tem, da sredi dela njegova ljubljena Saskia umre za tuberkulozo. Na sliki, skupaj s figurami lokostrelcev, lahko vidite silhueto dekleta, ki tako spominja na mojstrovo ženo. Avtorju začne upadati priljubljenost. Novih naročil skorajda ni. Ko je izgubil dom in vse svoje premoženje, Rembrandt, čigar slike dobijo nov, filozofski pomen, začne upodabljati navadne ljudi in svoje ljubljene. Veliko piše o sinu, pa tudi o ljudeh, ki ga obkrožajo v zadnjih letih njegovega življenja. V tem času so se rodile Rembrandtove slike z naslovi »Portret starca v rdečem«, »Portret Titovega sina, ki bere« in druga dela. Ob koncu njegovega življenja se iz mojstrovega peresa pojavi še ena mojstrovina - "Vrnitev izgubljenega sina". Na tej sliki se mojster upodablja kot večni potepuh, ki je prisiljen tavati po težkih poteh spreminjajoče se slave. Leta 1969, ko je pokopal sina in nevesto, Rembrandt sam umre in za vedno pusti svoj ustvarjalni pečat na tem svetu. Danes umetnikove slike zasedajo častno mesto v katerem koli večjem muzeju na svetu.

Najbolj Rembrandt. "Lekcija anatomije" (1632)

Ta slika je prvo večje naročilo, ki ga je Rembrandt prejel po preselitvi v Amsterdam. Na platnu je upodobljena obdukcija, ki jo je opravil dr. Tulp. Zdravnik drži kite svojih rok s kleščami in svojim študentom pokaže, kako se prsti upognejo. Takšni skupinski portreti so bili takrat zelo priljubljeni med zdravniškimi cehi. Res je, praviloma so jim člani skupine pozirali, sedeč v vrsti. Rembrandt, čigar slike so odlikovale naravnost in realizem, je študente upodobil v tesnem krogu in pozorno poslušal besede doktorja Tulpa. Bledi obrazi in samo truplo izstopajo kot svetle svetlobe na mračnem in temnem ozadju slike. Delo je Rembrandtu prineslo prvo popularnost, nakar so naročila na avtorja deževala z neverjetno hitrostjo.

"Avtoportret s Saskio" (1635)

V svojem življenju je Rembrandt naslikal neverjetno veliko avtoportretov. Ta slika je ena najbolj znanih. Ta prikazuje umetnikovo veselje ob sreči, da ima svojo ljubljeno. Čustveno stanje slikarja se odraža v odprtem pogledu likov, v sijočem obrazu Rembrandta, kot da se duši od sreče in blaginje. Vendar pa se v portretu skriva tudi skrita provokacija: navsezadnje se umetnik upodablja v podobi istega »izgubljenega sina«, ki se gosti z navadno kurtizano. Kako zelo drugačen je »izgubljeni sin« na tem avtoportretu od tistega, ki ga občinstvo pozna po istoimenski sliki!

"Danae" (1636)

Najbolj znana Rembrandtova slika. Napisana je na podlagi mita o Perzejevi materi Danaji. Po legendi je oče deklice izvedel, da bo umrl od sina lastne hčerke, in jo zaprl v ječo. Zevs je vstopil v ujetnika v obliki zlatega dežja, po katerem se je rodil Perzej. Slika pritegne pozornost s svojo nenavadno barvitostjo, značilno za umetnikovo delo. V središču je gola ženska, katere telo je osvetljeno z močno sončno svetlobo. Na tej podobi je Rembrandt, čigar slike pogosto prikazujejo ljudi, ki so mu blizu, ujel podobo svoje ljubljene žene Saskie. Podoba angela je bila dodana po smrti njegove žene. Zdi se, da ves čas joče nad usodo pokojnika. Rembrandt je dolgo časa prepisal svojo najljubšo stvaritev in spreminjal razpoloženje slike v skladu s svojimi občutki. Kombinacija bleščečih tonov in zlatih poudarkov preseneti s svojo prefinjenostjo in sijajem.

Usoda slike je presenetljiva in dramatična, prav tako kot življenjska zgodba umetnika samega. Po smrti avtorja je mojstrovina zamenjala številne lastnike. Po pridobitvi dela Katarine II je "Danae" zavzela častno mesto v znameniti zbirki Ermitaža. Leta 1985 se je v muzeju zgodil neprijeten incident, ki je svet skoraj prikrajšal za možnost razmišljanja o Rembrandtovem ustvarjanju. En norec je stopil do slike in jo polil s kislino. Barva je takoj začela brbotati. A napadalcu tudi to ni bilo dovolj: z nožem mu je uspelo nekaj zarezati na platno, preden so ga ustavili. Poškodba je prizadela približno 30% mojstrovine. Izkazalo se je, da je manijak neki Bronius Maigis, ki je kasneje 6 let preživel na psihiatrični kliniki. Restavriranje slike je trajalo 12 let. Zdaj je na ogled v Ermitažu in ščiti mojstrovino pred vandali. Še ena zanimivost. Umetniško delo in njegove reprodukcije so pogosto predstavljene v filmih. Na primer, "Danae" se pojavi v seriji "Gangster Petersburg" kot Rembrandtova slika "Aegina".

"Nočna straža" (1642)

Sliko je pri Rembrandtu naročil vodja pehotne divizije. Na platnu je upodobljena četa milice, ki gre v pohod. Mušketirji, opogumljeni z bobni, so upodobljeni poleg vojakov različnih socialnih statusov in starosti, pripravljenih na boj. Vse jih povezujeta moškost in domoljubni vzgib. Delo odlikuje natančnost vrisovanja vseh podob in detajlov. Rembrandtova slika "Nočna straža" pri gledalcih vzbuja popoln občutek resničnosti vsega, kar se dogaja. Avtor je poskušal prikazati ne le zunanje značilnosti vseh likov, ampak tudi razkriti notranji svet vsakega vojaka. Apoteoza slike je slavolok - simbol preteklih uspehov in znanilec nove veličastne zmage. S pomočjo pisanih barv (zlate, črne in rumene) se gledalcu razkrije energija, dramatičnost in svečanost vojaškega razpoloženja. Karakter in usoda vsakega lika sta berljiva zahvaljujoč čopiču slavnega umetnika.

Obstaja veliko različic o deklici, upodobljeni skoraj v središču slike. Od drugih je drugačna s svojimi svetlimi barvami in angelskim videzom. Morda je to nekakšna maskota milice. Po drugi različici je deklica podoba avtorjeve ljubljene žene, ki je sredi slikanja odšla v drug svet. Kot veste, delo ni bilo po volji strank. Ko so sliko kupili, so barbarsko razrezali platno in ga obesili v banketni dvorani.

