Merkmale des Klassizismus in der Literatur des 18. Jahrhunderts. Klassizismus

Einführung

1.Merkmale des Klassizismus

2.Grundlagen des Klassizismus und seine Bedeutung

3. Merkmale des Klassizismus in Russland und seinen Anhängern

3.1 Kantemirov A.D.

3.2 Trediakovsky V.K.

3.3 Lomonosov M.V.

4.Russischer Klassizismus als literarische Bewegung

Abschluss

Referenzliste

Einführung

Vom lateinischen classicus – vorbildlich. Ein Stil oder eine Bewegung in Literatur und Kunst des 17. bis frühen 19. Jahrhunderts, die sich dem antiken Erbe als Norm und Idealmodell zuwandte. Der Klassizismus entwickelte sich im 17. Jahrhundert. in Frankreich. Im 18. Jahrhundert Der Klassizismus wurde mit der Aufklärung in Verbindung gebracht; Basierend auf den Ideen des philosophischen Rationalismus, auf Ideen über die vernünftige Regelmäßigkeit der Welt, über eine schöne, veredelte Natur, strebte er danach, großen sozialen Inhalt, hohe heroische und moralische Ideale auszudrücken und logische, klare und harmonische Bilder streng zu organisieren.

In Übereinstimmung mit den erhabenen ethischen Ideen und dem Bildungsprogramm der Kunst etablierte die Ästhetik des Klassizismus eine Hierarchie von Genres – „hoch“ (Tragödie, Epos, Ode; historische, mythologische, religiöse Malerei usw.) und „niedrig“ (Komödie, Satire, Fabel; Genremalerei usw.). In der Literatur (Tragödien von P. Corneille, J. Racine, Voltaire, Komödien von Molière, das Gedicht „Die Kunst der Poesie“ und Satiren von N. Boileau, Fabeln von J. Lafontaine, Prosa von F. La Rochefoucauld, J. Labruyère in Frankreich, Werke der Weimarer Zeit von I.V. Goethe und F. Schiller in Deutschland, Oden von M.V. Lomonosov und G.R. Derzhavin, Tragödien von A.P. Sumarokov und Ya.B. Knyazhnin in Russland) spielen bedeutende ethische und normative Konflikte die Hauptrolle typisierte Bilder. Für Theaterkunst [Mondory, T. Duparc, M. Shanmele, A.L. Lequin, F.J. Talma, Rachel in Frankreich, F.K. Neuber in Deutschland, F.G. Volkov, I.A. Dmitrevsky in Russland] zeichnen sich durch eine feierliche, statische Struktur der Aufführungen und eine maßvolle Lesung von Gedichten aus. Im Musiktheater sind Heldentum, stilistische Hochstimmung, logische Klarheit der Dramaturgie, die Dominanz des Rezitativs (Opern von J. B. Lully in Frankreich) oder stimmlicher Virtuosität in Arien (italienische Opera seria), edle Einfachheit und Erhabenheit (Reformopern von K. V. Gluck in Österreich). Klassizismus in der Architektur (J. Hardouin - Mansar, J.A. Gabriel, K.N. Ledoux in Frankreich, C. Wren in England, V.I. Bazhenov, M.F. Kazakov, A.N. Voronikhin, A.D. Zakharov, K.I. Rossi in Russland) inhärente Klarheit und Geometrie der Formen, rationale Klarheit des Layouts, Kombinationen von glatten Wände Mit Gewährleistung Und reserviert Dekor. Bildende Kunst (Maler N. Poussin, C. Lorrain, J.L. David, J.O.D. Ingres, Bildhauer J.B. Pigalle, E.M. Falconet in Frankreich, I.G. Schadov in Deutschland, B. Thorvaldsen in Dänemark, A. Canova in Italien, Maler A.P. Losenko, G.I. Ugryumov, Bildhauer M.P. Matros in Russland) zeichnet sich durch die logische Entwicklung der Handlung, strenge Ausgewogenheit der Komposition, plastische Klarheit der Formen, klare Harmonie linearer Rhythmen aus.

1.Merkmale des Klassizismus

Diese Richtung zeichnet sich durch hohe bürgerliche Themen und die strikte Einhaltung bestimmter kreativer Normen und Regeln aus. Der Klassizismus als bestimmte künstlerische Strömung neigt dazu, das Leben in idealen Bildern widerzuspiegeln, die sich an einer bestimmten „Norm“ oder einem bestimmten Modell orientieren. Daher der Antikenkult im Klassizismus: Die klassische Antike erscheint darin als Beispiel moderner und harmonischer Kunst. Nach den Regeln der Ästhetik des Klassizismus, die sich strikt an die sogenannte „Gattungshierarchie“ hielten, gehörten Tragödie, Ode und Epos zu den „hohen Gattungen“ und sollten unter Rückgriff auf Antike und Historische besonders wichtige Probleme entwickeln Themen und zeigen nur die erhabenen, heroischen Aspekte des Lebens. „Hohe Genres“ wurden „niedrigen“ gegenübergestellt: Komödie, Fabel, Satire und andere, die die moderne Realität widerspiegeln sollten.

Jedes Genre hatte sein eigenes Thema (Themenauswahl) und jedes Werk wurde nach den dafür entwickelten Regeln aufgebaut. Das Mischen verschiedener literarischer Genres in einem Werk war strengstens verboten.

Die am weitesten entwickelten Genres während der Zeit des Klassizismus waren Tragödien, Gedichte und Oden. Die Tragödie im Sinne der Klassiker ist ein dramatisches Werk, das den Kampf einer in ihrer geistigen Stärke herausragenden Persönlichkeit gegen unüberwindbare Hindernisse darstellt; Ein solcher Kampf endet normalerweise mit dem Tod des Helden. Klassische Schriftsteller begründeten die Tragödie mit dem Zusammenprall (Konflikt) der persönlichen Gefühle und Bestrebungen des Helden mit seiner Pflicht gegenüber dem Staat. Dieser Konflikt wurde durch den Sieg der Pflicht gelöst. Die Handlungsstränge der Tragödie wurden von Schriftstellern des antiken Griechenlands und Roms übernommen und manchmal auch historischen Ereignissen der Vergangenheit entnommen. Die Helden waren Könige und Generäle. Wie in der griechisch-römischen Tragödie wurden die Charaktere entweder positiv oder negativ dargestellt, wobei jede Person einen spirituellen Charakterzug, eine Qualität repräsentierte: positiver Mut, Gerechtigkeit usw., negativ – Ehrgeiz, Heuchelei. Das waren konventionelle Charaktere. Auch das Leben und die Epoche wurden konventionell dargestellt. Es gab keine korrekte Darstellung der historischen Realität und der Nationalität (es ist unbekannt, wo und wann die Handlung stattfindet).

Die Tragödie musste fünf Akte haben.

Der Dramatiker musste sich strikt an die Regeln der „drei Einheiten“ halten: Zeit, Ort und Handlung. Die Einheit der Zeit erforderte, dass alle Ereignisse der Tragödie in einen Zeitraum von höchstens einem Tag fielen. Die Einheit des Ortes drückte sich darin aus, dass die gesamte Handlung des Stücks an einem Ort stattfand – im Palast oder auf dem Platz. Die Einheit des Handelns setzte einen inneren Zusammenhang der Ereignisse voraus; In der Tragödie wurde nichts Unnötiges zugelassen, was für die Entwicklung der Handlung nicht notwendig war. Die Tragödie musste in feierlichen und majestätischen Versen geschrieben werden.

Das Gedicht war ein episches (narratives) Werk, das ein wichtiges historisches Ereignis in poetischer Sprache darstellte oder die Taten von Helden und Königen verherrlichte.

Ode ist ein feierliches Loblied zu Ehren von Königen, Generälen oder über Feinde errungenen Siegen. Die Ode sollte die Freude und Inspiration (Pathos) des Autors zum Ausdruck bringen. Daher zeichnete es sich durch erhabene, feierliche Sprache, rhetorische Fragen, Ausrufe, Appelle, Personifizierung abstrakter Konzepte (Wissenschaft, Siege), Götter- und Göttinnenbilder und bewusste Übertreibungen aus. Im Sinne der Ode war „lyrische Unordnung“ erlaubt, die sich in einer Abweichung von der Harmonie der Darstellung des Hauptthemas äußerte. Aber es handelte sich hierbei um einen bewussten, streng überlegten Rückzug („richtige Unordnung“).

2.Grundlagen des Klassizismus und seine Bedeutung

Klassizismus-Literaturstil

Die Lehre des Klassizismus basierte auf der Idee des Dualismus der menschlichen Natur. Die Größe des Menschen offenbarte sich im Kampf zwischen dem Materiellen und dem Geistigen. Die Persönlichkeit wurde im Kampf gegen „Leidenschaften“ bestätigt und von selbstsüchtigen materiellen Interessen befreit. Das rationale, spirituelle Prinzip eines Menschen galt als wichtigste Eigenschaft der Persönlichkeit. Die Idee der Größe des Geistes, der die Menschen vereint, fand ihren Ausdruck in der Schaffung der Kunsttheorie durch die Klassiker. In der Ästhetik des Klassizismus wird es als eine Möglichkeit gesehen, das Wesen der Dinge nachzuahmen. „Tugend“, schrieb Sumarokov, „verdanken wir nicht unserer Natur.“ Moral und Politik machen uns durch das Maß an Aufklärung, Vernunft und Läuterung der Herzen nützlich für das Gemeinwohl. Ohne dies hätten sich die Menschen längst spurlos gegenseitig zerstört.“

Klassizismus ist urbane, großstädtische Poesie. Es gibt fast keine Naturbilder darin, und wenn Landschaften gegeben werden, dann sind sie urban; es werden Bilder künstlicher Natur gezeichnet: Plätze, Grotten, Brunnen, beschnittene Bäume.

Diese Richtung entsteht unter dem Einfluss anderer gesamteuropäischer Kunstrichtungen, die in direktem Kontakt mit ihr stehen: Sie geht von der Ästhetik aus, die ihr vorausging, und konfrontiert die Kunst, die aktiv mit ihr koexistiert, durchdrungen vom Bewusstsein der allgemeinen Zwietracht erzeugt durch die Krise der Ideale der vergangenen Ära. Der Klassizismus setzte einige Traditionen der Renaissance fort (Bewunderung für die Antike, Glaube an die Vernunft, das Ideal von Harmonie und Proportionen) und war eine Art Antithese dazu; Hinter der äußeren Harmonie verbirgt es die innere Antinomie der Weltanschauung, die sie dem Barock ähnelt (bei all ihren tiefen Unterschieden). Das Allgemeine und das Individuelle, das Öffentliche und das Persönliche, die Vernunft und das Gefühl, die Zivilisation und die Natur, die (in einer Tendenz) in der Kunst der Renaissance als ein einziges harmonisches Ganzes auftraten, werden im Klassizismus polarisiert und zu sich gegenseitig ausschließenden Konzepten. Dies spiegelte einen neuen historischen Zustand wider, in dem sich die politische und private Sphäre aufzulösen begann und die sozialen Beziehungen begannen, sich zu einer separaten und abstrakten Kraft für den Menschen zu entwickeln.

Der Klassizismus hatte für seine Zeit eine positive Bedeutung. Schriftsteller verkündeten, wie wichtig es sei, dass eine Person ihre bürgerlichen Pflichten erfülle, und versuchten, einen Bürger zu erziehen; entwickelte die Frage der Genres, ihrer Zusammensetzung und rationalisierte die Sprache. Der Klassizismus versetzte der mittelalterlichen Literatur, die voller Glauben an das Wunderbare und an Geister war und das menschliche Bewusstsein den Lehren der Kirche unterordnete, einen vernichtenden Schlag. Der aufklärerische Klassizismus entstand früher als andere in der ausländischen Literatur. In Werken, die dem 18. Jahrhundert gewidmet sind, wird dieser Trend oft als der „hohe“ Klassizismus des 17. Jahrhunderts bewertet, der im Niedergang begriffen war. Das ist nicht ganz richtig. Natürlich gibt es eine Kontinuität zwischen Aufklärung und „hohem“ Klassizismus, aber der Aufklärungsklassizismus ist eine integrale künstlerische Bewegung, die das bisher ungenutzte künstlerische Potenzial der klassizistischen Kunst offenbart und pädagogische Merkmale aufweist. Die literarische Lehre des Klassizismus war mit fortgeschrittenen philosophischen Systemen verbunden, die eine Reaktion auf die mittelalterliche Mystik und Scholastik darstellten. Zu diesen philosophischen Systemen gehörten insbesondere die rationalistische Theorie von Descartes und die materialistische Lehre von Gassendi. Einen besonders großen Einfluss auf die Bildung der ästhetischen Prinzipien des Klassizismus hatte die Philosophie von Descartes, der die Vernunft zum einzigen Kriterium der Wahrheit erklärte. In der Theorie von Descartes wurden materialistische Prinzipien, basierend auf den Daten der exakten Wissenschaften, auf einzigartige Weise mit idealistischen Prinzipien kombiniert, mit der Behauptung der entscheidenden Überlegenheit des Geistes, des Denkens über die Materie, des Seins, mit der Theorie des sogenannten „ „angeborene“ Ideen. Der Kult der Vernunft liegt der Ästhetik des Klassizismus zugrunde. Da jedes Gefühl in den Köpfen der Anhänger der Theorie des Klassizismus zufällig und willkürlich war, war für sie der Maßstab für den Wert eines Menschen die Übereinstimmung seiner Handlungen mit den Gesetzen der Vernunft. Der Klassizismus stellte bei einem Menschen vor allem die „vernünftige“ Fähigkeit in den Vordergrund, persönliche Gefühle und Leidenschaften im Namen der Pflicht gegenüber dem Staat zu unterdrücken. Der Mensch ist in den Werken der Anhänger des Klassizismus in erster Linie ein Diener des Staates, eine Person im Allgemeinen, denn die Ablehnung des Innenlebens des Einzelnen folgt naturgemäß aus dem proklamierten Prinzip der Unterordnung des Besonderen unter das Allgemeine durch den Klassizismus. Der Klassizismus stellte weniger Menschen als vielmehr Charaktere, Bilder und Konzepte dar. Die Typisierung erfolgte daher in Form von Maskenbildern, die die Verkörperung menschlicher Laster und Tugenden darstellten. Ebenso abstrakt war die Umgebung außerhalb von Zeit und Raum, in der diese Bilder agierten. Der Klassizismus war selbst dann ahistorisch, wenn er sich der Darstellung historischer Ereignisse und historischer Persönlichkeiten zuwandte, weil die Schriftsteller nicht an historischer Authentizität interessiert waren, sondern an der Möglichkeit ewiger und allgemeiner, ewiger und allgemeiner Wahrheiten durch den Mund pseudohistorischer Helden Eigenschaften von Charakteren, die angeblich Menschen aller Zeiten und Völker innewohnen.

3. Merkmale des Klassizismus in Russland und seinen Anhängern

In Russland erfolgt die Entstehung des Klassizismus fast ein Dreivierteljahrhundert später als in Frankreich. Für russische Schriftsteller war Voltaire, ein Vertreter des zeitgenössischen französischen Klassizismus, keine geringere Autorität als Begründer dieser literarischen Bewegung wie Corneille oder Racine.

Der russische Klassizismus hatte viele Ähnlichkeiten mit dem westlichen Klassizismus, insbesondere mit dem französischen Klassizismus, da er ebenfalls in der Zeit des Absolutismus entstand, aber er war keine einfache Nachahmung. Der russische Klassizismus entstand und entwickelte sich auf ursprünglichem Boden unter Berücksichtigung der Erfahrungen, die vor seinem etablierten und entwickelten westeuropäischen Klassizismus gesammelt wurden. Die Besonderheiten des russischen Klassizismus sind folgende: Erstens hat der russische Klassizismus von Anfang an eine starke Verbindung zur modernen Realität, die in den besten Werken aus der Sicht fortschrittlicher Ideen beleuchtet wird. Das zweite Merkmal des russischen Klassizismus ist die anklagende und satirische Strömung in ihrem Werk, die durch die fortschrittlichen gesellschaftlichen Vorstellungen der Schriftsteller bedingt ist. Die Präsenz der Satire in den Werken russischer Klassiker verleiht ihren Werken einen äußerst wahrheitsgetreuen Charakter. Gelebte Moderne, russische Realität, russisches Volk und russische Natur spiegeln sich gewissermaßen in ihren Werken wider. Das dritte Merkmal des russischen Klassizismus ist aufgrund des glühenden Patriotismus russischer Schriftsteller ihr Interesse an der Geschichte ihres Heimatlandes. Sie alle studieren russische Geschichte und schreiben Werke zu nationalen und historischen Themen. Sie streben danach, Belletristik und ihre Sprache auf nationaler Basis zu schaffen, ihr ein eigenes, russisches Gesicht zu geben und achten auf Volksdichtung und Volkssprache. Neben den allgemeinen Merkmalen, die sowohl dem französischen als auch dem russischen Klassizismus innewohnen, weist letzterer auch solche Merkmale auf, die ihm den Charakter nationaler Originalität verleihen. Dabei handelt es sich zum Beispiel um ein gesteigertes staatsbürgerlich-patriotisches Pathos, eine deutlich ausgeprägtere anklagend-realistische Tendenz, weniger Entfremdung von der mündlichen Volkskunst. Alltags- und Festgesänge der ersten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts bereiteten maßgeblich die Entwicklung verschiedener Genres der Lyrik in der Mitte und zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts vor.

Die Hauptsache in der Ideologie des Klassizismus ist Staatspathos. Der in den ersten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts geschaffene Staat wurde zum höchsten Wert erklärt. Die von Peters Reformen inspirierten Klassizisten glaubten an die Möglichkeit einer weiteren Verbesserung. Es schien ihnen ein einigermaßen strukturierter sozialer Organismus zu sein, in dem jede Klasse die ihr zugewiesenen Aufgaben erfüllt. „Bauern pflügen, Kaufleute handeln, Krieger verteidigen das Vaterland, Richter richten, Wissenschaftler pflegen die Wissenschaft“, schrieb A.P. Sumarokow. Das Staatspathos russischer Klassiker ist ein zutiefst widersprüchliches Phänomen. Es spiegelte fortschrittliche Tendenzen wider, die mit der endgültigen Zentralisierung Russlands verbunden waren, und gleichzeitig utopische Ideen, die aus einer deutlichen Überschätzung der sozialen Möglichkeiten des aufgeklärten Absolutismus resultierten.

Die Etablierung des Klassizismus wurde durch vier große Literaten erleichtert: A.D. Kantemir, V.K. Trediakovsky, M.V. Lomonosov und A.P. Sumarokow.

3.1 Kantemirov A.D.

Er lebte in einer Zeit, als die ersten Grundlagen der modernen russischen Literatursprache gerade gelegt wurden; Seine Satiren wurden nach dem Silbensystem der Verse geschrieben, das zu dieser Zeit bereits überlebt hatte, und dennoch hat der Name Cantemir, in den Worten von Belinsky, „schon viele vergängliche Berühmtheiten, sowohl klassische als auch romantische, überlebt und wird auch weiterhin überleben.“ viele Tausende von ihnen“, so Cantemir, „der erste in Russland, der Poesie zum Leben erweckte.“ „Sinfonie über den Psalter“ ist das erste gedruckte Werk von A. Cantemir, aber nicht sein erstes literarisches Werk im Allgemeinen, was durch das autorisierte Manuskript einer wenig bekannten Übersetzung von Antiochus Cantemir mit dem Titel „Mr. Philosopher Constantine Manassis Synopsis Historical“ bestätigt wird “, datiert 1725.

In der „Übersetzung eines bestimmten italienischen Briefes“, die A. Cantemir nur ein Jahr später (1726) verfasste, ist die Volkssprache nicht mehr in Form zufälliger Elemente vorhanden, sondern als vorherrschende Norm, obwohl die Sprache dieser Übersetzung dies war von Cantemir aus Gewohnheit „berühmter Russe“ genannt.

Der rasche Übergang vom kirchenslawischen Vokabular, der Morphologie und der Syntax zur Umgangssprache als Norm der literarischen Sprache, der in den frühesten Werken von A. Cantemir verfolgt werden kann, spiegelte nicht nur die Entwicklung seiner individuellen Sprache und seines Stils wider, sondern auch die Entwicklung von das sprachliche Bewusstsein der Epoche und die Entstehung der russischen Literatursprache insgesamt. In den Jahren 1726-1728 sollte die Arbeit von A. Cantemir an Gedichten zu einem Liebesthema enthalten sein, die uns nicht überliefert sind und über die er später mit einigem Bedauern in der zweiten Auflage der IV. Satire schrieb. In dieser Zeit zeigte Antiochia Cantemir ein intensives Interesse an der französischen Literatur, was sowohl durch die oben erwähnte „Übersetzung eines bestimmten italienischen Briefes“ als auch durch Cantemirs Notizen in seinem Kalender von 1728 bestätigt wird, aus denen wir etwas über die Bekanntschaft des jungen Schriftstellers erfahren mit französischen Satirezeitschriften nach englischem Vorbild wie „Le Mentor moderne“, sowie mit dem Werk von Molière („Der Menschenfeind“) und den Komödien von Marivaux. Auch die Arbeit von A. Cantemir an der Übersetzung der vier Satiren von Boileau ins Russische und das Verfassen der Originalgedichte „Über ein ruhiges Leben“ und „Über Zoila“ sind dieser Zeit zuzuordnen.

Die frühen Übersetzungen von A. Cantemir und seine Liebestexte waren nur eine Vorbereitungsphase im Werk des Dichters, die erste Kraftprobe, die Entwicklung von Sprache und Stil, Darstellungsweise, seine eigene Sichtweise auf die Welt.

Gedichte aus philosophischen Briefen

Ich respektiere hier das Gesetz und gehorche den Rechten;

Es steht mir jedoch frei, nach meinen Regeln zu leben:

Der Geist ist ruhig, jetzt geht das Leben ohne Widrigkeiten weiter,

Jeden Tag lerne ich, meine Leidenschaften auszurotten

Und wenn ich auf die Grenze schaue, so baue ich das Leben auf,

Gelassen lenke ich meine Tage bis zum Ende.

Ich vermisse niemanden, es gibt keinen Grund für Strafen,

Ich bin froh, die Tage meiner Wünsche verkürzt zu haben.

Ich erkenne jetzt die Korruption meines Zeitalters,

Ich wünsche nicht, ich habe keine Angst, ich erwarte den Tod.

Wenn du mir unwiderruflich deine Barmherzigkeit erweist

Zeig es mir, dann werde ich vollkommen glücklich sein.

Im Jahr 1729 begann für den Dichter eine Phase schöpferischer Reife, in der er seine Aufmerksamkeit ganz bewusst fast ausschließlich der Satire widmete:

Mit einem Wort, ich möchte in Satiren alt werden,

Aber ich kann nicht nicht schreiben: Ich kann es nicht ertragen.

(IV Satire, I. Hrsg.)

Cantemirs erste Satire „Über diejenigen, die die Lehre lästern“ („To your mind“) war ein Werk von großer politischer Resonanz, da sie sich gegen Unwissenheit als spezifische soziale und politische Kraft und nicht als abstraktes Laster richtete; gegen die Unwissenheit „im bestickten Kleid“, gegen die Reformen Peters I. und die Aufklärung, gegen die Lehren von Kopernikus und die Buchdruckerei; militante und siegreiche Unwissenheit; mit der Autorität staatlicher und kirchlicher Autoritäten ausgestattet.

Stolz, Faulheit, Reichtum – die Weisheit hat überwunden, die Unwissenheit hat bereits Wurzeln geschlagen; sie ist stolz unter einer Mitra, sie geht in einem bestickten Kleid, sie beurteilt rotes Tuch, sie führt Regale. Die Wissenschaft ist zerrissen, in Lumpen gesteckt, aus allem Die edelsten Häuser wurden mit einem Fluch niedergeschlagen.

Im Gegensatz zum Vorwort der Satire, in dem der Autor dem Leser zu versichern versuchte, dass alles darin „zum Spaß geschrieben“ sei und er, der Autor, „sich niemandem als eine bestimmte Person vorstellte“, war Cantemirs erste Satire gerichtet gegen genau definierte und „besondere“ Personen – diese waren Feinde der Sache von Peter und der „gelehrten Truppe“. „Der Charakter des Bischofs“, schrieb Kantemir in einer der Anmerkungen zur Satire, „hat, obwohl er von einer dem Autor unbekannten Person beschrieben wurde, viele Ähnlichkeiten mit D***, der in externen Zeremonien das gesamte Hohepriestertum ernannte.“ Cantemir machte sich über einen Geistlichen in der Satire lustig, dessen gesamte Ausbildung sich auf die Beherrschung des „Steins des Glaubens“ von Stefan Yavorsky beschränkt, und wies unmissverständlich auf seine eigene ideologische Position hin – einen Anhänger der „gelehrten Truppe“. Die von Cantemir geschaffenen Bilder von Kirchenmännern entsprachen sehr realen Prototypen, und doch waren es Verallgemeinerungsbilder, sie erregten Gemüter, reaktionäre Kirchenmänner neuer Generationen erkannten sich weiterhin in ihnen, als der Name Antiochia Cantemir in die Geschichte einging und als die Namen von Georgy Dashkov und seinen Mitarbeitern gerieten völlig in Vergessenheit.

3.2 Trediakovsky V.K.

Wenn Kantemir Beispiele russischer Satire nannte, dann besitzt Trediakovsky die erste russische Ode, die 1734 als separate Broschüre unter dem Titel „Feierliche Ode an die Kapitulation der Stadt Danzig“ (Danzig) veröffentlicht wurde. Es verherrlichte die russische Armee und Kaiserin Anna Ioannowna. Im Jahr 1752 wurde anlässlich des fünfzigsten Jahrestages der Gründung von St. Petersburg das Gedicht „Lob an das Ishera-Land und die regierende Stadt St. Petersburg“ geschrieben. Dies ist eines der ersten Werke, das die nördliche Hauptstadt Russlands verherrlicht.

Neben siegreichen und lobenswerten verfasste Trediakovsky auch „spirituelle“ Oden, also poetische Transkriptionen („Paraphrasen“) biblischer Psalmen. Die erfolgreichste davon ist die Paraphrase „Die zweiten Lieder Moses“, die mit den Versen begann:

Wonmi oh! Der Himmel und der Fluss

Lass die Erde die Worte des Mundes hören:

Wie Regen werde ich mit Worten fließen;

Und sie werden wie Tau auf eine Blume fallen,

Meine Sendungen in die Täler.

Sehr herzliche Gedichte sind „Lobgedichte für Russland“, in denen Trediakovsky klare und präzise Worte findet, um sowohl seine große Bewunderung für das Vaterland als auch seine Sehnsucht nach seinem Heimatland zum Ausdruck zu bringen.

Ich werde traurige Gedichte auf der Flöte beginnen,

Vergebens nach Russland durch ferne Länder:

Für den ganzen Tag ist ihre Güte mir gegenüber

Russland Mutter! mein endloses Licht!

Erlaube mir, ich flehe dein treues Kind an,

Oh, wie du auf dem roten Thron sitzt!

Russischer Himmel, du bist die Sonne ist klar

Andere sind mit goldenen Zeptern bemalt,

Und kostbar ist der Porphyr, die Mitra;

Du hast dein Zepter mit dir selbst geschmückt,

Und das Lyzeum ehrte die Krone mit Licht ...

Aus dem Jahr 1735 stammt die „Epistola von der russischen Poesie an Apollin“, in der der Autor einen Überblick über die europäische Literatur gibt und dabei besonderes Augenmerk auf die antike und französische Literatur legt. Letzterer wird durch die Namen Malherbe, Corneille, Racine, Moliere, Boileau, Voltaire vertreten. Die feierliche Einladung „Apollines“ nach Russland symbolisierte die Einführung der russischen Poesie in die jahrhundertealte europäische Kunst.

Der nächste Schritt bei der Einführung des russischen Lesers in den europäischen Klassizismus war die Übersetzung von Boileaus Abhandlung „Poetische Kunst“ (Trediakovskys „Wissenschaft der Poesie“) und Horaces „Brief an die Pisoes“. Hier werden nicht nur „vorbildliche“ Schriftsteller vorgestellt, sondern auch poetische „Regeln“, denen russische Autoren nach der festen Überzeugung des Übersetzers folgen müssen. Trediakovsky schätzte Boileaus Abhandlung sehr und betrachtete sie als den vollkommensten Leitfaden auf dem Gebiet der künstlerischen Kreativität. „Seine pietistische Wissenschaft“, schrieb er, „scheint allem überlegen zu sein, sowohl in der Begründung der Verskomposition und der Reinheit der Sprache als auch in der Begründung ... der darin vorgeschlagenen Regeln.“

Im Jahr 1751 veröffentlichte Trediakovsky seine Übersetzung des Romans „Argenida“ des englischen Schriftstellers John Barclay. Der Roman war in lateinischer Sprache verfasst und gehörte zu den moralischen und politischen Werken. Die Wahl von Trediakovsky ist kein Zufall, da die Probleme „Argenidas“ mit den politischen Aufgaben zusammenhingen, vor denen Russland zu Beginn des 18. Jahrhunderts stand. Der Roman verherrlichte den „aufgeklärten“ Absolutismus und verurteilte jegliche Opposition gegen die höchste Macht, von religiösen Sekten bis hin zu politischen Bewegungen, aufs Schärfste. Diese Ideen entsprachen der Ideologie des frühen russischen Klassizismus. Im Vorwort des Buches wies Trediakovsky darauf hin, dass die darin dargelegten staatlichen „Regeln“ für die russische Gesellschaft nützlich seien.

Im Jahr 1766 veröffentlichte Trediakovsky ein Buch mit dem Titel „Tilemachis oder die Wanderungen des Tilemachos, Sohn des Odysseus, beschrieben als Teil eines ironischen Gedichts“ – eine freie Übersetzung des Romans „Die Abenteuer des Telemachos“ des frühen französischen Pädagogen Fenelon. Fenelon schrieb sein Werk in den letzten Jahren der Herrschaft Ludwigs XIV., als Frankreich unter verheerenden Kriegen litt, die zum Niedergang der Landwirtschaft und des Handwerks führten.

Die historische und literarische Bedeutung von „Tilemakhida“ liegt jedoch nicht nur in seinem kritischen Inhalt, sondern auch in den komplexeren Aufgaben, die sich Trediakovsky als Übersetzer stellte. Dabei handelte es sich im Kern nicht um eine Übersetzung im üblichen Sinne des Wortes, sondern um eine radikale Umarbeitung der Buchgattung selbst. Trediakovsky schuf auf der Grundlage von Fenelons Roman ein Heldengedicht nach dem Vorbild des homerischen Epos und nannte das Buch entsprechend seiner Aufgabe nicht „Die Abenteuer des Telemachos“, sondern „Tilemachis“.