"Vrnitev izgubljenega sina" (1666-1669)

Rembrandtova slika "Vrnitev izgubljenega sina" je eden najbolj presenetljivih vrhov dela slavnega umetnika. Napisano je bilo v zadnjih letih mojstrovega življenja. To je čas, ko je bil zelo star in šibak, v stiski in lačen. Tema izgubljenega sina se je v umetnikovem delu večkrat pojavila. To delo je zaključek, povzetek dolgoletnega ustvarjalnega potepanja slavnega avtorja. Slika izžareva vso toplino in globino Rembrandtove palete. Svetleče barve in graciozna igra svetlobe in senc poudarjajo podobe glavnih likov. Videz častitljivega starca in njegovega izgubljenega sina izraža celo paleto različnih občutkov: kesanje in ljubezen, usmiljenje in grenkobo zapoznelega uvida. Po mnenju likovnih kritikov je "Vrnitev" razkrila ves psihološki talent slikarja. V svojo zamisel je vložil vse svoje nabrane ustvarjalne izkušnje, vso svojo strast, ves svoj navdih.

Zaključek

Težko si je sploh predstavljati, kako je Rembrandt upodobil tiste, ki so predstavljeni v tem članku. Koliko let je minilo od njihovega nastanka, koliko saj iz lojenih sveč jih je prekrilo v treh stoletjih zgodovine! Le ugibamo lahko, kako so bili videti na svojih rojstnih dnevih. Medtem do danes milijoni ljubiteljev talenta slavnega slikarja v različnih muzejih po vsem svetu prihajajo pogledat njegove mojstrovine.

Bodoči reformator likovne umetnosti se je rodil v družini premožnega mlinarja v Leidnu. Fant je že od zgodnjega otroštva kazal zanimanje za slikanje, tako da je bil pri 13 letih vajenec k leidenskemu umetniku Jacobu van Swanenburchu. Rembrandt je kasneje študiral pri amsterdamskem slikarju Pietru Lastmanu, ki se je specializiral za zgodovinske, mitološke in svetopisemske teme.

Že leta 1627 je Rembrandtu s prijateljem Janom Lievensom uspelo odpreti lastno delavnico - mladi slikar, star komaj 20 let, je začel sam novačiti študente.

Že v Rembrandtovih zgodnjih delih je jasno viden poseben slikarski slog, ki se začenja oblikovati - umetnik si prizadeva svoje like naslikati čim bolj čustveno, dobesedno vsak centimeter platna je napolnjen z dramo. Na samem začetku svoje poti je bodoči neprekosljivi mojster dela s chiaroscuro spoznal moč te tehnike za prenašanje čustev.

Leta 1631 se je Rembrandt preselil v Amsterdam, kjer so ga sprejeli izjemno navdušeno; poznavalci umetnosti so slikarski slog mladega umetnika primerjali z deli samega Rubensa - mimogrede, Rembrandt se je z veseljem zgledoval po večini estetike tega umetnika.

Obdobje dela v nizozemski prestolnici je postalo mejnik za portretni žanr v Rembrandtovem delu - tu je mojster naslikal številne študije ženskih in moških glav, pri čemer je skrbno obdelal vsako podrobnost in razumel vse tankosti človeških obraznih izrazov. obraz. Umetnik slika premožne meščane - njegova slava se hitro razširi in postane ključ do komercialnega uspeha -, veliko pa dela tudi na avtoportretih.

Rembrandtova usoda – osebna in ustvarjalna – ni bila lahka. Nadarjeni slikar, ki sta mu bila zgodaj naklonjena slava in uspeh, je nenadoma izgubil tudi bogate naročnike, ki niso spoznali revolucionarnega poguma njegovih del. Rembrandtovo zapuščino so zares cenili šele dve stoletji pozneje – v 19. stoletju so se realistični umetniki zgledovali po slikah tega mojstra, enega najsvetlejših predstavnikov zlate dobe nizozemskega slikarstva.

1. "Danae" (1633-1647)

Tudi če o Rembrandtu ne veste nič in vas slikanje sploh ne zanima, vam je ta slika zagotovo znana. Platno, shranjeno v sanktpeterburškem Ermitažu, je bilo leta 1985 skoraj za vedno izgubljeno zaradi vandala, ki ga je polil z žveplovo kislino in nato platno prerezal z nožem.

Sliko, ki prikazuje golo dekle, ki leži na postelji v žarkih nezemeljske svetlobe, je Rembrandt naslikal za svoj dom - tema je bil slavni starogrški mit o lepi Danaji, bodoči materi zmagovalca Meduze Perzeja in Zeus Gromovnik. Že sam videz Danae je za raziskovalce ustvarjalnosti predstavljal uganko, ki je bila šele pred kratkim razrešena: znano je, da je bil Rembrandtov model njegova žena Saskia van Uylenburch, vendar danaja, ki je prišla do nas, sploh ni podobna umetnikovi ženi. Rentgenska študija platna je pokazala, da je Rembrandt delno preoblikoval obraz Danae po smrti svoje žene - in ga naredil podobnega obrazu njegove druge ljubimke, varuške njegovega sina Titusa, Gertje Dirks. Tudi Kupid, ki lebdi nad Danajo, je bil sprva drugačen – krilati bog se je smejal, v končni različici pa je bilo na njegovem obrazu zamrznjeno trpljenje.

Po napadu na sliko leta 1985 je trajalo 12 let, da so jo obnovili. Izguba slike je znašala 27%, najboljši mojstri so delali na obnovi Rembrandtove mojstrovine - vendar ni bilo nobenega zagotovila za uspeh. Na srečo je bilo platno rešeno; zdaj je slika zanesljivo zaščitena z oklepnim steklom.

2. "Nočna straža", (1642)

Kliknite na sliko, da preidete v način ogleda

Ogromno, skoraj štirimetrsko platno je postalo resnično usodno v karieri njegovega ustvarjalca. Pravilen naslov slike je »Nastop strelske čete stotnika Fransa Banninga Koka in poročnika Willema van Ruytenburga«. Po odkritju umetnostnih zgodovinarjev je postal "nočna straža", pozabljen dve stoletji. Odločeno je bilo, da slika prikazuje mušketirje med nočno službo - in šele po restavriranju je postalo jasno, da je pod plastjo saj povsem drugačna prvotna barva - o tem zgovorno govorijo sence - dejanje na platnu se odvija okoli 2. uri popoldne.