Trediakovsky verwandelt den Roman in ein Gedicht und führt viele Dinge ein, die nicht in Fenelons Buch enthalten waren. Somit gibt der Anfang des Gedichts die Anfangscharakteristik des antiken griechischen Epos wieder. Hier ist das berühmte „Ich singe“ und ein Hilferuf an die Muse sowie eine kurze Zusammenfassung des Inhalts des Werkes. Fenelons Roman ist in Prosa geschrieben, Trediakovskys Gedicht in Hexametern. Der Stil von Fenelons Roman wurde ebenso radikal aktualisiert. Laut A.N. Sokolov: „Fenelons komprimierte, strenge, geizige Ausschmückungen der Prosa entsprachen nicht den Stilprinzipien des poetischen Epos als einer hohen Gattung … Trediakovsky poetisiert Fenelons Prosastil.“ Zu diesem Zweck führt er in „Tilemachida“ komplexe Epitheta ein, die für das homerische Epos so charakteristisch sind und in Fenelons Roman völlig fehlen: honigströmend, vielstrahlig, scharf streng, besonnen, blutend. In Trediakovskys Gedicht gibt es mehr als hundert solcher komplexer Adjektive. Nach dem Vorbild komplexer Epitheta entstehen komplexe Substantive: Leuchtkraft, Kriegsführung, gute Nachbarschaft, Pracht.

Trediakovsky hat den pädagogischen Pathos von Fenelons Roman sorgfältig bewahrt. Wenn wir in „Argenida“ über die Rechtfertigung des Absolutismus sprachen, der alle Arten von Ungehorsam unterdrückt, dann wird in „Tilemachida“ die höchste Macht zum Gegenstand der Verurteilung. Es geht um den Despotismus der Herrscher, um ihre Sucht nach Luxus und Glückseligkeit, um die Unfähigkeit der Könige, tugendhafte Menschen von eigennützigen Menschen und Geldgierigen zu unterscheiden, um Schmeichler, die den Thron umgeben und Monarchen daran hindern, die Wahrheit zu erkennen.

Ich fragte ihn: Worin besteht die königliche Souveränität?

Er antwortete: Der König hat in allem Macht über das Volk,

Aber die Gesetze haben natürlich in allem Macht über ihn.

„Tilemakhida“ rief sowohl bei Zeitgenossen als auch bei Nachkommen unterschiedliche Einstellungen zu sich selbst hervor. In „Tilemachid“ demonstrierte Trediakovsky anschaulich die vielfältigen Möglichkeiten des Hexameters als epischer Vers. Trediakovskys Erfahrung wurde später von N.I. genutzt. Gnedich bei der Übersetzung der Ilias und V.A. Schukowski bei der Arbeit an der Odyssee.

3.3 Lomonosov M.V.

Lomonosovs erstes Werk zu Sprachproblemen war der in Deutschland verfasste Brief über die Regeln der russischen Poesie (1739, veröffentlicht 1778), in dem er die Anwendbarkeit der Silben-Ton-Versifikation auf die russische Sprache begründet. Laut Lomonossow sollte jedes literarische Genre in einer gewissen „Ruhe“ geschrieben werden: „hohe Ruhe“ ist „erforderlich“ für Heldengedichte, Oden, „prosaische Reden über wichtige Themen“; mittel – für poetische Botschaften, Elegien, Satiren, beschreibende Prosa usw.; niedrig – für Komödien, Epigramme, Lieder, „Schriften über alltägliche Angelegenheiten“. „Shtili“ wurden zunächst im Bereich des Wortschatzes geordnet, abhängig vom Verhältnis neutraler (gemeinsam in den russischen und kirchenslawischen Sprachen), kirchenslawischen und russischen umgangssprachlichen Wörtern. „Hohe Ruhe“ zeichnet sich durch eine Kombination von Slawismen mit neutralen Wörtern aus, „mittlere Ruhe“ basiert auf neutralem Vokabular unter Hinzufügung einer bestimmten Anzahl von Slawismen und umgangssprachlichen Wörtern, „niedrige Ruhe“ kombiniert neutrale und umgangssprachliche Wörter. Ein solches Programm ermöglichte es, die in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts noch spürbare russisch-kirchenslawische Diglossie zu überwinden und eine einzige stilistisch differenzierte Literatursprache zu schaffen. Die Theorie der „drei Ruhen“ hatte wesentlichen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatursprache in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. bis hin zu den Aktivitäten der Schule von N.M. Karamzin (ab den 1790er Jahren), der die Weichen für eine Annäherung der russischen Literatursprache an die gesprochene Sprache stellte.

Lomonosovs poetisches Erbe umfasst feierliche Oden, philosophische Oden-Reflexionen „Morgenreflexion über Gottes Majestät“ (1743) und „Abendreflexion über Gottes Majestät“ (1743), poetische Arrangements von Psalmen und der angrenzenden Ode aus Hiob (1751), unvollendete heroische Gedicht von Peter dem Großen (1756–1761), satirische Gedichte (Hymne an den Bart, 1756–1757 usw.), philosophisches „Gespräch mit Anakreon“ (Übersetzung anakreontischer Oden kombiniert mit seinen eigenen Antworten darauf; 1757–1761) , heroisch Die Idylle von Polydor (1750), zwei Tragödien, zahlreiche Gedichte anlässlich verschiedener Feste, Epigramme, Gleichnisse, übersetzte Gedichte.

Der Höhepunkt von Lomonossows dichterischem Schaffen sind seine „nur für den Fall“ geschriebenen Oden – im Zusammenhang mit bedeutenden Ereignissen im Leben des Staates, zum Beispiel der Thronbesteigung der Kaiserinnen Elisabeth und Katharina II. Lomonossow nutzte feierliche Anlässe, um leuchtende und majestätische Gemälde des Universums zu schaffen. Die Oden sind voll von Metaphern, Übertreibungen, Allegorien, rhetorischen Fragen und anderen Tropen, die die innere Dynamik und den Klangreichtum des Verses erzeugen, der von patriotischem Pathos und Reflexionen über die Zukunft Russlands durchdrungen ist. In einer Ode am Tag der Thronbesteigung Elisabeth Petrownas (1747) schrieb er:

Wissenschaften nähren die Jugend,

Freude wird den Alten serviert,

In einem glücklichen Leben schmücken sie,

Im Falle eines Unfalls kümmern sie sich darum.

Der Klassizismus markierte eine wichtige Etappe in der Entwicklung der russischen Literatur. Zur Zeit der Etablierung dieser literarischen Strömung war die historische Aufgabe der Umgestaltung der Versifikation gelöst. Gleichzeitig wurde ein solider Anfang für die Bildung der russischen Literatursprache gelegt, der den Widerspruch zwischen dem neuen Inhalt und den alten Ausdrucksformen beseitigte, der in der Literatur der ersten drei Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts deutlich zum Ausdruck kam Jahrhundert.

4.Russischer Klassizismus als literarische Bewegung

Als literarische Bewegung zeichnete sich der russische Klassizismus durch seine innere Komplexität und Heterogenität aus, die auf die unterschiedlichen ideologischen und literarisch-künstlerischen Merkmale der Arbeit seiner Gründer zurückzuführen war. Die führenden Genres, die von Vertretern des Klassizismus in der Epoche der Etablierung dieser literarischen Bewegung entwickelt wurden, waren einerseits Ode und Tragödie, die die Ideale des aufgeklärten Absolutismus in positiven Bildern propagierten, andererseits satirische Genres, die dagegen ankämpften politische Reaktion, gegen Feinde der Aufklärung, gegen soziale Laster usw.

Der russische Klassizismus scheute nicht vor der nationalen Folklore zurück. Im Gegenteil, in der Wahrnehmung der Tradition der volkspoetischen Kultur in bestimmten Genres fand er Anreize zu seiner Bereicherung. Schon zu Beginn der neuen Richtung, als er eine Reform der russischen Verskunst durchführte, bezog sich Trediakovsky direkt auf die Lieder des einfachen Volkes als Vorbild, dem er bei der Festlegung seiner Regeln folgte.

Im rein künstlerischen Bereich standen russische Klassiker vor so komplexen Aufgaben, die ihre europäischen Brüder nicht kannten. Französische Literatur der Mitte des 17. Jahrhunderts. verfügte bereits über eine gut entwickelte Literatursprache und über lange Zeit gewachsene weltliche Genres. Russische Literatur zu Beginn des 18. Jahrhunderts. hatte weder das eine noch das andere. Daher handelte es sich um den Anteil russischer Schriftsteller des zweiten Drittels des 18. Jahrhunderts. Die Aufgabe bestand nicht nur darin, eine neue literarische Bewegung zu schaffen. Sie mussten die Literatursprache reformieren und Genres beherrschen, die bis dahin in Russland unbekannt waren. Jeder von ihnen war ein Pionier. Kantemir legte den Grundstein für die russische Satire, Lomonossow legitimierte das Genre der Ode, Sumarokow fungierte als Autor von Tragödien und Komödien. Im Bereich der literarischen Sprachreform kam Lomonossow die Hauptrolle zu.

Die schöpferische Tätigkeit russischer Klassiker wurde durch zahlreiche theoretische Arbeiten im Bereich der Gattungen, der Literatursprache und der Versifikation begleitet und unterstützt. Trediakovsky verfasste eine Abhandlung mit dem Titel „Eine neue und kurze Methode zum Verfassen russischer Gedichte“, in der er die Grundprinzipien des neuen Silben-Tonika-Systems begründete. Lomonossow führte in seiner Diskussion „Über die Verwendung von Kirchenbüchern in der russischen Sprache“ eine Reform der Literatursprache durch und schlug die Doktrin der „drei Ruhen“ vor. Sumarokov beschrieb in seiner Abhandlung „Anleitungen für diejenigen, die Schriftsteller werden wollen“ Inhalt und Stil klassizistischer Genres.

Russischer Klassizismus des 18. Jahrhunderts. durchlief in seiner Entwicklung zwei Phasen. Die erste davon stammt aus den 30er und 50er Jahren. Dies ist die Bildung einer neuen Richtung, wenn nacheinander Genres geboren werden, die zu dieser Zeit in Russland unbekannt waren, die literarische Sprache und die Verse reformiert werden. Die zweite Phase fällt in die letzten vier Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts. und ist mit den Namen von Schriftstellern wie Fonvizin, Kheraskov, Derzhavin, Knyazhnin, Kapnist verbunden. In ihrem Werk offenbarte der russische Klassizismus seine ideologischen und künstlerischen Möglichkeiten am umfassendsten und umfassendsten.

Die Einzigartigkeit des russischen Klassizismus liegt darin, dass er in seiner Entstehungszeit das Pathos des Dienstes am absolutistischen Staat mit den Ideen der frühen europäischen Aufklärung verband. In Frankreich im 18. Jahrhundert. Der Absolutismus hatte seine fortschrittlichen Möglichkeiten bereits ausgeschöpft und die Gesellschaft stand vor einer bürgerlichen Revolution, die von den französischen Aufklärern ideologisch vorbereitet wurde. In Russland in den ersten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts. Der Absolutismus stand immer noch an der Spitze der fortschreitenden Transformationen des Landes. Daher übernahm der russische Klassizismus in der ersten Phase seiner Entwicklung einige seiner Soziallehren aus der Aufklärung. Dazu gehört zunächst die Idee des aufgeklärten Absolutismus. Nach dieser Theorie sollte der Staat von einem weisen, „aufgeklärten“ Monarchen geleitet werden, der in seinen Ideen über den egoistischen Interessen einzelner Klassen steht und von jeder von ihnen ehrlichen Dienst zum Wohle der gesamten Gesellschaft verlangt. Ein Beispiel für einen solchen Herrscher für russische Klassiker war Peter I., eine einzigartige Persönlichkeit in Bezug auf Intelligenz, Energie und breite politische Einstellung.

Im Gegensatz zum französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts. und in direkter Übereinstimmung mit dem Zeitalter der Aufklärung wurde im russischen Klassizismus der 30er und 50er Jahre den Wissenschaften, dem Wissen und der Aufklärung ein großer Platz eingeräumt. Das Land hat einen Übergang von der kirchlichen zur säkularen Ideologie vollzogen. Russland brauchte genaues Wissen, das für die Gesellschaft nützlich war. Lomonossow sprach in fast allen seinen Oden über die Vorteile der Wissenschaft. Cantemirs erste Satire: „To Your Mind. Über diejenigen, die die Lehre lästern.“ Das Wort „aufgeklärt“ bedeutete nicht nur einen gebildeten Menschen, sondern einen Bürger, dem Wissen dabei half, seine Verantwortung gegenüber der Gesellschaft wahrzunehmen. „Ignoranz“ implizierte nicht nur mangelndes Wissen, sondern gleichzeitig auch mangelndes Verständnis für die eigene Pflicht gegenüber dem Staat. In der westeuropäischen Bildungsliteratur des 18. Jahrhunderts, insbesondere in der späteren Phase ihrer Entwicklung, wurde „Aufklärung“ durch den Grad der Opposition zur bestehenden Ordnung bestimmt. Im russischen Klassizismus der 30er und 50er Jahre wurde „Aufklärung“ am Maßstab des Staatsdienstes im absolutistischen Staat gemessen. Russische Klassiker – Kantemir, Lomonossow, Sumarokow – standen dem Kampf der Aufklärer gegen die Kirche und die Kirchenideologie nahe. Aber wenn es im Westen darum ging, das Prinzip der religiösen Toleranz und in manchen Fällen des Atheismus zu verteidigen, dann waren es die russischen Aufklärer in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. prangerte die Unwissenheit und unhöfliche Moral des Klerus an und verteidigte die Wissenschaft und ihre Anhänger vor der Verfolgung durch die kirchlichen Autoritäten. Bereits die ersten russischen Klassiker waren sich der pädagogischen Idee der natürlichen Gleichheit der Menschen bewusst. „Das Fleisch deines Dieners ist eine Person“, erklärte Cantemir dem Adligen, der den Diener schlug. Sumarokov erinnerte die „edle“ Klasse daran, dass „aus Frauen und Damen geboren / der Urvater aller Menschen ausnahmslos Adam ist“. Aber diese These war damals noch nicht in der Forderung nach der Gleichheit aller Klassen vor dem Gesetz verankert. Basierend auf den Prinzipien des „Naturrechts“ forderte Cantemir die Adligen auf, die Bauern menschlich zu behandeln. Sumarokow verwies auf die natürliche Gleichheit von Adligen und Bauern und forderte, dass die „ersten“ Mitglieder des Vaterlandes durch Bildung und Dienst ihren „Adel“ und ihre Führungsposition im Land bestätigen sollten.

Wenn in westeuropäischen Versionen des Klassizismus und insbesondere im Genresystem des französischen Klassizismus der dominierende Platz dem dramatischen Genre – Tragödie und Komödie – zukam, dann verlagert sich im russischen Klassizismus das dominierende Genre in den Bereich der Lyrik und Satire.

Gemeinsame Genres des französischen Klassizismus: Tragödie, Komödie, Idylle, Elegie , Ode, Sonett, Epigramm, Satire.

Abschluss

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts lebten und schrieben noch herausragende Anhänger des Klassizismus: M.M. Cheraskov (1733–1807) und Derzhavin (1743–1816). Doch ihr Werk, das eine komplexe stilistische Entwicklung durchlief, geriet allmählich in den Niedergang.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts verlor der russische Klassizismus als literarische Bewegung seine früheren fortschrittlichen Merkmale: bürgerpädagogisches Pathos, Bekräftigung der menschlichen Vernunft, Opposition gegen religiös-asketische Scholastik, kritische Haltung gegenüber monarchischem Despotismus und den Missbräuchen der Leibeigenschaft. Dennoch sind die fortschrittlichen Traditionen des Klassizismus in der russischen Literatur in den Werken fortgeschrittener Schriftsteller lange erhalten geblieben. Immer mehr wurde der Klassizismus zur Arena des Epigonismus. Die offiziell unterstützte und geförderte klassizistische Bewegung genoss jedoch aufgrund ihrer Trägheit immer noch große Aufmerksamkeit.

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5.Kultur der neuen Zeit. Klassizismus // Elektronische Publikation

Artikel lesen Die am weitesten entwickelten Genres während der Zeit des Klassizismus waren Tragödien, Gedichte und Oden.

Die Tragödie im Sinne der Klassiker ist ein dramatisches Werk, das den Kampf einer in ihrer geistigen Stärke herausragenden Persönlichkeit gegen unüberwindbare Hindernisse darstellt; Ein solcher Kampf endet normalerweise mit dem Tod des Helden. Klassische Schriftsteller begründeten die Tragödie mit dem Zusammenprall (Konflikt) der persönlichen Gefühle und Bestrebungen des Helden mit seiner Pflicht gegenüber dem Staat. Dieser Konflikt wurde durch den Sieg der Pflicht gelöst. Die Handlungsstränge der Tragödie wurden von Schriftstellern des antiken Griechenlands und Roms übernommen und manchmal auch historischen Ereignissen der Vergangenheit entnommen. Die Helden waren Könige und Generäle. Wie in der griechisch-römischen Tragödie wurden die Charaktere entweder positiv oder negativ dargestellt, wobei jede Person ein spirituelles Merkmal, eine Qualität repräsentierte: positiver Mut, Gerechtigkeit usw. , negativ - Ehrgeiz, Heuchelei. Das waren konventionelle Charaktere. Auch das Leben und die Epoche wurden konventionell dargestellt. Es gab keine korrekte Darstellung der historischen Realität und der Nationalität (es ist unbekannt, wo und wann die Handlung stattfindet).

http://cascade.polaredgedesigns.com/map191 Die Tragödie sollte fünf Akte haben.

weiterlesen Der Dramatiker musste sich strikt an die Regeln der „drei Einheiten“ halten: Zeit, Ort und Handlung. Die Einheit der Zeit erforderte, dass alle Ereignisse der Tragödie in einen Zeitraum von höchstens einem Tag fielen. Die Einheit des Ortes drückte sich darin aus, dass die gesamte Handlung des Stücks an einem Ort stattfand – im Palast oder auf dem Platz. Die Einheit des Handelns setzte einen inneren Zusammenhang der Ereignisse voraus; In der Tragödie wurde nichts Unnötiges zugelassen, was für die Entwicklung der Handlung nicht notwendig war. Die Tragödie musste in feierlichen und majestätischen Versen geschrieben werden.

Das Gedicht war ein episches (narratives) Werk, das ein wichtiges historisches Ereignis in poetischer Sprache darstellte oder die Taten von Helden und Königen verherrlichte.

Diese Richtung entsteht unter dem Einfluss anderer gesamteuropäischer Kunstrichtungen, die in direktem Kontakt mit ihr stehen: Sie geht von der Ästhetik der Renaissance aus, die ihr vorausging, und konfrontiert die mit ihr aktiv koexistierende, vom Bewusstsein durchdrungene Barockkunst der allgemeinen Zwietracht, die durch die Krise der Ideale der vergangenen Ära entstanden ist. Der Klassizismus setzte einige Traditionen der Renaissance fort (Bewunderung für die Antike, Glaube an die Vernunft, das Ideal von Harmonie und Proportionen) und war eine Art Antithese dazu; Hinter der äußeren Harmonie verbirgt es die innere Antinomie der Weltanschauung, die sie dem Barock ähnelt (bei all ihren tiefen Unterschieden). Das Allgemeine und das Individuelle, das Öffentliche und das Persönliche, die Vernunft und das Gefühl, die Zivilisation und die Natur, die (in einer Tendenz) in der Kunst der Renaissance als ein einziges harmonisches Ganzes auftraten, werden im Klassizismus polarisiert und zu sich gegenseitig ausschließenden Konzepten. Dies spiegelte einen neuen historischen Zustand wider, in dem sich die politische und private Sphäre aufzulösen begann und die sozialen Beziehungen begannen, sich zu einer separaten und abstrakten Kraft für den Menschen zu entwickeln.

Der aufklärerische Klassizismus entstand früher als andere in der ausländischen Literatur. In Werken, die dem 18. Jahrhundert gewidmet sind, wird dieser Trend oft als der „hohe“ Klassizismus des 17. Jahrhunderts bewertet, der im Niedergang begriffen war. Das ist nicht ganz richtig. Natürlich gibt es eine Kontinuität zwischen Aufklärung und „hohem“ Klassizismus, aber der Aufklärungsklassizismus ist eine integrale künstlerische Bewegung, die das bisher ungenutzte künstlerische Potenzial der klassizistischen Kunst offenbart und pädagogische Merkmale aufweist.

Die literarische Lehre des Klassizismus war mit fortgeschrittenen philosophischen Systemen verbunden, die eine Reaktion auf die mittelalterliche Mystik und Scholastik darstellten. Zu diesen philosophischen Systemen gehörten insbesondere die rationalistische Theorie von Descartes und die materialistische Lehre von Gassendi. Einen besonders großen Einfluss auf die Bildung der ästhetischen Prinzipien des Klassizismus hatte die Philosophie von Descartes, der die Vernunft zum einzigen Kriterium der Wahrheit erklärte. In der Theorie von Descartes wurden materialistische Prinzipien, basierend auf den Daten der exakten Wissenschaften, auf einzigartige Weise mit idealistischen Prinzipien kombiniert, mit der Behauptung der entscheidenden Überlegenheit des Geistes, des Denkens über die Materie, des Seins, mit der Theorie des sogenannten „ „angeborene“ Ideen.

Der Kult der Vernunft liegt der Ästhetik des Klassizismus zugrunde. Da jedes Gefühl in den Köpfen der Anhänger der Theorie des Klassizismus zufällig und willkürlich war, war für sie der Maßstab für den Wert eines Menschen die Übereinstimmung seiner Handlungen mit den Gesetzen der Vernunft. Der Klassizismus stellte bei einem Menschen vor allem die „vernünftige“ Fähigkeit in den Vordergrund, persönliche Gefühle und Leidenschaften im Namen der Pflicht gegenüber dem Staat zu unterdrücken. Der Mensch ist in den Werken der Anhänger des Klassizismus in erster Linie ein Diener des Staates, eine Person im Allgemeinen, denn die Ablehnung des Innenlebens des Einzelnen folgt naturgemäß aus dem proklamierten Prinzip der Unterordnung des Besonderen unter das Allgemeine durch den Klassizismus. Der Klassizismus stellte weniger Menschen als vielmehr Charaktere, Bilder und Konzepte dar. Die Typisierung erfolgte daher in Form von Maskenbildern, die die Verkörperung menschlicher Laster und Tugenden darstellten. Ebenso abstrakt war die Umgebung außerhalb von Zeit und Raum, in der diese Bilder agierten. Der Klassizismus war selbst dann ahistorisch, wenn er sich der Darstellung historischer Ereignisse und historischer Persönlichkeiten zuwandte, weil die Schriftsteller nicht an historischer Authentizität interessiert waren, sondern an der Möglichkeit ewiger und allgemeiner, ewiger und allgemeiner Wahrheiten durch den Mund pseudohistorischer Helden Eigenschaften von Charakteren, die angeblich Menschen aller Zeiten und Völker innewohnen.

Der Theoretiker des französischen Klassizismus Nicolas Boileau skizzierte in seiner Abhandlung „Poetische Kunst“ (1674) die Prinzipien der klassizistischen Poetik in der Literatur wie folgt:

Doch dann kam Malherbe und zeigte es den Franzosen

Ein einfacher und harmonischer Vers, der den Musen in allem gefällt,

Er befahl, die Harmonie der Vernunft zu Füßen zu legen

Und indem er die Worte platzierte, verdoppelte er ihre Kraft.

Nachdem wir unsere Sprache von Unhöflichkeit und Schmutz gereinigt haben,

Er entwickelte einen anspruchsvollen und treuen Geschmack,

Ich folgte sorgfältig der Leichtigkeit des Verses

Und Zeilenumbrüche waren strengstens verboten.

Boileau argumentierte, dass in einem literarischen Werk alles auf Vernunft, auf tief durchdachten Prinzipien und Regeln basieren sollte.

Die Theorie des Klassizismus manifestierte auf ihre Weise den Wunsch nach Wahrheit im Leben. Boileau erklärte: „Nur das Wahrhaftige ist schön“ und forderte die Nachahmung der Natur. Allerdings legten sowohl Boileau selbst als auch die Mehrheit der unter dem Banner des Klassizismus vereinten Schriftsteller den Begriffen „Wahrheit“ und „Natur“ eine begrenzte Bedeutung bei, die durch das soziohistorische Wesen dieser literarischen Bewegung bestimmt wurde. Mit der Aufforderung, die Natur nachzuahmen, meinte Boileau nicht die gesamte Natur, sondern nur die „schöne Natur“, was zwar zur Darstellung der Realität führte, jedoch verschönert, „geadelt“. Boileaus Poesiekodex schützte die Literatur vor dem Eindringen der demokratischen Strömung in sie. Und es ist sehr charakteristisch, dass Boileau ihn trotz seiner Freundschaft mit Moliere dafür verurteilte, dass er oft von den ästhetischen Anforderungen des Klassizismus abwich und der künstlerischen Erfahrung des Volkstheaters folgte. Der Klassizismus erkannte die antiken griechischen und römischen Klassiker als die höchsten Autoritäten in Sachen poetischer Kunst an, die ewige und unveränderliche Lösungen für ideologische und künstlerische Probleme lieferten und ihre Werke zu „Vorbildern“ erklärten, denen man folgen sollte. Die Poetik des Klassizismus stützte sich stark auf die mechanischen und historisch erlernten Regeln der antiken Poetik (Aristoteles und Horaz). Insbesondere die für den Dramatiker der Schule des Klassizismus verbindlichen Regeln der sogenannten drei Einheiten (Zeit, Ort und Handlung) gehen auf die antike Tradition zurück.

Alexander Pope (1688–1744) ist der bedeutendste Vertreter der englischen repräsentativen klassizistischen Poesie.

In seinem „Essay über die Kritik“ (1711) verallgemeinerte und entwickelte er unter Berufung auf Boileaus „Poetische Kunst“ und Horazes „Wissenschaft der Poesie“ klassizistische Prinzipien mit außergewöhnlicher Einsicht für einen jungen Mann mit aufklärerischem Geist. Er betrachtete „Nachahmung der Natur“ als Nachahmung eines antiken Vorbilds. Als pädagogischer Humanist forderte er unter Berufung auf die Konzepte „Maß“, „Angemessenheit“ und „Plausibilität“ ein vernünftiges, „natürliches“ Leben. Papst betrachtete Geschmack als angeboren, aber unter dem Einfluss der Bildung richtig werdend und daher jedem Menschen jeder Klasse inhärent. Er widersetzte sich dem pompösen Stil der Barockanhänger, aber die „Einfachheit“ der Sprache erschien ihm in seinem Verständnis als „Klarheit“ und „Angemessenheit“ des Stils und nicht als Erweiterung des Wortschatzes und Demokratisierung von Ausdrücken. Wie alle Pädagogen hatte Papst eine negative Einstellung gegenüber dem „barbarischen“ Mittelalter. Im Allgemeinen ging Papst über die streng klassizistische Doktrin hinaus: Er leugnete nicht die Möglichkeit einer Abweichung von alten Regeln; Er erkannte den Einfluss von „Genie“ und „Klima“ auf die Entstehung von Meisterwerken der Kunst nicht nur im antiken Griechenland und Rom. Indem er sich dem zwölfsilbigen Vers widersetzte, trug er zur endgültigen Genehmigung des heroischen Verses bei. In seinem Essay über Kritik ging Pope nicht nur auf allgemeine Probleme ein – Egoismus, Witz, Demut, Stolz usw. , - aber auch private Fragen, darunter die Motive für das Verhalten von Kritikern.

Der französische Klassizismus erreichte seinen Höhepunkt in den Tragödien von Corneille und Racine, in den Fabeln von La Fontaine und den Komödien von Molière. Die künstlerische Praxis dieser Koryphäen der französischen Literatur des 17. Jahrhunderts weicht jedoch häufig von den theoretischen Prinzipien des Klassizismus ab. So gelang es ihnen beispielsweise trotz der inhärenten Einlinearität in der Darstellung einer Person, komplexe Charaktere voller innerer Widersprüche zu schaffen. Die Predigt öffentlicher „vernünftiger“ Pflichten verbindet sich in den Tragödien von Corneille und Racine mit der Betonung der tragischen Unvermeidlichkeit der Unterdrückung persönlicher Gefühle und Neigungen. In den Werken von La Fontaine und Moliere – Schriftstellern, deren Werk eng mit der humanistischen Literatur der Renaissance und der Folklore verbunden war – sind demokratische und realistische Tendenzen tief ausgeprägt. Aus diesem Grund sind eine Reihe von Molières Komödien im Wesentlichen und äußerlich mit der dramatischen Theorie des Klassizismus verbunden.

Moliere glaubte, dass die Komödie zwei Aufgaben habe: zu lehren und zu unterhalten. Wenn der Komödie ihre erbauliche Wirkung entzogen wird, wird sie zu leerem Spott; Nimmt man ihr die Unterhaltungsfunktionen weg, ist sie keine Komödie mehr, und auch ihre moralisierenden Ziele werden nicht erreicht. Mit einem Wort: „Das Ziel der Komödie besteht darin, Menschen zu korrigieren, indem man sie amüsiert.“

Molieres Vorstellungen über die Aufgaben der Komödie fallen nicht außerhalb des Kreises der klassizistischen Ästhetik. Die Aufgabe der Komödie, wie er sie sich vorstellte, bestand darin, „auf der Bühne ein angenehmes Bild allgemeiner Mängel zu vermitteln“. Er zeigt hier eine charakteristische Tendenz der Klassizisten zur rationalistischen Abstraktion von Typen. Molieres Komödien berühren ein breites Spektrum von Problemen des modernen Lebens: Beziehungen zwischen Vätern und Kindern, Bildung, Ehe und Familie, der moralische Zustand der Gesellschaft (Heuchelei, Gier, Eitelkeit usw.), Klasse, Religion, Kultur, Wissenschaft (Medizin). , Philosophie) usw. . Dieser Themenkomplex wird anhand von Pariser Stoffen aufgelöst, mit Ausnahme der Gräfin d'Escarbagna, die in der Provinz spielt. Moliere greift die Handlungsstränge nicht nur auf das wirkliche Leben auf; er bezieht sie aus dem antiken (Plautus, Terence) und dem italienischen und spanischen Drama der Renaissance (N. Barbieri, N. Secchi, T. de Molina) sowie aus der französischen mittelalterlichen Volkstradition (Fablio, Farcen).

Racine Jean ist eine französische Dramatikerin, deren Werk den Höhepunkt des französischen klassischen Theaters darstellt. Racine Sutyagas einzige Komödie wurde 1668 aufgeführt. 1669 wurde die Tragödie Britannic mit mäßigem Erfolg aufgeführt. In Andromache verwendete Racine zunächst eine Handlungsstruktur, die in seinen späteren Stücken üblich werden sollte: A verfolgt B, der C liebt. Eine Version dieses Modells findet sich in Britannica, wo sich kriminelle und unschuldige Paare gegenüberstehen: Agrippina und Nero – Junia und Britannicus. Die Inszenierung von Berenice im folgenden Jahr, in der Racines neue Geliebte, Mademoiselle de Chanmelet, die Titelrolle spielte, wurde zu einem der größten Mysterien der Literaturgeschichte. Es wurde argumentiert, dass Racine in den Bildern von Titus und Berenice Ludwig XIV. und seine Schwiegertochter Henrietta von England hervorbrachte, die Racine und Corneille angeblich auf die Idee brachten, ein Theaterstück über die gleiche Handlung zu schreiben. Heutzutage scheint die Version, die zuverlässiger erscheint, dass sich die Liebe von Titus und Berenice in der kurzen, aber stürmischen Romanze des Königs mit Maria Mancini, der Nichte von Kardinal Mazarin, widerspiegelte, die Ludwig auf den Thron setzen wollte. Auch die Version der Rivalität zwischen den beiden Dramatikern ist umstritten. Es ist möglich, dass Corneille von Racines Absichten erfuhr und im Einklang mit den literarischen Sitten des 17. Jahrhunderts seine Tragödie „Titus und Berenice“ schrieb, in der Hoffnung, die Oberhand über seinen Rivalen zu gewinnen. Wenn dem so ist, handelte er voreilig: Racine errang einen triumphalen Sieg im Wettbewerb.