Delo je naročil Rembrandt pri Strelskem društvu, enoti civilne milice na Nizozemskem. Skupinski portret šestih čet naj bi krasil novo stavbo društva - Rembrandta so prosili, naj naslika strelsko četo stotnika Fransa Banninga Cocka. Od umetnika so pričakovali, da bo naredil tradicionalen ceremonialni portret - vse like po vrsti -, vendar se je odločil upodobiti mušketirje v gibanju. Drzna kompozicija, kjer je vsaka figura čim bolj dinamična, med kupci ni našla razumevanja - nezadovoljstvo je povzročilo dejstvo, da so bili nekateri od upodobljenih jasno vidni, drugi pa v ozadju. "Nočna straža" je dobesedno zlomila Rembrandtovo kariero - po tej sliki so se redne bogate stranke odvrnile od slikarja, njegov stil slikanja pa se je korenito spremenil.

Mimogrede, usoda te slike ni nič manj tragična kot usoda "Danae". Za začetek so jo v 18. stoletju popolnoma barbarsko odrezali, da bi jo umestili v novo dvorano strelskega društva. Tako sta mušketirja Jacob Dirksen de Roy in Jan Brugman izginila s slike. Na srečo se je ohranila kopija originalne slike. "Nočno stražo" so vandali napadli trikrat: prvič so izrezali velik kos platna, drugič so sliko 10-krat zabodli, tretjič pa so jo polili z žveplovo kislino.

Zdaj je platno shranjeno v Rijksmuseumu - Narodnem muzeju v Amsterdamu. To sliko lahko gledate več ur - vsi liki so tako podrobno upodobljeni na ogromnem platnu, tako "po meri" (pravzaprav je 18 mušketirjev) kot tisti, ki jih je dodal Rembrandt po lastni presoji (16 figur, najbolj skrivnostna je deklica na mestu "zlatih rezov" slike)

3. "Izgubljeni sin v gostilni" (1635)

Kliknite na sliko, da preidete v način ogleda

Ta umetnikov avtoportret z ljubljeno ženo Saskio v naročju hranijo v galeriji starih mojstrov v Dresdnu (znani tudi kot Dresdenska galerija). Nobenega dvoma ni, da je umetnik to sliko naslikal popolnoma srečen. V tem obdobju svojega življenja je Rembrandt trdo in plodno delal, bil priljubljen, prejemal visoke honorarje za svoja dela, med njegovimi strankami pa so bili slavni in bogati ljudje. Mojster je zgodbo iz Lukovega evangelija predelal v duhu časa - izgubljeni sin je oblečen v kamisol in klobuk s širokimi krajci s perjem, vlačuga v njegovem naročju je prav tako oblečena po modi tistega časa. Mimogrede, to je edina slika avtoportreta umetnika skupaj z ženo - Rembrandt je leta 1638 v tehniki graviranja naredil še eno podobo sebe in Saskie v istem slikovnem prostoru. Kljub splošnemu vedremu tonu slike pa vas avtor ni pozabil spomniti, da boste morali prej ali slej plačati za vse v tem življenju – o tem zgovorno priča tabla v ozadju, kjer bo zelo kmalu veseljak zaračunati. Ali bi lahko Rembrandt uganil, kako veliko bo njegovo lastno maščevanje za njegov talent?

4. "Vrnitev izgubljenega sina" (1666-1669)

Kliknite na sliko, da preidete v način ogleda

To je največja Rembrandtova slika na versko temo in jo hranijo v Ermitažu. Pomensko središče slike je močno pomaknjeno vstran, glavne figure so poudarjene s svetlobo, preostali liki so pokriti s senco, zaradi česar je nemogoče narediti napako pri branju upodobljenega. Mimogrede, vse Rembrandtove slike združuje ena pomembna podrobnost - kljub splošni jasnosti glavnega zapleta vsaka slika vsebuje skrivnosti, ki jih umetnostni zgodovinarji ne morejo rešiti. Tako kot deklica iz Nočne straže, Vrnitev izgubljenega sina prikazuje like, zavite v skrivnost. Štirje so - nekdo jih običajno imenuje "bratje in sestre" glavnega junaka. Nekateri raziskovalci razlagajo žensko figuro za stebrom kot drugega, poslušnega sina - čeprav je tradicionalno ta vloga dodeljena moškemu v ospredju. Ta bradati mož s palico v rokah ne vzbuja nič manj vprašanj - v Lukovem evangeliju je dekanov brat pritekel izgubljenemu sorodniku naproti naravnost s polja, tukaj pa je upodobljen bolj kot plemeniti potepuh, morda celo Večni Žid. Mimogrede, možno je, da se je Rembrandt tako upodobil - avtoportreti, kot veste, na njegovih slikah niso neobičajni.

5. "Saskia kot Flora" (1634)

Kliknite na sliko, da preidete v način ogleda

Večino ženskih podob na Rembrandtovih platnih v letih 1934-1942 je naslikala umetnikova ljubljena žena Saskia van Uylenburch. V podobi starodavne boginje pomladi Flore je mojster trikrat upodobil Saskijo - portret, o katerem razmišljamo, je nastal v letu njune poroke - s prostim očesom je jasno, da je Rembrandt malikoval svojo ženo, jo občudoval in postavil vse njegovo nežnost v sliko.

Saskia je bila ob poroki stara 17 let, ostala je sirota. Z bodočim možem jo je povezal dogodek - v Amsterdam je prišla na obisk k sestrični, ženi pridigarja Johanna Cornelisa Silviusa, ki je poznal Rembrandta. Poroka je bila 10. junija 1634. Leta 1942 - le leto dni po rojstvu dolgo pričakovanega sina Tita - je Saskia umrla.

Flora-Saskia je utelešenje mladosti, svežine in čistosti, v njenem videzu je toliko očarljive sramežljivosti in dekliške svežine. Rembrandt je v tej sliki spretno združil pastoralne in zgodovinske portrete. Mimogrede, od treh Florov, ki jih je naslikal z ženo (drugi dve sliki sta nastali v letih 1935 in 1941), se prvi najbolj nanaša na antiko, druga dva portreta namigujeta na mit le s komaj opaznimi detajli. "Saskia kot Flora" se hrani v Ermitažu.

Rembrandtov avtoportret, 1661. Olje na platnu, 114x91.
Kenwood House, London, angleška dediščina.
Ilustracija s spletnega mesta http://rembr.ru/

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), nizozemski slikar, risar in jedkar, eden največjih mojstrov zahodnoevropske umetnosti. Rojen v Leidnu 15. julija 1606 v družini premožnega mlinarja. Leta 1620 je vstopil na univerzo v Leidnu, vendar tam ni ostal dolgo in je kmalu postal študent lokalnega umetnika Jacoba Isaacsa Swanenburcha. Okoli leta 1623 se je preselil v Amsterdam, kjer je vstopil v delavnico Jana Peynasa in študiral pri mojstru zgodovinskega slikarstva Pietru Lastmanu. Slednji je Rembrandta seznanil z deli mojstrov italijanske umetnosti. Od leta 1625 do 1631 je imel Rembrandt svojo delavnico v Leidnu, včasih pa je sodeloval s slikarjem in graverjem Janom Lievensom. Od Rembrandtovih učencev je Gerard Dou najbolj znan.

Leta 1631 ali konec leta 1632 se je Rembrandt vrnil v Amsterdam. 22. junija 1635 se je poročil s Saskio van Uylenburch, hčerko bogatega meščana Leuwardna. Leta 1642 se je uspeh v ustvarjalnosti in osebnem življenju umaknil nizu nesreč. Konec tridesetih let 16. stoletja so se mu drug za drugim rodili štirje otroci, a so vsi umrli v povojih, nato pa je 14. junija 1642 nenadoma umrla njegova ljubljena žena. Umetnik je ostal s svojim enoletnim sinom Titusom. Nočna straža (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), dokončana kmalu po Saskiini smrti, pomeni začetek njegovih novih ustvarjalnih raziskovanj.

Konec štiridesetih let 16. stoletja je Hendrikje Stoffels postala Rembrandtova neuradna žena (po Saskijini oporoki se ni mogel drugič poročiti). Leta 1654 se jima je rodila hči Kornelija. Vendar pa so zdaj umetnika preganjale finančne težave. Julija 1656 je bil prisiljen razglasiti bankrot in v naslednjih dveh letih je bila njegova izjemna zbirka razprodana. V želji pomagati Rembrandtu sta se konec leta 1658 Titus in Hendrikje začela ukvarjati s slikarsko obrtjo.

Zadnja leta umetnikovega življenja je zasenčila smrt ljubljenih. Hendrickje je umrl 24. julija 1663. Titus se je poročil februarja 1668 in umrl šest mesecev pozneje. Zdaj je Rembrandt ostal sam z mlado Cornelio. Rembrandt je umrl 4. oktobra 1669.

Rembrandt je ustvaril približno 600 slik, skoraj 300 jedkanic in več kot 1400 risb. Spodaj je kronološki pregled njegovega dela.

Zgodnje obdobje Rembrandtovega ustvarjanja je treba obravnavati v kontekstu vpliva italijanske umetnosti na nizozemsko slikarstvo. Od italijanskih mojstrov je Nizozemce še posebej pritegnil Caravaggio, v čigar delih se je zdelo, da sta drzni naturalizem in kontrastno modeliranje svetlobe in sence izziv klasični umetnosti. Umetniki, kot sta Gerard Terbruggen in Rembrandtov učitelj Pieter Lastman, so delali v slogu Caravaggia in postopoma uvajali karavagizem v arzenal umetniških sredstev nizozemskega slikarstva. Temu toku pripadajo tudi Rembrandtove slike iz obdobja Leidena (1625–1631). Slike Menjalec denarja (1627, Berlin) in Znanstvenik v svoji delovni sobi (1629, London, Narodna galerija) so pokazale mojstrovo zanimanje za prenos svetlobnih učinkov. Prva med njimi prikazuje starca v očalih med delom, v kotu, polnem poslovnih knjig. Njegov naguban obraz osvetljuje medla svetloba ene same sveče, ki jo zakriva z roko. V drugi sliki je Rembrandt skušal prenesti vzdušje zračne notranjosti. Glavni predmet slike je sama soba z visokim stropom, napolnjena z mehko, utripajočo svetlobo.

Umetnik se je skozi celotno ustvarjalno pot obračal na teme, v katerih se globoka življenjska drama združuje z elementi subtilnega psihologizma. Slika Večerja v Emavsu (ok. 1630, Pariz, muzej Jacquemart-André) kaže značilnosti Rembrandtovega slikarstva tega obdobja. Rembrandt je to epizodo predstavil kot gledališko mizansceno. Kristusova silhueta izstopa na ozadju bleščeče svetlobe, večina platna je potopljena v senco.

Selitev v Amsterdam in veliki umetniški uspehi, ki so sledili, so odprli novo obdobje v Rembrandtovem delu; to je desetletje, v katerem so nastajala dela, prežeta z dramatiko in hkrati ne brez materialne čutnosti, delno po duhu sorodna delom Flamca Petra Paula Rubensa. Prvo večje naročilo, ki ga je Rembrandt prejel v Amsterdamu, je bila slika Anatomija doktorja Tulpa (1632, Haag, Mauritshuis). Je podoba slavnega amsterdamskega zdravnika in njegovih kolegov v mestnem cehu kirurgov.

Med slikami na zgodovinske teme, ki jih je Rembrandt naredil v tridesetih letih 16. stoletja, se zdi Oslepitev Samsona (1636, Frankfurt na Majni, Städel Art Institute) še posebej dramatična. Bliski svetlobe, dinamične diagonale in živahne barve so uporabljeni za povečanje napetosti zapleta; slika je napolnjena z ostrim, hitrim gibanjem.

Hedonizem in tehnična virtuoznost, ki sta zaznamovala Rembrandtovo slikarstvo teh let, sta bila morda najbolj živo utelešena v Avtoportretu s Saskio (ok. 1635, Dresden, Galerija slik). Tu se je umetnik upodobil v romantični obleki gospoda; Z eno roko dvigne kozarec piva, z drugo pa objame Saskio, ki mu sedi v naročju. Svetlost barv in svoboda potez popolnoma ustrezata razpoloženju prizora.

Avtoportret s Saskio v naročju. 1635

Do začetka 1640-ih je Rembrandtovo življenje in umetniška dejavnost pridobila stabilnost in pravilnost. Avtoportret 1640 (London, Narodna galerija), na katerega so vplivala dela Rafaela in Tiziana, prikazuje samozavestnega, razumnega moškega, oblečenega po italijanski modi iz 16. stoletja, ki se naslanja na balustrado; njegova ramena so rahlo obrnjena, pogled usmerjen v gledalca.