La Fontaine Jean De (1621–1695), französischer Dichter. Im Jahr 1667 wurde die Herzogin von Bouillon die Patronin von La Fontaine. Er verfasste weiterhin Gedichte mit recht freiem Inhalt und veröffentlichte 1665 seine erste Sammlung „Geschichten in Versen“, gefolgt von „Märchen und Geschichten in Versen“ und „Die Liebe von Psyche und Amor“. La Fontaine blieb bis 1672 ein Schützling der Herzogin von Bouillon und wollte ihr eine Freude machen. Er begann mit dem Schreiben von Fabeln und veröffentlichte 1668 die ersten sechs Bücher. Zu seinen Freunden gehörten in dieser Zeit N. Boileau-Dépreo, Madame de Sevigne und J. Racine und Molière. Unter der Schirmherrschaft der Marquise de la Sablière vollendete der Dichter 1680 die Veröffentlichung von zwölf Fabeln und wurde 1683 zum Mitglied der Französischen Akademie gewählt. Lafontaine starb am 14. April 1695 in Paris.

Versgeschichten und Kurzgedichte von La Fontaine sind heute fast vergessen, obwohl sie voller Witz sind und ein Beispiel für die klassizistische Gattung darstellen. Auf den ersten Blick steht der Mangel an moralischer Erbauung in ihnen in klarem Widerspruch zum Wesen des Genres. Aber bei einer sorgfältigeren Analyse wird deutlich, dass viele der Fabeln von Aesop, Phaedrus, Nevle und anderen Autoren in La Fontaines Anordnung ihre erbauliche Bedeutung verloren haben, und wir verstehen, dass sich hinter der traditionellen Form nicht ganz orthodoxe Urteile verbergen.

La Fontaines Fabeln zeichnen sich durch Vielfalt, rhythmische Perfektion, geschickten Einsatz von Archaismen (die den Stil des mittelalterlichen Fuchsromans wiederbeleben), nüchterne Sicht auf die Welt und tiefen Realismus aus. Ein Beispiel ist die Fabel „Der Wolf und der Fuchs vor dem Affen“:

Der Wolf richtete eine Bitte an den Affen,

Darin beschuldigte er Lisa der Täuschung

Und im Diebstahl; Das Temperament des Fuchses ist bekannt,

Schlau, gerissen und unehrlich.

Und so rufen sie Lisa vor Gericht.

Der Fall wurde ohne Anwälte bearbeitet, -

Der Wolf beschuldigte, der Fuchs verteidigte sich;

Natürlich trat jeder für seinen eigenen Nutzen ein.

Themis habe nie, so der Richter,

Noch nie war ein Fall so kompliziert...

Und der Affe dachte stöhnend:

Und nach Auseinandersetzungen, Rufen und Reden,

Da ich die Moral sowohl des Wolfes als auch des Fuchses sehr gut kenne,

Sie sagte: „Nun, Sie liegen beide falsch;

Ich kenne dich schon lange...

Ich werde jetzt mein Urteil lesen:

Der Wolf ist schuld an der Falschheit der Anschuldigung,

Der Fuchs hat sich des Raubes schuldig gemacht.“

Der Richter entschied, dass er Recht haben würde

Bestrafung derjenigen, die das Temperament eines Diebes haben.

In dieser Fabel werden reale Menschen unter dem Deckmantel von Tieren dargestellt, nämlich der Richter, der Kläger und der Angeklagte. Und was sehr wichtig ist, es sind die Menschen der Bourgeoisie, die dargestellt werden, und nicht die Bauern.

Der französische Klassizismus manifestierte sich am deutlichsten im Drama, aber auch in der Prosa, wo die Anforderungen an die Einhaltung ästhetischer Standards weniger streng waren, schuf er ein ihm innewohnendes einzigartiges Genre – das Genre des Aphorismus. In Frankreich erschienen im 17. Jahrhundert mehrere Aphoristen. Das sind jene Schriftsteller, die keine Romane, Erzählungen oder Kurzgeschichten verfasst haben, sondern nur kurze, äußerst komprimierte Prosaminiaturen oder ihre Gedanken niedergeschrieben haben – die Frucht von Lebensbeobachtungen und Reflexionen.

Die Besonderheiten des russischen Klassizismus sind folgende: Erstens hat der russische Klassizismus von Anfang an eine starke Verbindung zur modernen Realität, die in den besten Werken aus der Sicht fortschrittlicher Ideen beleuchtet wird.

Das zweite Merkmal des russischen Klassizismus ist die anklagende und satirische Strömung in ihrem Werk, die durch die fortschrittlichen gesellschaftlichen Vorstellungen der Schriftsteller bedingt ist. Die Präsenz der Satire in den Werken russischer Klassiker verleiht ihren Werken einen äußerst wahrheitsgetreuen Charakter. Gelebte Moderne, russische Realität, russisches Volk und russische Natur spiegeln sich gewissermaßen in ihren Werken wider.

Das dritte Merkmal des russischen Klassizismus ist aufgrund des glühenden Patriotismus russischer Schriftsteller ihr Interesse an der Geschichte ihres Heimatlandes. Sie alle studieren russische Geschichte und schreiben Werke zu nationalen und historischen Themen. Sie streben danach, Belletristik und ihre Sprache auf nationaler Basis zu schaffen, ihr ein eigenes, russisches Gesicht zu geben und achten auf Volksdichtung und Volkssprache.

Neben den allgemeinen Merkmalen, die sowohl dem französischen als auch dem russischen Klassizismus innewohnen, weist letzterer auch solche Merkmale auf, die ihm den Charakter nationaler Originalität verleihen. Dabei handelt es sich zum Beispiel um ein gesteigertes staatsbürgerlich-patriotisches Pathos, eine deutlich ausgeprägtere anklagend-realistische Tendenz, weniger Entfremdung von der mündlichen Volkskunst. Alltags- und Festgesänge der ersten Jahrzehnte des 18. Jahrhunderts bereiteten maßgeblich die Entwicklung verschiedener Genres der Lyrik in der Mitte und zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts vor.

Die Hauptsache in der Ideologie des Klassizismus ist Staatspathos. Der in den ersten Jahrzehnten des 18. Jahrhunderts geschaffene Staat wurde zum höchsten Wert erklärt. Die von Peters Reformen inspirierten Klassizisten glaubten an die Möglichkeit einer weiteren Verbesserung. Es schien ihnen ein einigermaßen strukturierter sozialer Organismus zu sein, in dem jede Klasse die ihr zugewiesenen Aufgaben erfüllt. „Bauern pflügen, Kaufleute handeln, Krieger verteidigen das Vaterland, Richter richten, Wissenschaftler pflegen die Wissenschaft“, schrieb A.P. Sumarokov. Das Staatspathos russischer Klassiker ist ein zutiefst widersprüchliches Phänomen. Es spiegelte fortschrittliche Tendenzen wider, die mit der endgültigen Zentralisierung Russlands verbunden waren, und gleichzeitig utopische Ideen, die aus einer deutlichen Überschätzung der sozialen Möglichkeiten des aufgeklärten Absolutismus resultierten.

Die Etablierung des Klassizismus wurde durch vier große Literaten erleichtert: A.D. Kantemir, V.K. Trediakovsky, M.V. Lomonosov und A.P. Sumarokow.

A.D. Kantemir lebte in einer Zeit, als die ersten Grundlagen der modernen russischen Literatursprache gerade gelegt wurden; Seine Satiren wurden nach dem Silbensystem der Verse geschrieben, das zu dieser Zeit bereits überlebt hatte, und dennoch hat der Name Cantemir, in den Worten von Belinsky, „schon viele vergängliche Berühmtheiten, sowohl klassische als auch romantische, überlebt und wird auch weiterhin überleben.“ viele Tausende von ihnen“, so Cantemir, „der erste in Russland, der Poesie zum Leben erweckte.“ „Sinfonie über den Psalter“ ist das erste gedruckte Werk von A. Cantemir, aber nicht sein erstes literarisches Werk im Allgemeinen, was durch das autorisierte Manuskript einer wenig bekannten Übersetzung von Antiochus Cantemir mit dem Titel „Mr. Philosopher Constantine Manassis Synopsis Historical“ bestätigt wird “, datiert 1725.

In den Jahren 1726-1728 sollte die Arbeit von A. Cantemir an Gedichten zu einem Liebesthema enthalten sein, die uns nicht überliefert sind und über die er später mit einigem Bedauern in der zweiten Auflage der IV. Satire schrieb. In dieser Zeit zeigte Antiochia Cantemir ein intensives Interesse an der französischen Literatur, was sowohl durch die oben erwähnte „Übersetzung eines bestimmten italienischen Briefes“ als auch durch Cantemirs Notizen in seinem Kalender von 1728 bestätigt wird, aus denen wir etwas über die Bekanntschaft des jungen Schriftstellers erfahren mit französischen Satirezeitschriften nach englischem Vorbild wie „Le Mentor moderne“, sowie mit dem Werk von Molière („Der Menschenfeind“) und den Komödien von Marivaux. Auch die Arbeit von A. Cantemir an der Übersetzung der vier Satiren von Boileau ins Russische und das Verfassen der Originalgedichte „Über ein ruhiges Leben“ und „Über Zoila“ sind dieser Zeit zuzuordnen.

Gedichte aus philosophischen Briefen

Ich respektiere hier das Gesetz und gehorche den Rechten;

Es steht mir jedoch frei, nach meinen Regeln zu leben:

Der Geist ist ruhig, jetzt geht das Leben ohne Widrigkeiten weiter,

Jeden Tag lerne ich, meine Leidenschaften auszurotten

Und wenn ich auf die Grenze schaue, so baue ich das Leben auf,

Gelassen lenke ich meine Tage bis zum Ende.

Ich vermisse niemanden, es gibt keinen Grund für Strafen,

Ich bin froh, die Tage meiner Wünsche verkürzt zu haben.

Ich erkenne jetzt die Korruption meines Zeitalters,

Ich wünsche nicht, ich habe keine Angst, ich erwarte den Tod.

Wenn du mir unwiderruflich deine Barmherzigkeit erweist

Zeig es mir, dann werde ich vollkommen glücklich sein.

Im Jahr 1729 begann für den Dichter eine Phase schöpferischer Reife, in der er seine Aufmerksamkeit ganz bewusst fast ausschließlich der Satire widmete:

Mit einem Wort, ich möchte in Satiren alt werden,

Aber ich kann nicht nicht schreiben: Ich kann es nicht ertragen.

(IV Satire, I. Hrsg.)

Stolz, Faulheit, Reichtum – Weisheit siegte,
Unwissenheit und Wissen haben bereits Wurzeln geschlagen;
Er ist stolz unter seiner Mitra, er geht in einem bestickten Kleid,
Es beurteilt das rote Tuch, verwaltet die Regale.
Die Wissenschaft ist zerrissen, in Lumpen gesteckt,
Von allen edelsten Häusern wurde ein Fluch niedergeschlagen.

Wenn Cantemir Beispiele russischer Satire nannte, dann besitzt Trediakovsky die erste russische Ode, die 1734 als separate Broschüre unter dem Titel „Feierliche Ode auf die Kapitulation der Stadt Danzig“ (Danzig) veröffentlicht wurde. Es verherrlichte die russische Armee und Kaiserin Anna Ioannowna. Im Jahr 1752 wurde anlässlich des fünfzigsten Jahrestages der Gründung von St. Petersburg das Gedicht „Lob an das Ishera-Land und die regierende Stadt St. Petersburg“ geschrieben. Dies ist eines der ersten Werke, das die nördliche Hauptstadt Russlands verherrlicht.

Wonmi oh! Der Himmel und der Fluss

Lass die Erde die Worte des Mundes hören:

Wie Regen werde ich mit Worten fließen;

Und sie werden wie Tau auf eine Blume fallen,

Meine Sendungen in die Täler.

Ich werde traurige Gedichte auf der Flöte beginnen,

Vergebens nach Russland durch ferne Länder:

Für den ganzen Tag ist ihre Güte mir gegenüber

Der Wunsch, mit dem Verstand zu denken, ist gering.

Russland Mutter! mein endloses Licht!

Erlaube mir, ich flehe dein treues Kind an,

Oh, wie du auf dem roten Thron sitzt!

Russischer Himmel, du bist die Sonne ist klar

Andere sind mit goldenen Zeptern bemalt,

Und kostbar ist der Porphyr, die Mitra;

Du hast dein Zepter mit dir selbst geschmückt,

Und das Lyzeum ehrte die Krone mit Licht ...

„Epistola von der russischen Poesie an Apollin“ (an Apollo) stammt aus dem Jahr 1735 und gibt einen Überblick über die europäische Literatur, wobei der Autor besonderes Augenmerk auf die antike und französische Literatur legt. Letzterer wird durch die Namen Malherbe, Corneille, Racine, Moliere, Boileau, Voltaire vertreten. Die feierliche Einladung „Apollines“ nach Russland symbolisierte die Einführung der russischen Poesie in die jahrhundertealte europäische Kunst.

Trediakovsky verwandelt den Roman in ein Gedicht und führt viele Dinge ein, die nicht in Fenelons Buch enthalten waren. Somit gibt der Anfang des Gedichts die Anfangscharakteristik des antiken griechischen Epos wieder. Hier ist das berühmte „Ich singe“ und ein Hilferuf an die Muse sowie eine kurze Zusammenfassung des Inhalts des Werkes. Fenelons Roman ist in Prosa geschrieben, Trediakovskys Gedicht in Hexametern. Der Stil von Fenelons Roman wurde ebenso radikal aktualisiert. Laut A. N. Sokolov „entsprach Fenelons komprimierte, strenge Prosa, die mit prosaischen Ausschmückungen geizte, nicht den Stilprinzipien des poetischen Epos als hohem Genre … Trediakovsky poetisiert Fenelons Prosastil.“ Zu diesem Zweck führt er in „Tilemachida“ komplexe Epitheta ein, die für das homerische Epos so charakteristisch sind und in Fenelons Roman völlig fehlen: honigströmend, vielstrahlig, scharf streng, besonnen, blutend. In Trediakovskys Gedicht gibt es mehr als hundert solcher komplexer Adjektive. Nach dem Vorbild komplexer Epitheta entstehen komplexe Substantive: Leuchtkraft, Kriegsführung, gute Nachbarschaft, Pracht.

Ich fragte ihn: Worin besteht die königliche Souveränität?

Er antwortete: Der König hat in allem Macht über das Volk,

Aber die Gesetze haben natürlich in allem Macht über ihn.

„Tilemakhida“ rief sowohl bei Zeitgenossen als auch bei Nachkommen unterschiedliche Einstellungen zu sich selbst hervor. In „Tilemachid“ demonstrierte Trediakovsky anschaulich die vielfältigen Möglichkeiten des Hexameters als epischer Vers. Trediakovskys Erfahrungen nutzten später N. I. Gnedich bei der Übersetzung der Ilias und V. A. Schukowski bei der Arbeit an der Odyssee.

Laut Lomonossow sollte jedes literarische Genre in einer gewissen „Ruhe“ geschrieben werden: „hohe Ruhe“ ist „erforderlich“ für Heldengedichte, Oden, „prosaische Reden über wichtige Themen“; mittel – für poetische Botschaften, Elegien, Satiren, beschreibende Prosa usw.; niedrig – für Komödien, Epigramme, Lieder, „Schriften über alltägliche Angelegenheiten“. „Shtili“ wurden zunächst im Bereich des Wortschatzes geordnet, abhängig vom Verhältnis neutraler (gemeinsam in den russischen und kirchenslawischen Sprachen), kirchenslawischen und russischen umgangssprachlichen Wörtern. „Hohe Ruhe“ zeichnet sich durch eine Kombination von Slawismen mit neutralen Wörtern aus, „mittlere Ruhe“ basiert auf neutralem Vokabular unter Hinzufügung einer bestimmten Anzahl von Slawismen und umgangssprachlichen Wörtern, „niedrige Ruhe“ kombiniert neutrale und umgangssprachliche Wörter. Ein solches Programm ermöglichte es, die in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts noch spürbare russisch-kirchenslawische Diglossie zu überwinden und eine einzige stilistisch differenzierte Literatursprache zu schaffen. Die Theorie der „drei Ruhen“ hatte wesentlichen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Literatursprache in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. bis hin zu den Aktivitäten der Schule von N. M. Karamzin (ab den 1790er Jahren), die die Weichen für die Annäherung der russischen Literatursprache an die gesprochene Sprache stellten.

Wissenschaften nähren die Jugend,

Freude wird den Alten serviert,

In einem glücklichen Leben schmücken sie,

Im Falle eines Unfalls kümmern sie sich darum.

Gemeinsame Genres des französischen Klassizismus: Tragödie, Komödie, Idylle, Elegie, Ode, Sonett, Epigramm, Satire.

Klassizismus Klassizismus

Ein künstlerischer Stil in der europäischen Kunst des 17. bis frühen 19. Jahrhunderts, dessen wichtigstes Merkmal die Berufung auf die Formen der antiken Kunst als idealer ästhetischer Standard war. Der Klassizismus setzte die Traditionen der Renaissance fort (Bewunderung für die alten Ideale von Harmonie und Proportionen, Glaube an die Kraft des menschlichen Geistes) und war auch sein ursprünglicher Gegensatz, da mit dem Verlust der Renaissance-Harmonie die Einheit von Gefühl und Vernunft verloren ging Die Tendenz, die Welt ästhetisch als harmonisches Ganzes zu erleben, ging verloren. Konzepte wie Gesellschaft und Persönlichkeit, Mensch und Natur, Element und Bewusstsein werden im Klassizismus polarisiert und schließen sich gegenseitig aus, was ihn (unter Beibehaltung aller grundlegenden ideologischen und stilistischen Unterschiede) dem Barock näher bringt, der auch vom Bewusstsein des Bewusstseins durchdrungen ist allgemeine Zwietracht, die durch die Krise der Ideale der Renaissance hervorgerufen wurde. Typischerweise wird der Klassizismus des 17. Jahrhunderts unterschieden. und XVIII - Anfang des 19. Jahrhunderts. (Letzteres wird in der ausländischen Kunstgeschichte oft als Neoklassizismus bezeichnet), aber in der bildenden Kunst traten die Tendenzen des Klassizismus bereits in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts auf. in Italien - in der Architekturtheorie und -praxis von Palladio, theoretischen Abhandlungen von Vignola, S. Serlio; konsequenter - in den Werken von J. P. Bellori (17. Jahrhundert) sowie in den ästhetischen Standards der Akademiker der Bologna-Schule. Allerdings im 17. Jahrhundert. Der Klassizismus, der sich in höchst polemischer Wechselwirkung mit dem Barock entwickelte, entwickelte sich erst zu einem kohärenten Stilsystem in der französischen Kunstkultur. Der Klassizismus des 18. Jahrhunderts, der zu einem gesamteuropäischen Stil wurde, bildete sich überwiegend im Schoß der französischen Kunstkultur heraus. Die Prinzipien des Rationalismus, die der Ästhetik des Klassizismus zugrunde liegen (dieselben, die die philosophischen Ideen von R. Descartes und dem Kartesianismus bestimmten), bestimmten die Sichtweise eines Kunstwerks als Frucht der Vernunft und Logik, das über das Chaos und die Fließfähigkeit des Sinneslebens triumphiert . Im Klassizismus hat nur das Dauerhafte und Zeitlose ästhetischen Wert. Der Klassizismus legt großen Wert auf die soziale und pädagogische Funktion der Kunst und stellt neue ethische Normen vor, die das Bild seiner Helden prägen: Widerstand gegen die Grausamkeit des Schicksals und die Wechselfälle des Lebens, Unterordnung des Persönlichen unter das Allgemeine, Leidenschaften – Pflicht, Vernunft, die höchsten Interessen der Gesellschaft, die Gesetze des Universums. Die Orientierung an einem rationalen Prinzip, an bleibenden Mustern bestimmte auch die normativen Anforderungen der Ästhetik des Klassizismus, die Regulierung künstlerischer Regeln, eine strenge Hierarchie der Gattungen – von „hoch“ (historisch, mythologisch, religiös) bis „niedrig“ oder „klein“. ” (Landschaft, Porträt, Stillleben) ; Jedes Genre hatte strenge inhaltliche Grenzen und klare formale Merkmale. Die Festigung der theoretischen Lehren des Klassizismus wurde durch die Aktivitäten der in Paris gegründeten Royals erleichtert. Akademien – Malerei und Bildhauerei (1648) und Architektur (1671).

Die Architektur des Klassizismus insgesamt zeichnet sich durch einen logischen Grundriss und eine geometrische Volumenform aus. Der ständige Appell der Architekten des Klassizismus an das Erbe der antiken Architektur beinhaltete nicht nur die Verwendung ihrer einzelnen Motive und Elemente, sondern auch das Verständnis der allgemeinen Gesetze ihrer Architektur. Grundlage der Architektursprache des Klassizismus war die Ordnung, deren Proportionen und Formen der Antike näher kamen als in der Architektur früherer Epochen; In Gebäuden wird es so eingesetzt, dass es die Gesamtstruktur des Bauwerks nicht verdeckt, sondern zu dessen subtiler und zurückhaltender Begleitung wird. Das Interieur des Klassizismus zeichnet sich durch Klarheit der räumlichen Aufteilung und Sanftheit der Farben aus. Durch den umfassenden Einsatz perspektivischer Effekte in der Monumental- und Dekorationsmalerei trennten die Meister des Klassizismus den illusorischen Raum grundlegend vom Realen. Die Stadtplanung des Klassizismus des 17. Jahrhunderts, genetisch verbunden mit den Prinzipien der Renaissance und des Barock, entwickelte aktiv (in den Plänen befestigter Städte) das Konzept einer „idealen Stadt“ und schuf eine eigene Art regelmäßiger absolutistischer Stadtresidenz (Versailles). In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Es entstehen neue Planungstechniken, die eine organische Verbindung von Stadtentwicklung mit Elementen der Natur, die Schaffung von Freiräumen vorsehen, die räumlich mit der Straße oder Böschung verschmelzen. Die Feinheit des lakonischen Dekors, die Zweckmäßigkeit der Formen und die untrennbare Verbindung mit der Natur sind den Gebäuden (hauptsächlich Landpalästen und Villen) der Vertreter des Palladianismus im 18. – frühen 19. Jahrhundert eigen.

Der tektonischen Klarheit der Architektur des Klassizismus entspricht die klare Planzeichnung in Skulptur und Malerei. Die plastische Kunst des Klassizismus ist in der Regel auf einen festen Standpunkt ausgelegt und zeichnet sich durch Glätte der Formen aus. Das Moment der Bewegung in den Posen der Figuren beeinträchtigt in der Regel nicht ihre plastische Isolation und ruhige Statuenhaftigkeit. In der Malerei des Klassizismus sind die Hauptformelemente Linie und Hell-Dunkel (besonders im Spätklassizismus, wo die Malerei manchmal zur Monochromie und die Grafik zur reinen Linearität tendiert); Lokale Farben kennzeichnen Objekte und Landschaftspläne eindeutig (Braun – für die Nähe, Grün – für die Mitte, Blau – für die Ferne), wodurch die räumliche Komposition des Gemäldes der Komposition des Bühnenbereichs näher kommt.

Der Begründer und größte Meister des Klassizismus des 17. Jahrhunderts. Es gab einen französischen Künstler N. Poussin, dessen Gemälde sich durch die Erhabenheit ihres philosophischen und ethischen Inhalts, die Harmonie von rhythmischer Struktur und Farbe auszeichnen. Hohe Entwicklung in der Malerei des Klassizismus des 17. Jahrhunderts. erhielt eine „ideale Landschaft“ (Poussin, C. Lorrain, G. Duguay), die den Traum der Klassiker von einem „goldenen Zeitalter“ der Menschheit verkörperte. Die Entstehung des Klassizismus in der französischen Architektur ist mit den Bauten von F. Mansart verbunden, die sich durch klare Kompositions- und Ordnungsgliederungen auszeichnen. Hohe Beispiele des reifen Klassizismus in der Architektur des 17. Jahrhunderts. - Ostfassade des Louvre (C. Perrault), Werke von L. Levo, F. Blondel. Aus der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Der französische Klassizismus integriert einige Elemente der Barockarchitektur (Schloss und Park von Versailles – Architekten J. Hardouin-Mansart, A. Le Nôtre). Im 17. - frühen 18. Jahrhundert. Der Klassizismus entstand in der Architektur Hollands (Architekten J. van Kampen, P. Post), die eine besonders zurückhaltende Version davon hervorbrachte, und in der „palladianischen“ Architektur Englands (Architekt I. Jones), wo eine nationale Die Version wurde schließlich in den Werken von K. Wren und anderen englischen Klassizisten gebildet. Querverbindungen zum französischen und niederländischen Klassizismus sowie zum Frühbarock spiegelten sich in der kurzen, glänzenden Blüte des Klassizismus in der Architektur Schwedens im späten 17. und frühen 18. Jahrhundert wider. (Architekt N. Tessin der Jüngere).

Mitte des 18. Jahrhunderts. Die Prinzipien des Klassizismus wurden im Geiste der Ästhetik der Aufklärung transformiert. In der Architektur stellt der Appell an „Natürlichkeit“ die Forderung nach einer konstruktiven Begründung der Ordnungselemente der Komposition dar, im Innenraum die Entwicklung eines flexiblen Grundrisses für ein komfortables Wohngebäude. Der ideale Rahmen für das Haus war die Landschaft eines „englischen“ Parks. Großer Einfluss auf den Klassizismus des 18. Jahrhunderts. hatte eine rasche Entwicklung archäologischer Kenntnisse über die griechische und römische Antike (die Spaltungen von Herculaneum, Pompeji usw.); Die Werke von I. I. Winkelman, I. V. Goethe und F. Militsiya leisteten ihren Beitrag zur Theorie des Klassizismus. Im französischen Klassizismus des 18. Jahrhunderts. Es wurden neue Architekturtypen definiert: ein äußerst intimes Herrenhaus, ein zeremonielles öffentliches Gebäude, ein offener Stadtplatz (Architekten J. A. Gabriel, J. J. Souflot). Bürgerliches Pathos und Lyrik wurden in der bildenden Kunst von J. B. Pigalle, E. M. Falconet, J. A. Houdon, in der mythologischen Malerei von J. M. Vien und in den dekorativen Landschaften von Y. Robert vereint. Am Vorabend der Großen Französischen Revolution (1789-94) entstand in der Architektur der Wunsch nach strenger Einfachheit, eine kühne Suche nach der monumentalen Geometrie einer neuen, geordneten Architektur (C. N. Ledoux, E. L. Bulle, J. J. Lequeu). Diese Suchen (die auch durch den Einfluss der Architekturradierungen von G.B. Piranesi geprägt waren) dienten als Ausgangspunkt für die spätere Phase des Klassizismus – den Empire-Stil. Die Malerei der revolutionären Richtung des französischen Klassizismus wird durch das mutige Drama der Historien- und Porträtbilder von J. L. David repräsentiert. In den Jahren des Kaiserreichs Napoleons I. wuchs eine großartige Repräsentativität in der Architektur (C. Percier, P. F. L. Fontaine, J. F. Chalgrin). Die Malerei des Spätklassizismus verkommt trotz des Auftretens einzelner großer Meister (J. O. D. Ingres) zur offiziellen apologetischen oder sentimental-erotischen Salonkunst.

Internationales Zentrum des Klassizismus des 18. – frühen 19. Jahrhunderts. wurde zu Rom, wo die akademische Tradition in der Kunst mit einer Kombination aus edlen Formen und kalter, abstrakter Idealisierung dominierte, was für den Akademismus nicht ungewöhnlich ist (deutscher Maler A. R. Mengs, österreichischer Landschaftsmaler I. A. Koch, Bildhauer - Italiener A. Canova, Däne B. Thorvaldsen ). Zum deutschen Klassizismus des 18. – frühen 19. Jahrhunderts. Die Architektur ist geprägt von den strengen Formen des Palladio F. W. Erdmansdorff, dem „heroischen“ Hellenismus von K. G. Langhans, D. und F. Gilly. Im Werk von K. F. Schinkel – dem Höhepunkt des deutschen Spätklassizismus in der Architektur – verbindet sich die strenge Monumentalität der Bilder mit der Suche nach neuen funktionalen Lösungen. In der bildenden Kunst des deutschen Klassizismus, kontemplativ im Geiste, stechen Porträts von A. und V. Tischbein, mythologische Kartons von A. J. Carstens, plastische Werke von I. G. Shadov, K. D. Rauch hervor; in dekorativer und angewandter Kunst - Möbel von D. Röntgen. In der englischen Architektur des 18. Jahrhunderts. Die palladianische Bewegung, die eng mit der Blüte der Landschaftsparkanlagen verbunden war (Architekten W. Kent, J. Payne, W. Chambers), dominierte. Die Entdeckungen der antiken Archäologie spiegelten sich in der besonderen Eleganz der Ordensdekoration der Gebäude von R. Adam wider. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. In der englischen Architektur treten Merkmale des Empire-Stils auf (J. Soane). Die nationale Errungenschaft des englischen Klassizismus in der Architektur war das hohe Maß an kultureller Gestaltung von Wohnsiedlungen und Städten, mutige städtebauliche Initiativen im Sinne der Idee einer Gartenstadt (Architekten J. Wood, J. Wood the Younger, J . Nash). In anderen Künsten sind die Grafiken und Skulpturen von J. Flaxman dem Klassizismus am nächsten, in der dekorativen und angewandten Kunst – der Keramik von J. Wedgwood und den Handwerkern der Derby-Fabrik. Im 18. - frühen 19. Jahrhundert. Der Klassizismus ist auch in Italien (Architekt G. Piermarini), Spanien (Architekt X. de Villanueva), Belgien, osteuropäischen Ländern, Skandinavien und den USA (Architekten G. Jefferson, J. Hoban; Maler B. West und J.S. Collie) etabliert ). Ende des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. die führende Rolle des Klassizismus verschwindet; in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Der Klassizismus ist einer der pseudohistorischen Stile des Eklektizismus. Gleichzeitig wird die künstlerische Tradition des Klassizismus in der zweiten Hälfte des 19.-20. Jahrhunderts im Neoklassizismus lebendig.