Ena najbolj znanih slik tega obdobja je Nočna straža (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Pravo ime dela je četa stotnika Fransa Banninga Koka in poročnika Willema van Ruytenburga. Napisana je bila ob obisku francoske kraljice Marie de' Medici v Amsterdamu in ob tej priložnosti organiziranem slavnostnem izstopu čet mestne milice. Prevladujoče temno ozadje na sliki omogoča boljšo osvetlitev figur likov. Zato je v 18. st. slika je bila pomotoma naslovljena Nočna straža. Tako kot Anatomija doktorja Tulpeja tudi ta slika presega tradicionalni skupinski portret. Upodablja 29 likov, od tega 16 resničnih zgodovinskih osebnosti; njihovo gibanje in lokacija na sliki sta podrejena enemu splošnemu dejanju, ki se odvija pred gledalčevimi očmi. Palice, transparenti in muškete štrlijo v različne smeri, zaradi česar je kompozicija svobodnejša in bolj dinamična; občutek okrepi igra svetlobe in sence.

Nočna straža. 1642

V štiridesetih letih 16. stoletja je Rembrandtovo religiozno slikarstvo postalo manj retorično, v njem sta se pojavila ponižnost in globoka notranja moč, značilna za poznejše mojstrovo delo. Od renesanse dalje so bili dogodki Svetega pisma običajno interpretirani na junaški način, njihovi liki pa so bili obdarjeni s telesno lepoto. Rembrandtova vizija se je močno razlikovala od tega koncepta; Kristus se v svojih delih zdi ponižen in krotek, med ljudmi ponižan in neviden.

Gravura Sto guldnovih listov, ki je ime dobila po ceni, po kateri je bila prodana na eni od prvih dražb, obravnava temo krščanske ponižnosti. Kristusova figura ne izstopa iz množice niti po oblačilih niti po posebnem položaju, ampak pozornost gledalca pritegne središče kompozicije - Odrešenikov obraz, iz katerega izhajajo najtanjši žarki božanske svetlobe. Na njegovi levi strani so tisti, ki jih je zlomila šibkost duha in mesa, bogati in revni, združeni s trpljenjem. Na desni so farizeji, neverniki in potopljeni v neskončne spore. Otročiči padajo k Kristusovim nogam. V gravuri List sto guldnov je Rembrandtu v odsotnosti vidnega dejanja odlično uspelo prenesti čudež božje prisotnosti v svetu ljudi.

Od začetka 1650-ih so Rembrandtovi portreti postali globoko osebni, kompozicije so postale stroge in geometrične v konstrukciji, barvna shema pa je postala ogromen spekter odtenkov treh ali štirih barv. Rembrandtova umetnost ne odraža bolj umetniškega okusa javnosti; Umetnik se zdaj ukvarja z raziskovanjem lastnosti oljnih slikarskih tehnik. Mojstrov pogled na svet, utelešen v njegovih poznejših delih, ki je danes tako visoko cenjen, je za njegove sodobnike ostal nerazumljiv.

Rembrandt. "Danae." 1636.

Slika Človek v pozlačeni čeladi (1651, Berlin - Dahlem) Rembrandtove delavnice prikazuje značilne poteze mojstrovega poznega sloga. Obraz sivolasega bojevnika je potopljen v globoko mehko senco, odsevi svetlobe na čeladi pa so podani v prostih, širokih, debelih potezah. Za Rembrandta je lahko nenavadna tema včasih postala razlog za drzne umetniške poskuse. Primer tukaj je slika Odrt trup bika (1655, Pariz, Louvre). Čopič vrača življenje mrtvemu mesu in lepoto grdoti. Rembrandt se je pri upodabljanju človeškega telesa vedno izogibal klasicističnemu idealiziranju. Na sliki Batšeba (1654, Pariz, Louvre) ženska, ki jo je kralj David videl kopati in se vanjo zaljubil zaradi njene izjemne lepote, ni upodobljena v trenutku kopanja, ki so ga umetniki tako pogosto izbrali za pripovedovanje te zgodbe, in ni sploh lepa. Potopljena je v globoke misli in zdi se, da predvideva smrt svojega moža.

Rembrandt se je v svojih kasnejših delih vedno bolj obračal k interpretaciji dogodkov v krščanski zgodovini. Slika Spust s križa (ok. 1655, Washington, Narodna galerija) ni posvečena le Kristusovi smrti, ampak tudi žalosti tistih, ki za njim žalujejo.

Eno najbolj znanih Rembrandtovih del nabožnega slikarstva iz tega obdobja je slika Zanikanje Petra (ok. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). V središču je upodobljena mlada služkinja, ki se obrača k Petru, ta pa s kretnjo roke, pomaknjeno v stran, potrdi svoje besede o odrekanju Kristusu. Prostor v ospredju osvetljuje ena sama sveča, ki jo služkinja zasenči z roko – tehnika, ki je bila na začetku stoletja zelo priljubljena med karavagisti. Mehka svetloba sveče oblikuje oblike figur in predmetov v ospredju. Slikane so z rahlimi potezami, v rjavkasto-rumenkasti barvni shemi z nekaj rdečimi poudarki. Včasih se zdi, da se oblike raztopijo v svetlobi ali so napolnjene z njo, kot roka služkinje, ki blokira svečo. Na Petrovem obrazu je globoka žalost. Tako kot v poznejših umetnikovih portretih in avtoportretih Rembrandt tukaj z neprekosljivo spretnostjo upodablja starost, z leti nabrano modrostjo, šibkostjo mesa in trdnostjo duha.

Tudi Rembrandtovi portreti z leti postanejo globoko osebni. V portretu pesnika Jana Sixa (1654, Amsterdam, družinska zbirka Six) je subjekt upodobljen iz komaj opazne perspektive od spodaj navzgor; Z izjemo fino modeliranega obraza je portret naslikan hitro in prosto, s širokimi potezami. V barvni shemi prevladujeta bleščeča rdeča barva ogrinjala in zlata gumbov obleke v kontrastu z različnimi odtenki zelene in sive.

Na portretu Hendrikje Stoffels (ok. 1656, Berlin - Dahlem) je figura vpisana v okvir okenske odprtine in se zaradi velikega merila, ki ga je izbral umetnik, zdi, da stoji zelo blizu slikovne ravnine. Pogled Hendrickjeve je usmerjen v gledalca, njena poza je svobodna, glava nagnjena vstran, roke pa ležijo zelo naravno. Barvna shema slike je kombinacija zlatih, belih, rdečih in črnih tonov.