Die Blütezeit des russischen Klassizismus reicht bis ins letzte Drittel des 18. – ersten Drittels des 19. Jahrhunderts zurück, obwohl es bereits der Anfang des 18. Jahrhunderts war. gekennzeichnet durch einen kreativen Appell (in der Architektur von St. Petersburg) an die städtebauliche Erfahrung des französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts. (das Prinzip symmetrisch-axialer Planungssysteme). Der russische Klassizismus verkörperte eine neue historische Etappe in der Blüte der russischen säkularen Kultur, die für Russland in Umfang, nationalem Pathos und ideologischem Inhalt beispiellos war. Der frühe russische Klassizismus in der Architektur (1760-70er Jahre; J. B. Vallin-Delamot, A. F. Kokorinov, Yu. M. Felten, K. I. Blank, A. Rinaldi) bewahrt noch immer den plastischen Reichtum und die dynamischen Formen, die dem Barock und Rokoko innewohnen. Die Architekten der reifen Periode des Klassizismus (1770-90er Jahre; V. I. Bazhenov, M. F. Kazakov, I. E. Starov) schufen klassische Typen großstädtischer Palastanwesen und großer, komfortabler Wohngebäude, die zu Vorbildern beim weit verbreiteten Bau vorstädtischer Adelsgüter und in der Stadt wurden neue, zeremonielle Gebäude der Städte. Die Kunst des Ensembles in ländlichen Parkanlagen ist ein wichtiger nationaler Beitrag des russischen Klassizismus zur weltweiten Kunstkultur. Im Siedlungsbau entstand die russische Version des Palladianismus (N. A. Lvov) und ein neuer Typus von Kammerpalast (C. Cameron, J. Quarenghi). Ein Merkmal des russischen Klassizismus in der Architektur ist das beispiellose Ausmaß der organisierten staatlichen Stadtplanung: Es wurden regelmäßige Pläne für mehr als 400 Städte entwickelt, Ensembles der Zentren von Kostroma, Poltawa, Twer, Jaroslawl und anderen Städten gebildet; Die Praxis der „Regulierung“ von Stadtplanungen verband in der Regel konsequent die Prinzipien des Klassizismus mit der historisch gewachsenen Planungsstruktur der alten russischen Stadt. Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. gekennzeichnet durch die größten städtebaulichen Erfolge in beiden Hauptstädten. Es entstand ein grandioses Ensemble im Zentrum von St. Petersburg (A. N. Voronikhin, A. D. Zakharov, J. Thomas de Thomon und später K. I. Rossi). Das „klassische Moskau“ entstand nach verschiedenen städtebaulichen Grundsätzen und entstand während der Restaurierungs- und Wiederaufbauzeit nach dem Brand von 1812 mit kleinen Villen mit gemütlicher Innenausstattung. Dabei wurden die Prinzipien der Regelmäßigkeit konsequent der allgemeinen Bildfreiheit der räumlichen Struktur der Stadt untergeordnet. Die bedeutendsten Architekten des späten Moskauer Klassizismus sind D. I. Gilardi, O. I. Bove, A. G. Grigoriev.

In der bildenden Kunst ist die Entwicklung des russischen Klassizismus eng mit der St. Petersburger Akademie der Künste (gegründet 1757) verbunden. Die Skulptur des russischen Klassizismus wird durch „heroische“ monumentale und dekorative Skulpturen repräsentiert, die eine fein durchdachte Synthese mit Empire-Architektur, Denkmälern voller bürgerlichem Pathos, elegisch erleuchteten Grabsteinen und Staffeleiskulpturen bilden (I. P. Prokofjew, F. G. Gordeev, M. I. Kozlovsky, I. P. Martos, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebenev). Der russische Klassizismus in der Malerei manifestierte sich am deutlichsten in Werken historischer und mythologischer Genres (A. P. Losenko, G. I. Ugryumov, I. A. Akimov, A. I. Ivanov, A. E. Egorov, V. K. Shebuev, früher A. A. Ivanov). Einige Merkmale des Klassizismus sind auch in den subtil psychologischen skulpturalen Porträts von F. I. Shubin, in der Malerei – in den Porträts von D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky und in den Landschaften von F. M. Matveev – enthalten. In der dekorativen und angewandten Kunst des russischen Klassizismus stechen das künstlerische Modellieren und Schnitzen in der Architektur, Bronzeprodukte, Gusseisen, Porzellan, Kristall, Möbel, Damaststoffe usw. hervor. Ab dem zweiten Drittel des 19. Jahrhunderts. Für die schöne Kunst des russischen Klassizismus wird immer mehr der seelenlose, weit hergeholte akademische Schematismus charakteristisch, mit dem die Meister der demokratischen Bewegung kämpfen.

K. Lorrain. „Morgen“ („Treffen Jakobs mit Rachel“). 1666. Eremitage. Leningrad.

B. Thorvaldsen. „Jason.“ Marmor. 1802 - 1803. Thorvaldson Museum. Kopenhagen.

J. L. David. „Paris und Helena“. 1788. Louvre. Paris.

Literatur: N. N. Kovalenskaya, Russischer Klassizismus, M., 1964; Renaissance. Barock. Klassizismus. Das Problem der Stile in der westeuropäischen Kunst des XV.-XVII. Jahrhunderts, M., 1966; E. I. Rotenberg, Westeuropäische Kunst des 17. Jahrhunderts, M., 1971; Künstlerische Kultur des 18. Jahrhunderts. Materialien einer wissenschaftlichen Konferenz, 1973, M., 1974; E. V. Nikolaev, Classical Moskau, M., 1975; Literarische Manifeste westeuropäischer Klassiker, M., 1980; Streit um Altes und Neues, (übersetzt aus dem Französischen), M., 1985; Zeitier R., Klassizismus und Utopia, Stockh., 1954; Kaufmann E., Architektur im Zeitalter der Vernunft, Camb. (Mass.), 1955; Hautecoeur L., L'histoire de l'architecture classique en France, v. 1-7, S., 1943-57; Tapii V., Barock und Klassik, 2. Auflage, S., 1972; Greenhalgh M., Die klassische Tradition in der Kunst, L., 1979.

Quelle: „Popular Art Encyclopedia.“ Ed. Polevoy V.M.; M.: Verlag „Sowjetische Enzyklopädie“, 1986.)

Klassizismus

(von lat. classicus – vorbildlich), künstlerischer Stil und Richtung in der europäischen Kunst 17 – früh. 19. Jahrhundert, dessen wichtiges Merkmal die Berufung auf das Erbe der Antike (antikes Griechenland und Rom) als Norm und ideales Modell war. Die Ästhetik des Klassizismus ist geprägt von Rationalismus, dem Wunsch, bestimmte Regeln für die Schaffung eines Werkes festzulegen, einer strengen Hierarchie (Unterordnung) der Typen und Genres Kunst. Die Architektur dominierte das Gesamtkunstwerk. Historische, religiöse und mythologische Gemälde galten als hohe Genres der Malerei und lieferten dem Betrachter heroische Beispiele, denen er folgen konnte; das niedrigste - Porträt, Landschaft, Stillleben, Alltagsmalerei. Jedem Genre wurden strenge Grenzen und klar definierte formale Merkmale vorgegeben; Es war nicht erlaubt, das Erhabene mit dem Niedrigen, das Tragische mit dem Komischen, das Heroische mit dem Gewöhnlichen zu vermischen. Der Klassizismus ist ein Stil der Gegensätze. Seine Ideologen proklamierten die Überlegenheit der Öffentlichkeit über das Persönliche, der Vernunft über Emotionen und des Pflichtgefühls über Wünsche. Klassische Werke zeichnen sich durch Lakonismus, klare Gestaltungslogik und Ausgewogenheit aus Kompositionen.

In der Stilentwicklung werden zwei Perioden unterschieden: der Klassizismus des 17. Jahrhunderts. und Neoklassizismus des zweiten Geschlechts. 18. – erstes Drittel des 19. Jahrhunderts. In Russland, wo die Kultur bis zu den Reformen Peters I. mittelalterlich blieb, manifestierte sich der Stil erst am Ende. 18. Jahrhundert Daher bezeichnet Klassizismus in der russischen Kunstgeschichte im Gegensatz zur westlichen Kunst die russische Kunst der 1760er–1830er Jahre.

Klassizismus des 17. Jahrhunderts. manifestierte sich hauptsächlich in Frankreich und etablierte sich in der Konfrontation mit Barock. In der Architektur des Gebäudes A. Palladio wurde zum Vorbild für viele Meister. Klassizistische Gebäude zeichnen sich durch die Klarheit der geometrischen Formen und die Klarheit des Grundrisses aus, appellieren an die Motive der antiken Architektur und vor allem an das Ordnungssystem (siehe Art. Architektonische Ordnung). Architekten nutzen zunehmend Pfostenbalkenkonstruktion In Gebäuden kam die Symmetrie der Komposition deutlich zum Vorschein, gerade Linien wurden den geschwungenen vorgezogen. Die Wände werden als glatte Flächen behandelt, in ruhigen Farben gestrichen, lakonisch skulptural Dekor betont die strukturellen Elemente (Gebäude von F. Mansart, Ostfassade). Louvre, erstellt von C. Perrault; Kreativität von L. Levo, F. Blondel). Ab der zweiten Etage. 17. Jahrhundert Der französische Klassizismus integriert immer mehr barocke Elemente ( Versailles, Architekt J. Hardouin-Mansart und andere, Parkgestaltung - A. Lenotre).

Die Skulptur wird von ausgewogenen, geschlossenen, lakonischen Volumen dominiert, die meist für einen festen Blickwinkel konzipiert sind; die sorgfältig polierte Oberfläche erstrahlt in kühlem Glanz (F. Girardon, A. Coisevoux).
Die Gründung der Königlichen Akademie für Architektur (1671) und der Königlichen Akademie für Malerei und Bildhauerei (1648) in Paris trug zur Festigung der Prinzipien des Klassizismus bei. Letzterer wurde von C. Lebrun geleitet, ab 1662 dem ersten Maler Ludwigs XIV., der die Spiegelgalerie des Schlosses Versailles (1678–84) malte. In der Malerei wurde der Vorrang der Linie gegenüber der Farbe anerkannt, klare Zeichnung und statuarische Formen wurden geschätzt; Bevorzugt wurden lokale (reine, ungemischte) Farben. Das an der Akademie entwickelte klassizistische System diente der Entwicklung von Handlungssträngen und Allegorien, den Monarchen verherrlichend („der Sonnenkönig“ wurde mit dem Gott des Lichts und Schutzpatron der Künste Apollo in Verbindung gebracht). Die herausragendsten klassizistischen Maler sind N. Poussin und K. Lorrain verbanden ihr Leben und Wirken mit Rom. Poussin interpretiert die antike Geschichte als eine Sammlung heroischer Taten; in der Spätzeit gewannen episch majestätische Landschaften in seinen Gemälden immer mehr an Bedeutung. Landsmann Lorrain schuf ideale Landschaften, in denen der Traum eines goldenen Zeitalters wahr wurde – einer Ära der glücklichen Harmonie zwischen Mensch und Natur.

Die Entstehung des Neoklassizismus in den 1760er Jahren. geschah im Widerspruch zum Stil Rokoko. Der Stil entstand unter dem Einfluss von Ideen Aufklärung. In seiner Entwicklung lassen sich drei Hauptperioden unterscheiden: frühe (1760–80), reife (1780–1800) und späte (1800–30), auch Stil genannt Empire-Stil, die sich gleichzeitig mit entwickelte Romantik. Der Neoklassizismus wurde zu einem internationalen Stil, der sich in Europa und Amerika verbreitete. Es wurde am deutlichsten in der Kunst Großbritanniens, Frankreichs und Russlands verkörpert. Archäologische Funde in den antiken römischen Städten Herculaneum und Pompeji. Pompejanische Motive Fresken und Gegenstände Kunst und Handwerk begann, von Künstlern häufig verwendet zu werden. Die Entstehung des Stils wurde auch durch die Werke des deutschen Kunsthistorikers I. I. Winkelman beeinflusst, der „edle Einfachheit und ruhige Erhabenheit“ als die wichtigsten Eigenschaften der antiken Kunst ansah.

In Großbritannien, wo bereits im ersten Drittel des 18. Jahrhunderts. Architekten zeigten Interesse an der Antike und dem Erbe von A. Palladio, der Übergang zum Neoklassizismus verlief reibungslos und natürlich (W. Kent, J. Payne, W. Chambers). Einer der Begründer des Stils war Robert Adam, der mit seinem Bruder James (Cadlestone Hall Castle, 1759–85) zusammenarbeitete. Adams Stil zeigte sich deutlich in der Innenarchitektur, wo er leichte und raffinierte Ornamente im Geiste pompejanischer Fresken und des antiken Griechenlands verwendete Vasenbilder(Das etruskische Zimmer im Osterley Park Mansion, London, 1761–79). Die Unternehmen von D. Wedgwood stellten Keramikgeschirr, dekorative Möbelverkleidungen und andere Dekorationen im klassizistischen Stil her, die europäische Anerkennung fanden. Die Reliefmodelle für Wedgwood wurden vom Bildhauer und Zeichner D. Flaxman angefertigt.

In Frankreich schuf der Architekt J. A. Gabriel im Geiste des frühen Neoklassizismus sowohl Kammergebäude mit lyrischer Stimmung („Petit Trianon“ in Versailles, 1762–68) als auch ein neues Ensemble der Place Louis XV (heute Concorde) in Paris , das eine beispiellose Offenheit erlangte. Die von J. J. Soufflot errichtete Kirche St. Genevieve (1758–90; im späten 18. Jahrhundert wurde sie in ein Pantheon umgewandelt), hat im Grundriss ein griechisches Kreuz, ist mit einer riesigen Kuppel gekrönt und reproduziert eher akademische und trockene antike Formen . In der französischen Bildhauerei des 18. Jahrhunderts. Elemente des Neoklassizismus tauchen in einzelnen Werken von E. auf. Falcone, in Grabsteinen und Büsten von A. Houdon. Näher am Neoklassizismus stehen am Anfang die Werke von O. Pazhu (Porträt von Du Barry, 1773; Denkmal für J. L. L. Buffon, 1776). 19. Jahrhundert – D. A. Chaudet und J. Shinard, die eine Art zeremonielle Büste mit einem Sockel in der Form schufen herms. Der bedeutendste Meister des französischen Neoklassizismus und der Empire-Malerei war J.L. David. Das ethische Ideal in Davids historischen Gemälden zeichnete sich durch Strenge und Kompromisslosigkeit aus. Im „Eid der Horatier“ (1784) erlangten die Züge des Spätklassizismus die Klarheit einer plastischen Formel.

Der russische Klassizismus drückte sich am deutlichsten in Architektur, Skulptur und Historienmalerei aus. Zu den architektonischen Werken der Übergangszeit vom Rokoko zum Klassizismus zählen Bauwerke St. Petersburger Akademie der Künste(1764–88) A. F. Kokorinova und J. B. Vallin-Delamot und der Marmorpalast (1768–1785) A. Rinaldi. Der frühe Klassizismus wird durch die Namen von V.I. repräsentiert. Bazhenova und M.F. Kazakova. Viele Projekte Baschenows blieben unerfüllt, doch die architektonischen und städtebaulichen Ideen des Meisters hatten einen wesentlichen Einfluss auf die Entstehung des klassizistischen Stils. Ein charakteristisches Merkmal von Bazhenovs Gebäuden war die subtile Nutzung nationaler Traditionen und die Fähigkeit, klassizistische Strukturen organisch in die bestehenden Gebäude zu integrieren. Das Paschkow-Haus (1784–86) ist ein Beispiel für ein typisches Moskauer Adelshaus, das die Merkmale eines Landsitzes bewahrt hat. Die reinsten Beispiele dieses Stils sind das Senatsgebäude im Moskauer Kreml (1776–87) und das Dolgoruky-Haus (1784–90er Jahre). in Moskau, errichtet von Kasakow. Die frühe Phase des Klassizismus in Russland konzentrierte sich hauptsächlich auf die architektonische Erfahrung Frankreichs; später begann das Erbe der Antike und A. Palladio (N. A. Lvov; D. Quarenghi) eine bedeutende Rolle zu spielen. Der reife Klassizismus entwickelte sich im Werk von I.E. Starova(Tauridischer Palast, 1783–89) und D. Quarenghi (Alexandrowski-Palast in Zarskoje Selo, 1792–96). In der Empire-Architektur der Anfang. 19. Jahrhundert Architekten streben nach Ensemblelösungen.
Die Einzigartigkeit der russischen klassizistischen Skulptur besteht darin, dass in den Werken der meisten Meister (F. I. Shubin, I. P. Prokofjew, F. G. Gordeev, F. F. Shchedrin, V. I. Demut-Malinovsky, S. S. Pimenov, I. I. Terebeneva) der Klassizismus eng mit den Trends des Barock und des Rokoko verbunden war. Die Ideale des Klassizismus kamen in der monumentalen und dekorativen Skulptur deutlicher zum Ausdruck als in der Staffeleiskulptur. Der Klassizismus fand seinen reinsten Ausdruck in den Werken von I.P. Martos, der hohe Beispiele des Klassizismus im Genre der Grabsteine schuf (S. S. Volkonskaya, M. P. Sobakina; beide - 1782). M. I. Kozlovsky präsentierte im Denkmal für A. V. Suworow auf dem Champ de Mars in St. Petersburg den russischen Befehlshaber als mächtigen antiken Helden mit einem Schwert in der Hand, der eine Rüstung und einen Helm trug.
In der Malerei wurden die Ideale des Klassizismus am konsequentesten von den Meistern der Historienmalerei (A.P. Losenko und seine Schüler I.A. Akimov und P.I. Sokolov), in deren Werken Handlungsstränge der antiken Geschichte und Mythologie vorherrschen. An der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Das Interesse an der nationalen Geschichte nimmt zu (G.I. Ugryumov).
Die Prinzipien des Klassizismus als eine Reihe formaler Techniken wurden im gesamten 19. Jahrhundert weiterhin verwendet. Vertreter Akademismus.

Zeitpunkt des Auftretens.

In Europa- XVII - Anfang des 19. Jahrhunderts

Das Ende des 17. Jahrhunderts war eine Zeit des Niedergangs.

Der Klassizismus wurde im Zeitalter der Aufklärung wiederbelebt – Voltaire, M. Chenier und andere. Nach der Großen Französischen Revolution, mit dem Zusammenbruch rationalistischer Ideen, erlebte der Klassizismus einen Niedergang und die Romantik wurde zum vorherrschenden Stil der europäischen Kunst.

In Russland- im 2. Viertel des 18. Jahrhunderts.

Herkunftsort.

Frankreich. (P. Corneille, J. Racine, J. Lafontaine, J. B. Moliere usw.)

Vertreter der russischen Literatur, Werke.

A. D. Kantemir (Satire „Über diejenigen, die die Lehre lästern“, Fabeln)

V. K. Trediakovsky (Roman „Reiten zur Insel der Liebe“, Gedichte)

M. V. Lomonosov (Gedicht „Gespräch mit Anakreon“, „Ode am Tag der Thronbesteigung von Kaiserin Elisabeth Petrowna, 1747“

A. P. Sumarokov, (Tragödien „Khorev“, „Sinav und Truvor“)

Ya. B. Knyazhnin (Tragödien „Dido“, „Rosslav“)

G. R. Derzhavin (Ode „Felitsa“)

Vertreter der Weltliteratur.

P. Corneille (Tragödien „Cid“, „Horace“, „Cinna“.

J. Racine (Tragödien des Phaidros, Mithridates)

Voltaire (Tragödien „Brutus“, „Tancred“)

J. B. Moliere (Komödien „Tartuffe“, „Der Bürger im Adel“)

N. Boileau (Versabhandlung „Poetische Kunst“)

J. Lafontaine (Fabeln).

Klassizismus von Fr. classicisme, von lat. classicus - vorbildlich.

Merkmale des Klassizismus.

Der Zweck der Kunst- moralischer Einfluss auf die Erziehung edler Gefühle.
Vertrauen auf antike Kunst(daher der Name des Stils), der auf dem Prinzip der „Nachahmung der Natur“ basierte.
Die Basis ist das Prinzip Rationalismus((vom lateinischen „ratio“ – Vernunft), eine Sichtweise eines Kunstwerks als künstliche Schöpfung – bewusst geschaffen, intelligent organisiert, logisch konstruiert.
Kult des Geistes(Glaube an die Allmacht der Vernunft und daran, dass die Welt auf rationaler Basis neu organisiert werden kann).
Leitung staatliche Interessen über persönliche, das Vorherrschen bürgerlicher, patriotischer Motive, der Kult der moralischen Pflicht. Bestätigung positiver Werte und des Staatsideals.
Hauptkonflikt klassische Werke – das ist der Kampf des Helden zwischen Vernunft und Gefühl. Ein positiver Held muss immer eine Wahl zugunsten der Vernunft treffen (zum Beispiel muss er sich bei der Wahl zwischen Liebe und der Notwendigkeit, sich ganz dem Dienst des Staates zu widmen, für Letzteres entscheiden) und eine negative – zugunsten des Gefühls.
Persönlichkeit ist der höchste Wert der Existenz.
Harmonie Inhalt und Form.
Einhaltung von Regeln in einem dramatischen Werk „drei Einheiten“: Einheit von Ort, Zeit, Handlung.
Helden einteilen in positiv und negativ. Der Held musste eine Charaktereigenschaft verkörpern: Geiz, Heuchelei, Freundlichkeit, Heuchelei usw.
Strikte Hierarchie der Genres, Vermischung der Genres war nicht erlaubt:

"hoch"- episches Gedicht, Tragödie, Ode;

„Mitte“ – didaktische Poesie, Briefe, Satire, Liebesgedicht;

"niedrig"- Fabel, Komödie, Farce.

Reinheit der Sprache (in hohen Genres – hoher Wortschatz, in niedrigen Genres – Umgangssprache);
Einfachheit, Harmonie, Logik der Präsentation.
Interesse am Ewigen, Unveränderlichen, der Wunsch, typologische Merkmale zu finden. Daher weisen Bilder keine individuellen Merkmale auf, da sie in erster Linie darauf ausgelegt sind, stabile, generische Merkmale zu erfassen, die über einen längeren Zeitraum hinweg Bestand haben.
Soziale und pädagogische Funktion der Literatur. Bildung einer harmonischen Persönlichkeit.

Merkmale des russischen Klassizismus.

Die russische Literatur beherrschte die Stil- und Genreformen des Klassizismus, hatte aber auch ihre eigenen Merkmale, die sich durch ihre Originalität auszeichneten.

Der Staat (und nicht das Individuum) wurde in Verbindung mit dem Glauben an die Theorie des aufgeklärten Absolutismus zum höchsten Wert erklärt. Nach der Theorie des aufgeklärten Absolutismus sollte der Staat von einem weisen, aufgeklärten Monarchen geleitet werden, der von jedem verlangt, sich für das Wohl der Gesellschaft einzusetzen.
Allgemein patriotisches Pathos Russischer Klassizismus. Patriotismus russischer Schriftsteller, ihr Interesse an der Geschichte ihres Heimatlandes. Sie alle studieren russische Geschichte und schreiben Werke zu nationalen und historischen Themen.
Menschheit, da die Richtung unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung entstand.
Die menschliche Natur ist egoistisch, unterliegt Leidenschaften, also Gefühlen, die der Vernunft widersprechen, aber gleichzeitig zugänglich sind Ausbildung.
Bekräftigung der natürlichen Gleichheit aller Menschen.
Hauptkonflikt- zwischen Aristokratie und Bürgertum.
Im Mittelpunkt der Arbeiten stehen nicht nur die persönlichen Erfahrungen der Figuren, sondern auch gesellschaftliche Probleme.
Satirischer Schwerpunkt- Einen wichtigen Platz nehmen Genres wie Satire, Fabel und Komödie ein, die bestimmte Phänomene des russischen Lebens satirisch darstellen;
Die Vorherrschaft nationaler historischer Themen gegenüber antiken. In Russland war „Antike“ häusliche Geschichte.
Hoher Entwicklungsstand des Genres Oden(von M. V. Lomonosov und G. R. Derzhavin);
Die Handlung basiert normalerweise auf einer Dreiecksbeziehung: die Heldin – der Heldenliebhaber, der zweite Liebhaber.
Am Ende einer klassischen Komödie wird das Laster immer bestraft und das Gute triumphiert.

Drei Perioden des Klassizismus in der russischen Literatur.

30-50er Jahre des 18. Jahrhunderts (die Geburt des Klassizismus, die Entstehung der Literatur, der Nationalsprache, die Blüte des Odengenres - M. V. Lomonosov, A. P. Sumarkov usw.)
60er Jahre - Ende des 18. Jahrhunderts (die Hauptaufgabe der Literatur ist die Erziehung eines Menschen zum Bürger, der Dienst eines Menschen zum Wohle der Gesellschaften, die Aufdeckung der Laster der Menschen, das Aufblühen der Satire - N. R. Derzhavin, D. I. Fonviin ).
Ende des 18. - Anfang des 19. Jahrhunderts (die allmähliche Krise des Klassizismus, die Entstehung des Sentimentalismus, die Stärkung realistischer Tendenzen, nationale Motive, das Bild eines idealen Adligen - N. R. Derzhavin, I. A. Krylov usw.)

Material vorbereitet von: Melnikova Vera Aleksandrovna.

Die Propyläen des bayerischen Architekten Leo von Klenze (1784–1864) sind dem Athener Parthenon nachempfunden. Dies ist das nach antikem Vorbild gestaltete Eingangstor zum Königsplatz. Königsplatz, München, Bayern.

Der Klassizismus beginnt seine Chronologie im 16. Jahrhundert während der Renaissance, kehrt teilweise ins 17. Jahrhundert zurück, entwickelt sich aktiv weiter und erobert im 18. und frühen 19. Jahrhundert Positionen in der Architektur. Zwischen Früh- und Spätklassizismus dominierten die Stilrichtungen Barock und Rokoko. Die Rückkehr zu alten Traditionen als Idealmodell erfolgte vor dem Hintergrund einer Veränderung der Gesellschaftsphilosophie sowie der technischen Möglichkeiten. Obwohl die Entstehung des Klassizismus mit archäologischen Funden in Italien verbunden ist und sich die Denkmäler der Antike hauptsächlich in Rom befanden, fanden die wichtigsten politischen Prozesse im 18. Jahrhundert hauptsächlich in Frankreich und England statt. Hier nahm der Einfluss des Bürgertums zu, dessen ideologische Grundlage die Philosophie der Aufklärung war, was zur Suche nach einem Stil führte, der die Ideale der neuen Klasse widerspiegelte. Antike Formen und Raumorganisationen entsprachen den Vorstellungen des Bürgertums über die Ordnung und richtige Struktur der Welt, was zur Entstehung von Merkmalen des Klassizismus in der Architektur beitrug. Der ideologische Mentor des neuen Stils war Winckelmann, der in den 1750er und 1760er Jahren schrieb. Werke „Gedanken zur Nachahmung griechischer Kunst“ und „Geschichte der Künste der Antike“. Darin sprach er von griechischer Kunst voller edler Einfachheit und ruhiger Majestät, und seine Vision bildete die Grundlage der Bewunderung für die Schönheit der Antike. Der europäische Aufklärer Gotthold Ephraim Lessing (Lessing. 1729 -1781) stärkte die Einstellung zum Klassizismus durch das Werk „Laokoon“ (1766). Aufklärer des 18. Jahrhunderts, Vertreter des fortschrittlichen Denkens in Frankreich, kehrten als Richtung zu den Klassikern zurück gegen die dekadente Kunst der Aristokratie, die sie als Barock und Rokoko betrachteten. Sie wandten sich auch gegen den akademischen Klassizismus, der in der Renaissance vorherrschte. Ihrer Meinung nach sollte die Architektur des Klassizismus, getreu dem Geist der Antike, nicht eine einfache Wiederholung antiker Vorbilder bedeuten, sondern mit neuen Inhalten gefüllt werden, die den Zeitgeist widerspiegeln. Somit sind die Merkmale des Klassizismus in der Architektur des 18. und 19. Jahrhunderts erkennbar. bestand in der Verwendung antiker Gestaltungssysteme in der Architektur, um die Weltanschauung der neuen bürgerlichen Klasse auszudrücken und gleichzeitig den Absolutismus der Monarchie zu unterstützen. Infolgedessen stand Frankreich in der napoleonischen Zeit an der Spitze der Entwicklung der klassischen Architektur. Dann - Deutschland und England sowie Russland. Rom wurde zu einem der wichtigsten theoretischen Zentren des Klassizismus.

Residenz der Könige in München. Residenz München. Architekt Leo von Klenze.

Die Architekturphilosophie des Klassizismus wurde durch archäologische Forschungen, Entdeckungen auf dem Gebiet der Entwicklung und Kultur antiker Zivilisationen gestützt. Die Ergebnisse der Ausgrabungen, präsentiert in wissenschaftlichen Arbeiten und Bildalben, legten den Grundstein für einen Stil, für dessen Anhänger die Antike den Gipfel der Vollkommenheit, ein Vorbild der Schönheit darstellte.

Merkmale des Klassizismus in der Architektur

In der Kunstgeschichte bezeichnet der Begriff „klassisch“ die Kultur der alten Griechen des 4.-6. Jahrhunderts. Chr. Im weiteren Sinne wird damit die Kunst des antiken Griechenlands und des antiken Roms bezeichnet. Die Merkmale des Klassizismus in der Architektur beziehen ihre Motive aus den Traditionen der Antike, verkörpert durch die Fassade eines griechischen Tempels oder eines römischen Gebäudes mit Portikus, Kolonnaden, Dreiecksgiebel, Wandteilung durch Pilaster, Gesimse – Elemente des Ordnungssystems . Die Fassaden sind mit Girlanden, Urnen, Rosetten, Palmetten und Mäandern, Perlen und Ionien geschmückt. Die Grundrisse und Fassaden sind symmetrisch zum Haupteingang. Bei der Farbgebung der Fassaden dominiert eine helle Farbpalette, während die weiße Farbe dazu dient, die Aufmerksamkeit auf architektonische Elemente zu lenken: Säulen, Portiken usw., die die Tektonik des Gebäudes betonen.

Taurisches Schloss. St. Petersburg. Architekt I. Starov. 1780er Jahre

Charakteristische Merkmale des Klassizismus in der Architektur: Harmonie, Ordnung und Einfachheit der Formen, geometrisch korrekte Volumen; Rhythmus; ausgewogener Grundriss, klare und ruhige Proportionen; die Verwendung von Elementen der Ordnung der antiken Architektur: Portiken, Kolonnaden, Statuen und Reliefs auf der Oberfläche der Wände. Ein Merkmal des Klassizismus in der Architektur verschiedener Länder war die Kombination alter und nationaler Traditionen.

Das Londoner Osterley Mansion ist ein Park im klassizistischen Stil. Es vereint das traditionelle Ordnungssystem der Antike mit Anklängen an die Gotik, die die Briten als Nationalstil betrachteten. Architekt Robert Adam. Baubeginn - 1761

Die Architektur der klassischen Ära basierte auf in ein strenges System gebrachten Normen, die es ermöglichten, nach den Zeichnungen und Beschreibungen berühmter Architekten nicht nur im Zentrum, sondern auch in den Provinzen zu bauen, wo lokale Handwerker gravierte Kopien davon erwarben Vorbildliche Entwürfe großer Meister und gebaute Häuser nach ihnen. Marina Kalabuchowa

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