Eden najboljših Rembrandtovih skupinskih portretov so Syndics (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Naročniki portreta so bili predstavniki amsterdamske suknarske delavnice (sindics). Upodobljeni so okoli mize, na kateri leži števec. Umetnik naredi gledalca udeleženca v dogajanju na sliki. Zdi se, da smo pravkar prekinili sindikate, ki so bili zaposleni s svojimi izračuni, zato vsi, kot da bi za trenutek dvignili pogled od svojega dela, pogledajo v gledalca. Na sliki prevladujejo ravne črte, vendar zasuk mize in kompleksna igra svetlobe ublažita strogost kompozicije. Po platnu so razpršeni svetlobni madeži, ki poživljajo njegovo slikovno površino. Ta slika je izjemna tako kot psihološka študija, katere namen je prikazati ljudi z različnimi značaji, kot tudi kot zgodovinski dokument.

Okoli leta 1661 je Rembrandt dobil naročilo za eno od osmih zgodovinskih slik, ki naj bi krasile amsterdamsko mestno hišo. Ogromno platno (prvotne dimenzije 5-5 m) Zarota Julija Civilisa po različnih različicah bodisi nikoli ni bilo obešeno v mestni hiši ali pa je zasedlo prostor, namenjen zanj največ dve leti, nato pa ga je nadomestil slika Pečnika na isto temo. Ohranil se je le fragment tega Rembrandtovega dela, ki se nahaja v Narodnem muzeju v Stockholmu. Rembrandt je upodobil dogodek, opisan v Analih rimskega zgodovinarja Tacita (1. stoletje): voditelji Batavskega plemena prisežejo na meču, da se bodo borili za osvoboditev izpod rimske oblasti. Obseg tega dela v izvirni obliki je mogoče oceniti po kompozicijski skici v Münchnu. Prikazuje, da so bili miza in ljudje, zbrani okoli nje, najprej prikazani v prostoru ogromne dvorane, katere globina je bila posredovana skozi igro svetlobe in senc.

V 17. stoletju risba je običajno služila kot predhodna skica za razvoj velike kompozicije, skica posameznih podrobnosti bodoče slike ali pa je bila nanesena na karton in nato prenesena na površino, namenjeno slikanju. Zelo redko je bila risba mišljena kot celostno umetniško delo; Pogosto so bile risbe po končanem projektu zavržene. Vsaka Rembrandtova risba je študija narave pojavov in poskus ujeti značaj trenutka ali predmeta. Ko je umetnik delal skice iz del starih mojstrov, ni ustvarjal kopij, temveč variacije na isto temo, pri tem pa je reševal lastne umetniške probleme. V 1630-ih in 1640-ih je slikal s kombiniranjem linij različnih debelin z najfinejšimi pranji. Včasih se njegove risbe zdijo kot hitre skice, kjer živčna linija komaj nikjer ostane neprekinjena.

Rembrandt je prvi spoznal bogate možnosti jedkanice v primerjavi s kovinsko gravuro. Ta gravura je ustvarjena s praskanjem dizajna na kovinsko ploščo; nato ploščo prekrijemo z barvo, zapolnimo vdolbine, ki jih pusti rezalnik, in iz nje naredimo odtise na papir s stiskalnico. Rezalnik zahteva močan pritisk in veliko previdnost. Delo na jedkanici, nasprotno, ne zahteva veliko fizične moči, linije pa so bolj svobodne in prožne. Namesto praskanja po kovini z dletom umetnik premaže ploščo z lakom, odpornim na kisline, in po njej riše z iglo, nato ploščo pomoči v kislino in kovino vreže na brezlakna mesta. Jedkanica daje umetniku veliko več svobode, z iglo lahko riše kot s peresom po papirju. V Rembrandtovih jedkanicah so črte tako proste in tekoče kot v peresnih skicah. Da bi dosegel nove izrazne učinke, je pogosto kombiniral različne tehnike: včasih je z rezilom šel po že s kislino jedkani deski, včasih je graviral s »suho konico« - orodjem z diamantom na koncu, ki na koncu pušča brazde z zarezami. kovina, ki daje odtisu mehak in žameten pridih. Na primer, v Listu za sto guldnov je umetnik uporabil vse te tehnike (delo na tej plošči je trajalo več let).

Lisztova Dobra novica pastirjem (1634) je prava baročna gledališka predstava. Risba je narejena z gosto postavljenimi križajočimi se potezami, ki ustvarjajo kontraste svetlih in temnih tonov. Pet let pozneje, v Marijinem vnebovzetju, je prevlado gosto senčenih temnih polj zamenjala prevlada svetlih polj in tankega vzporednega senčenja. V jedkanici Treh dreves (1643) je kontrast gosto senčenih fragmentov podobe in belega papirja speljan do skrajnosti; poševne vzporedne črte proti nebu odlično izražajo občutek poletne nevihte. Najbolj dramatična Rembrandtova jedkanica je list Trije križi (ok. 1650).

Vrnitev izgubljenega sina. 1669

Uporabljeno je bilo gradivo iz enciklopedije "Svet okoli nas".

Literatura:

Rovinsky D. Celotna zbirka Rembrandtovih gravur, zv. Sankt Peterburg, 1890

Rembrandt. Umetnostna kultura zahodne Evrope v 17. stoletju. Sankt Peterburg, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Slike umetnika v muzejih Sovjetske zveze [Album]. L., 1971

Egorova K.S. Portret v delih Rembrandta. M., 1975

Preberite še:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Otroški rimski časopis).

Umetniki(biografski priročnik).

Preberite več na spletu:

Spletna stran http://rembr.ru/ - o nizozemskem umetniku Rembrandtu Van Rijnu. Galerija slik, biografija umetnika, knjige in študije o življenju Rembrandta.

Rembrandt Harmens van Rijn je najbolj znan slikar, jedkar in risar zlate dobe. Univerzalno priznanje in slava, močan upad in revščina - tako lahko označimo biografijo velikega genija umetnosti. Rembrandt je skozi portrete poskušal prenesti dušo človeka; govorice in ugibanja še vedno krožijo o številnih umetnikovih delih, zavitih v skrivnost.

Začetek 17. stoletja je bil miren za nizozemsko državo, ki je v času revolucije pridobila neodvisnost republike. V državi so se razvili industrijska proizvodnja, kmetijstvo in trgovina.

V starodavnem mestu Leidin, ki se nahaja v provinci Južna Holandija, je Rembrandt, rojen 15. julija 1607, otroštvo preživel v hiši na Vedestegu.

Fant je odraščal v veliki družini, v kateri je bil šesti otrok. Oče bodočega umetnika, Harmen van Rijn, je bil bogat človek, ki je imel v lasti mlin in sladarno. Med drugim sta Rheinova kopališka posest obsegala še dve hiši, dobil pa je tudi precejšnjo doto od žene Kornelije Neltje, tako da je velika družina živela v izobilju. Mama bodočega umetnika je bila hči peka in je znala kuhati, zato je bila družinska miza polna okusnih jedi.

Družina Harmen je kljub bogastvu živela skromno in po strogih katoliških pravilih. Umetnikovi starši tudi po nizozemski revoluciji niso spremenili svojega odnosa do vere.

Avtoportret Rembrandta pri 23 letih

Rembrandt je bil vse življenje prijazen do svoje matere. To se izraža v portretu iz leta 1639, ki prikazuje modro starko s prijaznim in rahlo žalostnim pogledom.

Družinski dogodki in razkošno življenje premožnih ljudi so bili družini tuji. Vredno je domnevati, da so se van Rijns zvečer zbirali za mizo in brali knjige in Sveto pismo: to je večina nizozemskih državljanov počela v »zlati dobi«.

Mlin na veter, ki ga je imel Harmen, se je nahajal na bregu Rena: pred dečkovim pogledom se je odprla čudovita pokrajina modre reke, obsijana s sončnimi žarki, ki so se prebijali skozi majhno okno stavbe in prehajali skozi meglice. prahu iz moke. Morda se je bodoči umetnik zaradi spominov iz otroštva naučil spretno obvladovati barvo, svetlobo in senco.

Rembrandt je kot otrok odraščal v pozornega dečka. Odprti prostori ulic Leidina so bili viri navdiha: na trgovskih trgih je bilo mogoče srečati različne ljudi različnih narodnosti in se naučiti skicirati njihove obraze na papir.

Sprva je fant hodil v latinsko šolo, vendar ga študij ni zanimal. Mladi Rembrandt ni maral natančnih znanosti, raje je risal.

Otroštvo bodočega umetnika je bilo srečno, saj so njegovi starši videli hobije svojega sina, in ko je fant dopolnil 13 let, so ga poslali na študij nizozemskega umetnika Jacoba van Swanenburga. Iz biografije Rembrandtovega prvega učitelja je malo znanega, predstavnik poznega manirizma ni imel velike umetniške dediščine, zato je skoraj nemogoče izslediti Jacobov vpliv na razvoj Rembrandtovega sloga.

Leta 1623 je mladenič odšel v prestolnico, kjer je bil njegov drugi učitelj slikar Peter Lastman, ki je Rembrandta šest mesecev učil slikanja in graviranja.

Slika

Njegovo usposabljanje pri mentorju je bilo uspešno; pod vtisom Lastmanovih slik je mladenič hitro osvojil tehniko risanja. Svetle in nasičene barve, igra senc in svetlobe, pa tudi natančna izdelava najmanjših podrobnosti flore - to je Peter prenesel na svojega uglednega učenca.

Leta 1627 se je Rembrandt vrnil iz Amsterdama v svoj rodni kraj. Umetnik, prepričan v svoje sposobnosti, skupaj s prijateljem Janom Lievensom odpre lastno slikarsko šolo, ki je hitro pridobila popularnost med Nizozemci. Lievens in Rembrandt sta držala korak drug z drugim, včasih so mladi skrbno delali na enem platnu in v risbo vnesli del svojega sloga.

Dvajsetletni mladi umetnik je zaslovel s podrobnimi zgodnjimi deli, ki vključujejo:

»Kamenjanje svetega Štefana apostola« (1625),
"Palamedea pred Agamemnonom" (1626),
"David z Goljatovo glavo" (1627),
"Posilstvo Evrope" (1632),

Mladenič še naprej črpa navdih na mestnih ulicah, hodi po trgih, da bi srečal naključnega mimoidočega in z dletom ujel svoj portret na leseni deski. Rembrandt je izdelal tudi vrsto gravur z avtoportreti in portreti številnih sorodnikov.

Zahvaljujoč talentu mladega slikarja je Rembrandta opazil pesnik Constantin Heygens, ki je občudoval slike van Rijna in Lievensa ter ju označil za obetavna umetnika. "Juda vrne trideset srebrnikov", ki ga je leta 1629 naslikal Nizozemec, primerja s slavnimi slikami italijanskih mojstrov, vendar najde pomanjkljivosti v risbi. Zahvaljujoč Konstantinovim zvezam je Rembrandt kmalu pridobil bogate občudovalce umetnosti: zaradi Hagenovega posredovanja je princ Oranski pri umetniku naročil več religioznih del, na primer Pred Pilatom (1636).

Pravi uspeh za umetnika pride v Amsterdamu. 8. junija 1633 je Rembrandt spoznal hčer bogatega meščana Saskio van Uylenburch in si pridobil močan položaj v družbi. Umetnik je večino svojih slik naslikal v glavnem mestu Nizozemske.

Rembrandt se zgleduje po lepoti svoje ljubljene, zato pogosto slika njene portrete. Tri dni po poroki je van Rijn upodobil žensko v srebrnem svinčniku s klobukom s širokimi krajci. Saskia se je na slikah Nizozemca pojavila v prijetnem domačem okolju. Podoba te debelušne ženske se pojavlja na številnih platnih, na primer, skrivnostno dekle na sliki »Nočna straža« močno spominja na umetnikovo ljubljeno.

Leta 1632 je Rembrandta proslavila slika "Lekcija anatomije doktorja Tulpa". Dejstvo je, da se je van Rijn oddaljil od kanonov standardnih skupinskih portretov, ki so bili upodobljeni z obrazi, obrnjenimi proti gledalcu. Umetnika so proslavili izjemno realistični portreti zdravnika in njegovih učencev.

Leta 1635 je bila naslikana znamenita slika po svetopisemski zgodbi »Abrahamova žrtev«, ki je bila v posvetni družbi zelo cenjena.

Leta 1642 je van Rijn od Strelskega društva prejel naročilo za skupinski portret, da bi s platnom okrasil novo stavbo. Slika je bila napačno imenovana "Nočna straža". Bilo je umazano s sajami in šele v 17. stoletju so raziskovalci prišli do zaključka, da se dogajanje na platnu odvija podnevi.

Rembrandt je natančno upodobil vsako podrobnost mušketirjev v gibanju: kot da bi se v nekem trenutku čas ustavil, ko je milica prišla iz temnega dvorišča, tako da jih je van Rijn ujel na platnu.

Kupcem ni bilo všeč, da je nizozemski slikar odstopal od kanonov, ki so se razvili v 17. stoletju. Nato so bili skupinski portreti ceremonialni, udeleženci pa so bili upodobljeni v celoti brez kakršne koli statike.

Po mnenju znanstvenikov je bila ta slika razlog za umetnikov bankrot leta 1653, saj je prestrašila potencialne stranke.

Tehnika in slike

Rembrandt je verjel, da je resnični cilj umetnika preučevanje narave, zato so se vse slikarjeve slike izkazale za preveč fotografske: Nizozemec je poskušal prenesti vsa čustva upodobljene osebe.

Tako kot mnogi nadarjeni mojstri zlate dobe ima tudi Rembrandt verske motive. Van Rijnova platna ne prikazujejo le ujetih obrazov, temveč cele prizore s svojo zgodovino.

Na sliki »Sveta družina«, ki je bila naslikana leta 1645, so obrazi likov naravni; zdi se, da hoče Nizozemec s čopičem in barvo ponesti gledalce v prijetno vzdušje preproste kmečke družine. V van Rijnovih delih ni zaslediti pompeznosti. rekel, da je Rembrandt naslikal Madono v obliki nizozemske kmečke ženske. Dejansko je umetnik vse življenje črpal navdih iz ljudi okoli sebe; možno je, da na platnu ženska, kopirana s služkinje, ziblje otroka.

Rembrandtova slika "Sveta družina", 1646

Kot mnogi umetniki je tudi Rembrandt poln skrivnosti: po ustvarjalčevi smrti so raziskovalci dolgo razmišljali o skrivnostih njegovih slik.

Na primer, van Rijn je delal na sliki "Danae" (ali "Aegina") 11 let, od leta 1636. Na platnu je upodobljena mlada deklica po prebujanju iz spanja. Zgodba temelji na starogrškem mitu o Danaji, hčerki kralja Argosa in materi Perzeja.

Raziskovalci platna niso razumeli, zakaj gola deklica ni bila videti kot Saskia. Vendar je po rentgenskem slikanju postalo jasno, da je bila Danae prvotno narisana kot Eulenburch, vendar se je van Rijn po smrti svoje žene vrnil k sliki in spremenil Danaine obrazne poteze.

Med umetnostnimi kritiki so bili tudi spori o junakinji, upodobljeni na platnu. Rembrandt ni podpisal naslova slike, interpretacija ploskve pa je bila zapletena zaradi odsotnosti zlatega dežja, po legendi, v obliki katerega se je Zevs prikazal Danaji. Znanstvenike je zmedel tudi poročni prstan na dekličinem prstancu, ki ni bil skladen s starogrško mitologijo. Rembrandtova mojstrovina "Danae" je v ruskem muzeju Ermitaž.

"Judovska nevesta" (1665) je še ena skrivnostna slika Van Rijna. Slika je dobila to ime v začetku 19. stoletja, vendar še vedno ni znano, kdo je upodobljen na platnu, saj sta mlado dekle in moški oblečena v starodavne noše, ki spominjajo na svetopisemska oblačila. Priljubljena je tudi slika "Vrnitev izgubljenega sina" (1669), ki je trajala 6 let.

Fragment Rembrandtove slike "Vrnitev izgubljenega sina"

Če govorimo o Rembrandtovem slogu slikanja, je umetnik uporabil najmanj barv, medtem ko je še vedno uspel narediti slike "žive", zahvaljujoč igri svetlobe in senc.

Van Rijn uspešno upodablja tudi mimiko obraza: zdi se, da so vsi ljudje na slikah velikega slikarja živi. Tako je na primer na portretu starca - Rembrandtovega očeta (1639) vidna vsaka guba, pa tudi moder in žalosten pogled.

Osebno življenje

Leta 1642 je Saskia umrla zaradi tuberkuloze; zaljubljenca sta imela sina Tita (trije drugi otroci so umrli v otroštvu), s katerim je Rembrandt vzdrževal prijateljske odnose. Konec leta 1642 se je umetnik srečal z mlado damo Gertje Dirks. Saskijini starši so bili razburjeni zaradi tega, kako je vdovec razpolagal z doto, medtem ko je živel v razkošju. Pozneje Dirks toži svojega ljubimca, ker je prelomil obljubo, da se bo poročil z njo. Od druge ženske je umetnik imel hčerko Cornelia.

Rembrandtova slika "Saskia kot boginja Flora"

Leta 1656 je Rembrandt zaradi finančnih težav razglasil bankrot in odšel v osamljeno hišo na obrobju prestolnice.

Van Rijnovo življenje ni napredovalo, ampak je, nasprotno, šlo v zaton: srečno otroštvo, bogastvo in priznanje so zamenjali odhodni kupci in beraška starost. Umetnikovo razpoloženje se vidi na njegovih platnih. Tako je, ko je živel s Saskio, slikal vesele in sončne slike, na primer "Avtoportret s Saskio na kolenih" (1635). Na platnu se van Rijn smeji z iskrenim smehom, sobo pa razsvetljuje sijoča svetloba.

Če so bile prej umetnikove slike podrobne, potem na stopnji poznega dela Rembrandt uporablja široke poteze, sončne žarke pa nadomesti tema.

Slika "Zarota Julija Civilisa", naslikana leta 1661, ni bila plačana s strani strank, ker obrazi udeležencev zarote niso bili skrbno obdelani, za razliko od prejšnjih del van Rijna.

Rembrandtova slika "Portret Titovega sina"

Tik pred smrtjo, ki je živel v revščini, leta 1665 je Rembrandt naslikal avtoportret v podobi Zeuxisa. Zeukis je starogrški slikar, ki je umrl ironično: umetnika je zabaval portret Afrodite v podobi starke, ki ga je naslikal, in umrl je od smeha. Na portretu se Rembrandt smeje; umetnik ni okleval vnesti v platno doze črnega humorja.

Smrt

Rembrandt je leta 1668 pokopal svojega sina Tita, ki je umrl zaradi kuge. Ta žalostni dogodek je močno poslabšal umetnikovo duševno stanje. Van Rijn je umrl 4. oktobra 1669 in je bil pokopan v nizozemski cerkvi Westerkerk v Amsterdamu.

Spomenik Rembrandtu na Rembrandtovem trgu v Amsterdamu

V svojem življenju je umetnik naslikal približno 350 platen in 100 risb. Človeštvo je potrebovalo dve stoletji, da je v celoti cenilo tega velikega umetnika.

Morda bi bilo koristno prebrati: