Ultima lucrare a lui Rembrandt. Scurtă biografie a lui Rembrandt și a operei sale

Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu grijă cuvintele, figurile de stil potrivite, nu știți de unde să începeți... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.

În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - în timpul orelor de MHC la institut, cu tobogane vechi într-o clasă întunecată în serile lungi de decembrie. În tinerețea mea - în uimitoarea Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am ținut deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut zeci de excursii, dar încă am senzația că acum ești pe cale să te cufunda în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.

Este ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării unde te-ai găsit pentru prima dată. Nu știi dacă apa este rece acolo sau câte pietre sunt în fund. Anticiparea și îndoiala îți fac mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - săriți în alergare, simțindu-vă inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul vostru este dusă undeva în depărtare, iar acum sunteți singur cu ceva complet nou... Ei bine, bine! Să sărim, să deschidem ochii și să ne uităm!

La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. A fost considerat cel mai bun maestru al picturii portretistice într-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei - Amsterdam.

Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze așa ceva! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să lumineze toate deficiențele persoanei, dar Rembrandt a gândit diferit. Portretele lui erau vii. Ele transmiteau caracter; au conținut conflict. Iată un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Vtenbogaert.



Aproape întreaga avere a republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă de blană de samur rusesc - indică clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și imediat vă vine în minte pânza marelui predecesor al lui Rembrandt -. Nu îl privește apostolul pe Hristos cu aceeași expresie atunci când îl cheamă la sine? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez a putut să arate acest lucru într-un moment înghețat.

Rembrandt Harmens van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Pentru el era important să surprindă cele mai mici nuanțe de emoții.

Fața umană, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului; el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde, cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică la maestrul nostru.

Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acesta este tabloul „Coborârea de pe cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești omenești cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu îl făcuse înainte sau după el.



Ierusalimul din fundal se îneacă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul de cea mai mare disperare; nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul bărbatului pe care l-au iubit și l-au închinat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.

Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat vizibil. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile unui băiat, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină se spune aici povestea adevărată, se dezvăluie sensul filosofic al tabloului.

Lumina felinarului este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o introducere în misterul său. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Ceea ce iese în evidență din întuneric este chipul Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, în care urmează să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a folosit pentru prima dată o tehnică care, în ultimii ani ai vieții sale, a devenit centrală pentru munca sa.

Și acum vedem cum un om care a stăpânit perfect tehnica scrisului a pictat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar, pe măsură ce ne-am îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.

Cu toate acestea, există un alt personaj pe această pânză care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și pare să-ți pună o întrebare:

„Te-ai implicat în ceea ce se întâmplă?”

Da, maestrul olandez nu a fost niciodată mulțumit de rama unui tablou; a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume și că privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a coborât de pe culmile gloriei în abisul uitării de secole.

Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmens van Rijn a experimentat acest lucru direct în 1642. Bineînțeles, au existat dureri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.

Putem vorbi la nesfârșit despre „Night Watch” al lui Rembrandt. Acest tablou este atât de mare în conținutul său, atât de unic în compoziția sa structurată, încât istoria creației sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care mai târziu a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporanii săi.



Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați și mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru munca artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a suferit un fiasco cu cea mai bună lucrare a sa. S-ar părea că este suficient, dar nu, acesta a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere cu fiul său iubit Titus.

Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și ar putea primi din nou bani mari pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. Portretele sale nu mai erau ale oamenilor bogați, ci ale celor mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.



Rembrandt nu mai era interesat de reprezentările detaliate ale tuturor articolelor de îmbrăcăminte; s-a străduit pentru o mai mare abstracție, străduindu-se să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.

În loc de o imagine clasică, pompoasă, patriotică, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.



În fața noastră este o imagine a unui festin barbar, nepoliticos, inestetic. Acest tablou a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este surprinzător că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.

Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv „Întoarcerea fiului risipitor” într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum Rembrandt a putut să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului plouau asupra lui de pretutindeni. Acest lucru nu a putut continua mult timp, iar artistul a avut un presentiment.

Lovitura finală este întotdeauna dată în locul cel mai dureros. Era singurul său fiu, Titus - un băiat foarte bolnav care semăna cu mama lui moartă. El a fost cel mai des înfățișat Rembrandt la acea vreme: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și lectură, precum și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... Nu a fost posibil...

După părerea mea, „Portretul lui Titus în robe de călugăr” este una dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. Toată dragostea tatălui ei și tot talentul ei de pictor s-a manifestat în ea. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta spre tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja corpul, un lucru iese în evidență - chipul palid al fiului artistului, cu ochii în jos, plini de smerenie.



Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar cu un an.

Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a primit totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de picturile lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, care și-au ales propriul drum unic în loc de faimă și bani.

Picturile sale pot fi văzute în multe muzee din întreaga lume, astăzi este cunoscut de fiecare persoană de pe Pământ. Frica și bucuria, surprinderea și indignarea se reflectă atât de firesc în lucrările sale, încât este imposibil să nu le crezi. Popularitatea sălbatică, soarta tragică și declinul trist al vieții rămân încă un motiv de bârfă și raționament filozofic.

Tineret

Artistul Rembrandt s-a născut într-o familie de brutari în 1606 în orașul olandez Leiden, situat pe malul Rinului. Foarte devreme a simțit talent artistic. După ce a studiat acasă câțiva ani, tânărul a plecat la Amsterdam pentru a lua lecții de la celebrul pictor Lastman. Antrenamentul nu a durat mult, iar la vârsta de 19 ani, Rembrandt s-a întors înapoi la Leiden. În acest moment, a pictat portrete ale familiei și prietenilor săi și, de asemenea, a acordat o mare atenție autoportretelor. Multe dintre lucrările autorului au supraviețuit până în zilele noastre, unde el se înfățișează în diferite imagini.

Mărturisire

Într-o zi, un artist aspirant primește o comandă excelentă de la Guild of Surgeons. Așa apare lucrarea „Lecția de anatomie”. Pictura îi aduce recunoaștere lui Rembrandt. Primește imediat peste cincizeci de comenzi pentru portrete ale nobililor și ale nobilimii din Amsterdam. Concomitent cu popularitatea, și bunăstarea maestrului crește. Începe să colecționeze antichități și costume de epocă. El cumpără o casă de lux, pe care o umple cu mobilier antic rafinat și obiecte de artă.

Saskia

La vârsta de 28 de ani, Rembrandt, ale cărui picturi deveneau din ce în ce mai populare, s-a căsătorit cu o fată bogată, Saskia. S-a căsătorit din dragoste și nu numai că a salvat, dar și a mărit capitalul iubitei sale. Rembrandt și-a idolatrizat soția, deseori înfățișând-o în diferite moduri în lucrările sale. Unul dintre cele mai cunoscute tablouri ale artistului, Autoportret cu Saskia, înfățișează un Rembrandt fericit alături de tânăra sa soție. În același timp, artistul a primit o comandă pentru o serie de lucrări cu un complot biblic. Așa apar picturile lui Rembrandt cu titlurile „Jertfa lui Avraam” și „Sărbătoarea lui Belșațar”. Din această perioadă datează și una dintre cele mai faimoase lucrări ale maestrului, „Danae”. Tabloul a fost rescris de artist de mai multe ori și are mai multe versiuni originale.

Apus de soare al vieții

Timpul lipsit de griji al artistului nu a durat mult. Nu tuturor le-a plăcut felul lui Rembrandt de a descrie o persoană așa cum este. După ce a fost pictat tabloul „Night Watch”, a izbucnit un scandal incredibil. Pe pânză au apărut străini. Poate că motivul a fost că în mijlocul muncii, iubita lui Saskia moare de tuberculoză. În imagine, alături de figurile arcașilor, puteți vedea silueta unei fete, atât de reminiscentă de soția maestrului. Popularitatea autorului începe să scadă. Aproape că nu există comenzi noi. După ce și-a pierdut casa și toate proprietățile, Rembrandt, ale cărui picturi capătă un nou sens, filozofic, începe să-i înfățișeze pe oameni obișnuiți și pe cei dragi săi. Scrie mult despre fiul său, precum și despre oamenii care îl înconjoară în ultimii ani de viață. În acest moment, s-au născut picturile lui Rembrandt cu titlurile „Portretul unui bătrân în roșu”, „Portretul fiului lui Titus Reading” și alte lucrări. La sfârșitul vieții sale, din stiloul maestrului apare o altă capodoperă - „Întoarcerea fiului risipitor”. În acest tablou, maestrul se înfățișează pe sine ca un rătăcitor etern care este forțat să hoinărească pe drumurile dificile ale faimei schimbătoare. În 1969, după ce și-a îngropat fiul și mireasa, Rembrandt însuși moare, lăsând pentru totdeauna amprenta sa creativă pe această lume. Astăzi, picturile artistului ocupă un loc de onoare în orice muzeu important din lume.

Cel mai Rembrandt. „Lecția de anatomie” (1632)

Acest tablou este primul comision major primit de Rembrandt după mutarea sa la Amsterdam. Pânza înfățișează autopsia efectuată de dr. Tulp. Doctorul își ține tendoanele mâinilor cu pense, arătându-le elevilor cum se îndoaie degetele. Astfel de portrete de grup erau foarte populare în rândul breslelor de medici la acea vreme. Adevărat, de regulă, membrii grupului au pozat pentru ei, stând la rând. Rembrandt, ale cărui picturi s-au remarcat prin naturalețe și realism, a înfățișat studenții într-un cerc apropiat, ascultând cu atenție cuvintele doctorului Tulp. Fețele palide și cadavrul însuși ies în evidență ca pete de lumină strălucitoare pe fundalul sumbru și întunecat al imaginii. Lucrarea i-a adus lui Rembrandt prima sa popularitate, după care comenzile au plouat asupra autorului cu o viteză incredibilă.

„Autoportret cu Saskia” (1635)

De-a lungul vieții, Rembrandt a pictat un număr incredibil de autoportrete. Acest tablou este unul dintre cele mai cunoscute. Aceasta înfățișează bucuria artistului de fericirea de a-și stăpâni iubita. Starea emoțională a pictorului se reflectă în privirea deschisă a personajelor, în chipul strălucitor al lui Rembrandt, parcă s-ar sufoca de fericire și bunăstare. Cu toate acestea, în portret se ascunde și o provocare ascunsă: la urma urmei, artistul se înfățișează în imaginea aceluiași „fiu risipitor” care se ospătă cu o curtezană obișnuită. Cât de diferit este „fiul risipitor” din acest autoportret de cel pe care publicul îl cunoaște din tabloul cu același nume!

„Danae” (1636)

Cel mai faimos dintre tablourile lui Rembrandt. A fost scrisă pe baza mitului mamei lui Perseus, Danaë. Potrivit legendei, tatăl fetei a aflat că va muri din cauza fiului propriei sale fiice și a închis-o într-o temniță. Zeus a intrat în prizonier sub forma unei ploi de aur, după care s-a născut Perseu. Pictura atrage prin colorarea sa neobișnuită, caracteristică operei artistului. În centru se află o femeie goală, al cărei corp este iluminat de lumina puternică a soarelui. În această imagine, Rembrandt, ale cărui picturi înfățișează adesea oameni apropiați, a surprins imaginea iubitei sale soții Saskia. Imaginea îngerului a fost adăugată după moartea soției sale. Se pare că el plânge mereu după soarta defunctului. Rembrandt a petrecut mult timp rescriind creația sa preferată, schimbând starea de spirit a picturii în conformitate cu sentimentele sale. Combinația de tonuri strălucitoare și lumini aurii uimește prin rafinament și splendoare.

Soarta picturii este surprinzătoare și dramatică, la fel ca și povestea de viață a artistului însuși. După moartea autorului, capodopera a schimbat mulți proprietari. După achiziționarea lucrării de către Ecaterina a II-a, „Danae” a ocupat locul de mândrie în celebra colecție Hermitage. În 1985, la muzeu a avut loc un incident neplăcut, care aproape a lipsit lumea de oportunitatea de a contempla creația lui Rembrandt. Un nebun s-a apropiat de tablou și a aruncat acid pe el. Vopseaua a început imediat să clocotească. Dar nici acest lucru nu a fost suficient pentru atacator: a reușit să facă câteva tăieturi pe pânză cu un cuțit înainte de a fi oprit. Daunele au afectat aproximativ 30% din capodopera. Maniacul s-a dovedit a fi un anume Bronius Maigis, care a petrecut ulterior 6 ani într-o clinică de psihiatrie. Restaurarea picturii a durat 12 ani. Acum este expusă în Schit, protejând capodopera de vandali. Un alt fapt interesant. Opera de artă și reproducerile sale sunt adesea prezentate în filme. De exemplu, „Danae” apare în seria „Gangster Petersburg” ca pictura lui Rembrandt „Aegina”.

„Vizorul de noapte” (1642)

Pictura a fost comandată lui Rembrandt de șeful unei divizii de infanterie. Pânza înfățișează o companie de miliție care pleacă în campanie. Muschetarii, încurajați de bătăile tobelor, sunt înfățișați alături de soldați de diferite stări sociale și vârste, gata de luptă. Toate sunt unite de masculinitate și impuls patriotic. Lucrarea se remarcă prin meticulozitatea sa în desenarea tuturor imaginilor și detaliilor. Pictura lui Rembrandt „The Night Watch” evocă privitorilor care o privesc un sentiment complet al realității a tot ceea ce se întâmplă. Autorul a încercat nu numai să arate trăsăturile exterioare ale tuturor personajelor, ci și să dezvăluie lumea interioară a fiecărui soldat. Apoteoza imaginii este arcul de triumf - un simbol al succeselor trecute și un prevestitor al unei noi victorii glorioase. Cu ajutorul culorilor colorate (auriu, negru și galben), privitorul dezvăluie energia, dramatismul și solemnitatea stării de spirit a armatei. Caracterul și soarta fiecărui personaj pot fi citite datorită pensulei unui artist celebru.

Există multe versiuni despre fată descrisă aproape în centrul imaginii. Ea diferă de toți ceilalți prin culorile ei strălucitoare și aspectul angelic. Poate că acesta este un fel de mascota miliției. Potrivit unei alte versiuni, fata este imaginea iubitei soții a autorului, care a plecat într-o altă lume în mijlocul picturii. După cum știți, munca nu a fost pe placul clienților. După ce au cumpărat tabloul, au tăiat în mod barbar pânza și au atârnat-o în sala de banchet.

„Întoarcerea fiului risipitor” (1666-1669)

Pictura lui Rembrandt „Întoarcerea fiului risipitor” este unul dintre cele mai izbitoare culmi ale operei celebrului artist. A fost scrisă în ultimii ani ai vieții maestrului. Acesta este timpul când era foarte bătrân și slab, în ​​nevoie și flămând. Tema fiului risipitor a apărut în mod repetat în opera artistului. Această lucrare este o concluzie, un rezumat al anilor de rătăcire creativă a celebrului autor. Tabloul radiază toată căldura și profunzimea paletei lui Rembrandt. Culorile strălucitoare și jocul grațios de lumini și umbre evidențiază imaginile personajelor principale. Înfățișarea venerabilului bătrân și a fiului său risipitor exprimă o întreagă gamă de sentimente diferite: pocăință și iubire, milă și amărăciunea înțelegerii întârziate. Potrivit criticilor de artă, „The Return” a dezvăluit tot talentul psihologic al pictorului. Și-a pus toată experiența creativă acumulată, toată pasiunea, toată inspirația în creația sa.

Concluzie

Este greu de imaginat cum le-a descris Rembrandt pe cei prezentați în acest articol. Câți ani au trecut de la crearea lor, câtă funingine de la lumânările de seu le-a acoperit de-a lungul a trei secole de istorie! Putem doar ghici cum arătau de ziua lor de naștere. Între timp, până în ziua de astăzi, milioane de fani ai talentului celebrului pictor din diferite muzee din întreaga lume vin să privească capodoperele sale.

Viitorul reformator al artelor plastice s-a născut în familia unui morar bogat din Leiden. Băiatul a arătat un interes pentru pictură încă din copilărie, așa că la vârsta de 13 ani a fost ucenic la artistul din Leiden Jacob van Swanenburch. Rembrandt a studiat mai târziu cu pictorul din Amsterdam Pieter Lastman, care s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice.

Deja în 1627, Rembrandt a reușit să-și deschidă propriul atelier împreună cu prietenul său Jan Lievens - tânărul pictor, care abia avea 20 de ani, a început să recruteze el însuși studenți.

Deja în primele lucrări ale lui Rembrandt, un stil special de pictură este clar vizibil, care începe să prindă contur - artistul se străduiește să-și picteze personajele cât mai emoțional posibil, literalmente fiecare centimetru al pânzei este plin de dramă. Chiar la începutul călătoriei sale, viitorul maestru de neîntrecut al lucrului cu clarobscurul și-a dat seama de puterea acestei tehnici de transmitere a emoțiilor.

În 1631, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde a fost întâmpinat extrem de entuziasmat; cunoscătorii de artă au comparat stilul de pictură al tânărului artist cu lucrările lui Rubens însuși - apropo, Rembrandt a fost bucuros să ia repere de la mare parte din estetica acestui artist.

Perioada de lucru din capitala olandeză a devenit un reper pentru genul portretului în opera lui Rembrandt - aici maestrul a pictat multe studii despre capete de femei și bărbați, lucrând cu atenție fiecare detaliu, înțelegând toate subtilitățile expresiilor faciale ale omului. față. Artistul pictează orășeni înstăriți - faima sa se răspândește rapid și devine cheia succesului comercial - și lucrează mult și la autoportrete.

Soarta lui Rembrandt – atât personală, cât și creativă – nu a fost ușoară. Favorizat devreme de faimă și succes, talentatul pictor și-a pierdut brusc clienți bogați care nu au reușit să realizeze curajul revoluționar al lucrărilor sale. Moștenirea lui Rembrandt a fost cu adevărat apreciată doar două secole mai târziu - în secolul al XIX-lea, artiștii realiști s-au inspirat din picturile acestui maestru, unul dintre cei mai străluciți reprezentanți ai epocii de aur a picturii olandeze.

1. „Danae” (1633-1647)

Chiar dacă nu știi nimic despre Rembrandt și nu ești deloc interesat de pictură, acest tablou îți este cu siguranță familiar. Pânza, depozitată în Schitul din Sankt Petersburg, a fost aproape pierdută pentru totdeauna în 1985, din cauza unui vandal care a stropit-o cu acid sulfuric și apoi a tăiat pânza cu un cuțit.

Pictura, care înfățișează o fată goală întinsă pe un pat în razele de lumină nepământeană, a fost pictată de Rembrandt pentru casa lui - tema a fost faimosul mit grec antic despre frumoasa Danae, viitoarea mamă a câștigătoarei Medusa Perseus și Zeus Tunetorul. Însăși apariția lui Danae a reprezentat o ghicitoare pentru cercetătorii în creativitate, care a fost rezolvată abia recent: se știe că modelul lui Rembrandt a fost soția sa Saskia van Uylenburch, dar Danae care a ajuns până la noi nu seamănă deloc cu soția artistului. Un studiu cu raze X al pânzei a arătat că Rembrandt a rescris parțial chipul lui Danae după moartea soției sale - și a făcut-o asemănătoare cu chipul celui de-al doilea iubit, dădaca fiului său Titus, Gertje Dirks. Cupidon care plutea deasupra lui Danae arăta și el inițial diferit - zeul înaripat a râs, dar în versiunea finală a existat o suferință înghețată pe față.

După atacul asupra picturii din 1985, a fost nevoie de 12 ani pentru a o restaura. Pierderea picturii a fost de 27%; cei mai buni maeștri au lucrat la restaurarea capodopera lui Rembrandt - dar nu existau garanții de succes. Din fericire, pânza a fost salvată; acum pictura este protejată în mod fiabil de sticlă blindată.

2. „Pazul de noapte”, (1642)

Faceți clic pe imagine pentru a intra în modul de vizualizare


Pânza colosală, de aproape patru metri, a devenit cu adevărat fatală în cariera creatorului său. Titlul corect al picturii este „Performanța companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Ruytenburg”. A devenit „Cegul de noapte” după ce istoricii de artă l-au descoperit, uitat timp de două secole. S-a decis că pictura înfățișează mușchetari în timpul unei slujbe de noapte - și abia după restaurare a devenit clar că sub stratul de funingine era o colorare originală complet diferită - umbrele vorbesc elocvent despre asta - acțiunea pe pânză are loc în jurul orei 2 ora dupa-amiaza.

Lucrarea a fost comandată de Rembrandt de la Shooting Society, o unitate de miliție civilă din Țările de Jos. Un portret de grup de șase companii urma să decoreze noua clădire a societății - lui Rembrandt i sa cerut să picteze compania de puști a căpitanului Frans Banning Cock. Artistul era de așteptat să facă un portret ceremonial tradițional - toate personajele la rând - dar a decis să înfățișeze mușchetarii în mișcare. Compoziția îndrăzneață, în care fiecare figură este cât se poate de dinamică, nu a găsit înțelegere în rândul clientului - nemulțumirea a fost cauzată de faptul că unele dintre cele ilustrate erau clar vizibile, în timp ce altele erau în fundal. „The Night Watch” a rupt literalmente cariera lui Rembrandt - după acest tablou, clienții bogați obișnuiți s-au îndepărtat de pictor, iar stilul său de pictură s-a schimbat radical.

Apropo, soarta acestui tablou nu este mai puțin tragică decât cea a lui „Danae”. Pentru început, în secolul al XVIII-lea a fost tăiat complet în mod barbar pentru a se încadra în noua sală a Societății de Tragere. Așa că mușchetarii Jacob Dirksen de Roy și Jan Brugman au dispărut din imagine. Din fericire, s-a păstrat o copie a picturii originale. „Night Watch” a fost atacat de vandali de trei ori: prima dată a fost tăiată o bucată mare de pânză, a doua oară pictura a fost înjunghiată de 10 ori și a treia oară a fost stropită cu acid sulfuric.

Acum pânza este păstrată în Rijksmuseum - Muzeul Național din Amsterdam. Puteți privi această imagine timp de multe ore - toate personajele sunt descrise atât de detaliat pe pânza imensă, atât „fabricate la comandă” (de fapt, sunt 18 mușchetari), cât și cele adăugate de Rembrandt la propria discreție (16 figuri, cea mai misterioasă este fetița din locul „secțiunilor de aur” ale tabloului)

3. „Fiul risipitor în cârciumă” (1635)

Faceți clic pe imagine pentru a intra în modul de vizualizare

Acest autoportret al artistului cu iubita sa soție Saskia în poală este păstrat în Galeria Old Masters din Dresda (cunoscută și sub numele de Galeria Dresda). Nu există nicio îndoială că artistul a pictat acest tablou fiind absolut fericit. În această perioadă a vieții sale, Rembrandt a muncit din greu și fructuos, a fost popular, a primit taxe mari pentru lucrările sale și printre clienții săi se numărau oameni celebri și bogați. Maestrul a reelaborat complotul din Evanghelia lui Luca în spiritul vremurilor - fiul risipitor este îmbrăcat într-o camisolă și o pălărie cu boruri largi, cu o penă, desfrânata din poală este și ea îmbrăcată în moda vremii. Apropo, acesta este singurul tablou al unui autoportret al artistului împreună cu soția sa - Rembrandt a făcut o altă imagine despre el și Saskia în același spațiu pictural folosind tehnica gravurii în 1638. În ciuda tonului general vesel al imaginii, autorul nu a uitat să vă reamintească că, mai devreme sau mai târziu, va trebui să plătiți pentru tot în această viață - acest lucru este evidențiat în mod elocvent de placa de ardezie din fundal, unde foarte curând petrecătorul va fi facturat. Ar fi putut Rembrandt să ghicească cât de mare va fi propria lui răzbunare pentru talentul său?

4. „Întoarcerea fiului risipitor” (1666-1669)

Faceți clic pe imagine pentru a intra în modul de vizualizare

Aceasta este cea mai mare pictură a lui Rembrandt pe o temă religioasă și este păstrată în Ermite. Centrul semantic al imaginii este puternic deplasat în lateral, figurile principale sunt evidențiate cu lumină, caracterele rămase sunt acoperite în umbră, ceea ce face imposibilă greșeala când citiți ceea ce este descris. Apropo, toate picturile lui Rembrandt sunt unite de un detaliu important - în ciuda clarității generale a intrigii principale, fiecare pictură conține mistere pe care istoricii de artă nu le pot rezolva. La fel ca fata din The Night's Watch, Return of the Prodigal Son prezintă personaje învăluite în mister. Sunt patru dintre ei - cineva le numește în mod convențional „frați și surori” ale personajului principal. Unii cercetători interpretează figura feminină din spatele coloanei ca pe un al doilea fiu ascultător - deși în mod tradițional acest rol este atribuit bărbatului din prim-plan. Acest bărbat, bărbos, cu toiagul în mâini, ridică nu mai puține întrebări - în Evanghelia după Luca, fratele decanului a venit în fugă să întâmpine ruda risipitoare direct de pe câmp, dar aici este înfățișat mai degrabă ca un nobil rătăcitor, poate chiar Evreul Etern. Apropo, este posibil ca Rembrandt să se fi descris în acest fel - autoportretele, după cum știți, nu sunt neobișnuite în picturile sale.

5. „Saskia as Flora” (1634)

Faceți clic pe imagine pentru a intra în modul de vizualizare

Majoritatea imaginilor feminine de pe pânzele lui Rembrandt din 1934-1942 au fost pictate de la iubita soție a artistului, Saskia van Uylenburch. În imaginea străvechii zeițe a primăverii Flora, maestrul a descris-o pe Saskia de trei ori - portretul pe care îl luăm în considerare a fost creat în anul nunții lor - este clar cu ochiul liber că Rembrandt și-a idolatrizat soția, a admirat-o și a pus totul. tandrețea lui în pictură.

Saskia avea 22 de ani la momentul căsătoriei; la 17 a rămas orfană. Un incident a adus-o împreună cu viitorul ei soț - a venit la Amsterdam să-și viziteze verișoara, soția predicatorului Johann Cornelis Silvius, care l-a cunoscut pe Rembrandt. Nunta a avut loc la 10 iunie 1634. În 1942 - la doar un an după nașterea fiului mult așteptat Titus - Saskia a murit.

Flora-Saskia este întruchiparea tinereții, prospețimii și castității; există atât de multă timiditate fermecătoare și prospețime de fetiță în aspectul ei. Rembrandt a combinat cu pricepere portretele pastorale și istorice în acest tablou. Apropo, dintre cele trei Flore pictate împreună cu soția sa (celelalte două tablouri au fost create în 1935 și 1941), primul se referă cel mai mult la antichitate, celelalte două portrete sugerează mitul doar cu detalii abia sesizabile. „Saskia ca Flora” se păstrează în Schit.

Autoportret de Rembrandt, 1661. Ulei pe pânză, 114x91.
Kenwood House, Londra, English Heritage.
Ilustrație de pe site-ul http://rembr.ru/

Rembrandt, Harmenz van Rijn (1606–1669), pictor, desenator și gravor olandez, unul dintre cei mai mari maeștri ai artei vest-europene. Născut la Leiden la 15 iulie 1606 în familia unui morar bogat. În 1620 a intrat la Universitatea din Leiden, dar nu a stat mult acolo și în curând a devenit studentul artistului local Jacob Isaacs Swanenburch. În jurul anului 1623 s-a mutat la Amsterdam, unde a intrat în atelierul lui Jan Peynas și a studiat cu maestrul picturii istorice Pieter Lastman. Acesta din urmă l-a introdus pe Rembrandt în operele maeștrilor artei italiene. Din 1625 până în 1631, Rembrandt și-a păstrat propriul atelier în Leiden, lucrând uneori cu pictorul și gravorul Jan Lievens. Dintre elevii lui Rembrandt, Gerard Dou este cel mai faimos.

În 1631 sau la sfârșitul lui 1632, Rembrandt s-a întors la Amsterdam. La 22 iunie 1635 s-a căsătorit cu Saskia van Uylenburch, fiica bogatului burgmaster din Leuwarden. În 1642, succesul în creativitate și viața personală a făcut loc unei serii de nenorociri. La sfârșitul anilor 1630, i s-au născut patru copii unul după altul, dar toți au murit în copilărie, iar apoi, la 14 iunie 1642, iubita lui soție a murit brusc. Artistul a rămas alături de fiul său, Titus, în vârstă de un an. The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), finalizat la scurt timp după moartea lui Saskia, marchează începutul noilor sale explorări creative.

La sfârșitul anilor 1640, Hendrikje Stoffels a devenit soția neoficială a lui Rembrandt (conform testamentului lui Saskia, acesta nu se putea căsători a doua oară). În 1654 s-a născut fiica lor Cornelia. Cu toate acestea, acum artistul era bântuit de dificultăți financiare. În iulie 1656 a fost forțat să declare faliment, iar în următorii doi ani colecția sa remarcabilă a fost vândută. Dorind să-l ajute pe Rembrandt, la sfârșitul anului 1658 Titus și Hendrikje au început să se angajeze în comerțul cu pictură.

Ultimii ani ai vieții artistului au fost umbriți de moartea celor dragi. Hendrickje a murit la 24 iulie 1663. Titus s-a căsătorit în februarie 1668 și a murit șase luni mai târziu. Acum Rembrandt a rămas singur cu tânăra Cornelia. Rembrandt a murit la 4 octombrie 1669.

Rembrandt a creat aproximativ 600 de picturi, aproape 300 de gravuri și peste 1.400 de desene. Mai jos este o prezentare cronologică a lucrării sale.

Perioada timpurie a operei lui Rembrandt ar trebui luată în considerare în contextul influenței artei italiene asupra picturii olandeze. Dintre maeștrii italieni, olandezii au fost atrași în special de Caravaggio, în ale cărui lucrări naturalismul îndrăzneț și modelarea contrastantă a luminii și umbrelor păreau a fi o provocare pentru arta clasică. Artiști precum Gerard Terbruggen și profesorul lui Rembrandt Pieter Lastman au lucrat în stilul lui Caravaggio, introducând treptat caravagismul în arsenalul mijloacelor artistice ale picturii olandeze. Picturile lui Rembrandt din perioada Leiden (1625–1631) aparțin și ele acestei mișcări. Picturile The Money Changer (1627, Berlin) și The Scientist in His Study (1629, Londra, National Gallery) au arătat interesul maestrului pentru transmiterea efectelor de lumină. Prima dintre ele înfățișează un bătrân cu ochelari la serviciu, într-un colț presărat cu cărți de contabilitate. Fața lui încrețită este luminată de lumina slabă a unei singure lumânări, pe care o acoperă cu mâna. În al doilea tablou, Rembrandt a căutat să transmită atmosfera unui interior aerisit. Subiectul principal al imaginii este încăperea în sine, cu un tavan înalt, plin de lumină moale, fluturând.

De-a lungul carierei sale creatoare, artistul a apelat la subiecte în care drama vieții profunde se îmbină cu elemente de psihologism subtil. Tabloul Cina la Emaus (c. 1630, Paris, Muzeul Jacquemart-André) prezintă trăsăturile picturii lui Rembrandt din această perioadă. Rembrandt a prezentat acest episod ca o punere în scenă teatrală. Silueta lui Hristos iese în evidență pe fundalul luminii orbitoare, cea mai mare parte a pânzei fiind scufundată în umbră.

Mutarea la Amsterdam și marile succese artistice care au urmat au deschis o nouă perioadă în opera lui Rembrandt; acesta este un deceniu în care au fost create lucrări, impregnate de dramatism și, în același timp, nelipsite de senzualitate materială, parțial legate în spirit de operele flamandului Peter Paul Rubens. Prima comandă majoră primită de Rembrandt la Amsterdam a fost tabloul Anatomia doctorului Tulp (1632, Haga, Mauritshuis). Este o imagine a unui celebru medic din Amsterdam și a colegilor săi din breasla chirurgilor din oraș.

Printre picturile pe subiecte istorice realizate de Rembrandt în anii 1630, Orbirea lui Samson (1636, Frankfurt pe Main, Institutul de Artă Städel) pare deosebit de dramatică. Flashuri de lumină, diagonale dinamice și culori vibrante sunt folosite pentru a spori tensiunea intrigii; imaginea este plină de mișcări clare și rapide.

Hedonismul și virtuozitatea tehnică care au caracterizat pictura lui Rembrandt din acești ani au fost poate cel mai viu întruchipate în Autoportret cu Saskia (c. 1635, Dresda, Galeria de imagini). Aici artistul s-a înfățișat într-un costum romantic de domn; Își ridică paharul de bere cu o mână și o îmbrățișează pe Saskia, care stă în poală, cu cealaltă. Luminozitatea culorilor și libertatea trăsăturilor corespund pe deplin stării de spirit a scenei.

Autoportret cu Saskia în poală. 1635

La începutul anilor 1640, viața și activitatea artistică a lui Rembrandt au dobândit stabilitate și regularitate. Self-Portrait 1640 (Londra, National Gallery), influențat de lucrările lui Rafael și Tizian, arată un bărbat încrezător, sensibil, îmbrăcat după moda italiană din secolul al XVI-lea, sprijinit pe o balustradă; umerii îi sunt ușor întoarse, privirea îndreptată spre privitor.

Una dintre cele mai cunoscute picturi ale acestei perioade este The Night Watch (1642, Amsterdam, Rijksmuseum). Numele real al lucrării este Compania căpitanului Frans Banning Kok și locotenentului Willem van Ruytenburg. A fost scrisă cu ocazia vizitei reginei franceze Marie de' Medici la Amsterdam și a ieșirii ceremoniale a trupelor de miliție a orașului organizate cu această ocazie. Fundalul întunecat predominant din imagine face posibilă evidențierea mai bine a figurilor personajelor. De aceea în secolul al XVIII-lea. tabloul a fost intitulat greșit Night Watch. La fel ca Anatomia doctorului Tulpe, această pictură depășește portretul tradițional de grup. Înfățișează 29 de personaje, dintre care 16 sunt figuri istorice reale; mișcările și locația lor în imagine sunt subordonate unei singure acțiuni generale care se dezvoltă în fața ochilor privitorului. Stâlpii, bannerele și muschetele ies în direcții diferite, făcând compoziția mai liberă și mai dinamică; senzația este sporită de jocul de lumini și umbre.

Veghea de noapte. 1642

În anii 1640, pictura religioasă a lui Rembrandt a devenit mai puțin retorică, în ea au apărut smerenia și forța interioară profundă caracteristice lucrării de mai târziu a maestrului. Încă din Renaștere, evenimentele Sfintei Scripturi au fost de obicei interpretate într-o manieră eroică, iar personajele lor au fost înzestrate cu frumusețe fizică. Viziunea lui Rembrandt diferă brusc de acest concept; Hristos în faptele sale pare smerit și blând, umilit și nevăzut între oameni.

Frunza de o sută de guldeni, o gravură care își ia numele de la prețul cu care a fost vândută la una dintre primele licitații, tratează tema smereniei creștine. Figura lui Hristos nu iese în evidență din mulțime nici prin haine, nici prin poziție specială, dar atenția privitorului este atrasă spre centrul compoziției - chipul Mântuitorului cu cele mai subtile raze de lumină divină care emană din ea. În stânga Lui sunt cei zdrobiți de slăbiciunea duhului și a cărnii, bogați și săraci, uniți de suferință. În dreapta sunt fariseii, necredincioși și cufundați în dispute nesfârșite. Copiii mici cad la picioarele lui Hristos. În gravura Frunza de o sută de guldeni, în absența acțiunii vizibile, Rembrandt a reușit perfect să transmită miracolul prezenței divine în lumea oamenilor.

De la începutul anilor 1650, portretele lui Rembrandt au devenit profund personale, compozițiile au devenit stricte și geometrice în construcție, iar schema de culori a devenit un spectru imens de nuanțe de trei sau patru culori. Arta lui Rembrandt nu reflectă gusturile mai artistice ale publicului; Artistul este acum ocupat cu cercetarea proprietăților tehnicilor de pictură în ulei. Viziunea asupra lumii a maestrului, întruchipată în lucrările sale ulterioare, atât de apreciate astăzi, a rămas de neînțeles pentru contemporanii săi.

Rembrandt. — Danae. 1636.

Tabloul Omul cu coif aurit (1651, Berlin - Dahlem) realizat de atelierul lui Rembrandt demonstrează trăsăturile caracteristice ale stilului târziu al maestrului. Fața războinicului cu părul cărunt este scufundată într-o umbră moale și adâncă, iar reflexele luminii de pe cască sunt transmise în mișcări libere, largi și groase. Pentru Rembrandt, un subiect neobișnuit poate deveni uneori un motiv pentru experimente artistice îndrăznețe. Un exemplu aici este pictura Carcasă de taur jupuită (1655, Paris, Luvru). Peria readuce viața cărnii moarte și frumusețea urâțeniei. Rembrandt a evitat întotdeauna idealizarea clasicistă în înfățișarea corpului uman. În tabloul Batsheba (1654, Paris, Luvru), femeia pe care regele David a văzut-o făcându-se și de care s-a îndrăgostit pentru frumusețea ei extraordinară nu este înfățișată în momentul scălării, atât de des aleasă de artiști pentru a spune această poveste și nu este deloc frumos. Ea este cufundată în gânduri adânci și pare să prevadă moartea soțului ei.

În lucrarea sa ulterioară, Rembrandt sa îndreptat din ce în ce mai mult către interpretarea evenimentelor din istoria creștină. Tabloul Coborârea de pe cruce (c. 1655, Washington, National Gallery) este dedicat nu numai morții lui Hristos, ci și durerii celor care Îl jelesc.

Una dintre cele mai cunoscute lucrări de pictură religioasă a lui Rembrandt din această perioadă este pictura Negarea lui Petru (c. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum). În centru este înfățișată o tânără slujitoare întorcându-se către Petru, iar acesta, cu un gest al mâinii deplasate în lateral, își confirmă cuvintele despre renunțarea la Hristos. Spațiul din prim-plan este iluminat de o singură lumânare, pe care servitoarea o umbrește cu mâna - o tehnică care era foarte populară printre caravagiști la începutul secolului. Lumina moale a unei lumânări modelează formele figurilor și obiectelor situate în prim-plan. Sunt vopsite cu linii ușoare, într-o schemă de culoare maro-gălbuie cu câteva accente roșii. Uneori, formele par să se dizolve în lumină sau sunt umplute cu ea, ca mâna unei servitoare care blochează o lumânare. Pe chipul lui Peter este o tristețe profundă. Aici, ca și în portretele și autoportretele ulterioare ale artistului, Rembrandt înfățișează bătrânețea cu o pricepere neîntrecută, cu înțelepciunea ei acumulată de-a lungul anilor, slăbiciunea cărnii și forța spiritului.

Portretele lui Rembrandt devin, de asemenea, profund personale de-a lungul anilor. În portretul poetului Jan Six (1654, Amsterdam, colecția Six family), subiectul este înfățișat într-o perspectivă abia vizibilă de jos în sus; Cu excepția feței fin modelate, portretul este pictat rapid și liber, cu linii mari. Schema de culori este dominată de roșul strălucitor al mantiei și aurii nasturii costumului, în contrast cu diverse nuanțe de verde și gri.

În portretul lui Hendrikje Stoffels (c. 1656, Berlin - Dahlem), figura este înscrisă în cadrul deschiderii ferestrei și, datorită dimensiunii mari alese de artist, pare să stea foarte aproape de planul tabloului. Privirea lui Hendrickje este îndreptată către privitor, poza ei este liberă, capul este înclinat în lateral, iar mâinile îi stau foarte natural. Schema de culori a picturii este o combinație de tonuri aurii, alb, roșu și negru.

Unul dintre cele mai bune portrete de grup ale lui Rembrandt este Syndics (1661–1662, Amsterdam, Rijksmuseum). Clienții portretului au fost reprezentanți ai atelierului de confecții din Amsterdam (sindicii). Ei sunt reprezentați în jurul unei mese cu o carte de numărare întinsă pe ea. Artistul face spectatorul un participant la ceea ce se întâmplă în imagine. Se pare că tocmai i-am întrerupt pe sindicii care erau ocupați cu calculele lor și, prin urmare, toți, parcă ridicând o clipă din munca lor, se uită la privitor. Liniile drepte predomină în imagine, dar întoarcerea mesei și jocul complex de lumini înmoaie severitatea compoziției. Pete de lumină sunt împrăștiate pe toată pânza, înviorându-i suprafața picturală. Această imagine este remarcabilă atât ca studiu psihologic, al cărui scop este acela de a descrie oameni cu caractere diferite, cât și ca document istoric.

În jurul anului 1661, Rembrandt a fost însărcinat să primească una dintre cele opt picturi istorice care ar fi trebuit să decoreze Primăria din Amsterdam. Uriașa pânză (dimensiuni originale 5-5 m) Conspirația lui Julius Civilis, conform diferitelor versiuni, fie nu a fost niciodată atârnată în primărie, fie a ocupat spațiul alocat acesteia timp de cel mult doi ani, iar apoi a fost înlocuită cu un tablou de Ovens pe același subiect. Doar un fragment din această lucrare a lui Rembrandt a supraviețuit, care se află în Muzeul Național din Stockholm. Rembrandt a descris un eveniment descris în Analele istoricului roman Tacitus (secolul I): liderii tribului Batavian jură pe sabie să lupte pentru eliberarea de sub dominația romană. Amploarea acestei lucrări în forma sa originală poate fi judecată din schița compozițională aflată la München. Arată că la început masa și oamenii adunați în jurul ei au fost arătate în spațiul unei săli imense, a cărei profunzime era transmisă prin jocul de lumini și umbre.

În secolul al XVII-lea desenul a servit de obicei ca o schiță preliminară pentru dezvoltarea unei compoziții mari, o schiță a detaliilor individuale ale picturii viitoare sau a fost aplicat pe carton și apoi transferat pe suprafața destinată picturii. Foarte rar un desen a fost gândit ca o operă de artă completă; Adesea, desenele erau aruncate după finalizarea proiectului. Fiecare desen de Rembrandt este un studiu al naturii fenomenelor și o încercare de a surprinde caracterul unui moment sau al unui obiect. Când un artist făcea schițe din lucrările vechilor maeștri, nu crea copii, ci variații pe aceeași temă, rezolvând în același timp propriile probleme artistice. În anii 1630 și 1640, el a pictat combinând linii de grosimi diferite cu cele mai fine spălări. Uneori, desenele lui par niște schițe rapide, unde linia nervoasă rămâne cu greu continuă nicăieri.

Rembrandt a fost primul care a realizat posibilitățile bogate de gravare în comparație cu gravura pe metal. Această gravură este creată prin zgârierea unui design pe o placă de metal; apoi placa este acoperită cu vopsea, umplând adânciturile lăsate de tăietor, iar din aceasta se fac amprente pe hârtie folosind o presă. Cuțitul necesită presiune puternică și îngrijire deosebită. Lucrul la gravură, dimpotrivă, nu necesită multă forță fizică, iar liniile sunt mai libere și mai flexibile. În loc să zgârie metalul cu o daltă, artistul acoperă placa cu un lac rezistent la acid și trage pe ea cu un ac, apoi scufundă placa în acid și metalul este gravat în zonele fără lac. Gravura îi oferă artistului mult mai multă libertate și poate desena cu un ac ca și cum ar folosi un pix pe hârtie. În gravurile lui Rembrandt liniile sunt la fel de libere și fluide ca în schițele cu stilou. Pentru a obține noi efecte expresive, el a combinat adesea tehnici diferite: uneori trecea un tăietor peste o placă deja gravată cu acid, alteori grava cu un „punct uscat” - un instrument cu un diamant la capăt, care lasă caneluri cu crestături pe metalul, oferind imprimeului o notă moale și catifelată. De exemplu, în Foaia cu o sută de guldeni artistul a folosit toate aceste tehnici (lucrarea pe această placă a durat câțiva ani).

Vestea bună pentru păstori a lui Liszt (1634) este un adevărat spectacol de teatru baroc. Desenul este realizat cu linii intersectate dens plasate care creează contraste de tonuri deschise și întunecate. Cinci ani mai târziu, în Adormirea Maicii Domnului, dominația zonelor întunecate dens umbrite a fost înlocuită cu o predominanță a zonelor luminoase și a umbririi subțiri paralele. În gravura din Three Trees (1643), contrastul dintre fragmentele de imagine dens umbrite și hârtie albă este dus la extrem; liniile paralele înclinate pe cer transmit perfect senzația unei furtuni de vară. Cea mai dramatică dintre gravurile lui Rembrandt este foaia din Trei cruci (c. 1650).

Întoarcerea Fiului Risipitor. 1669

S-au folosit materiale din enciclopedia „Lumea din jurul nostru”.

Literatură:

Rovinsky D. Colecție completă de gravuri ale lui Rembrandt, vol. 1–4. Sankt Petersburg, 1890

Rembrandt. Cultura artistică a Europei de Vest în secolul al XVII-lea. Sankt Petersburg, M., 1970

Egorova K.S. Rembrandt Garmens van Rijn. Picturi ale artistului în muzeele Uniunii Sovietice [Album]. L., 1971

Egorova K.S. Portret în operele lui Rembrandt. M., 1975

Citiți mai departe:

Irina Nenarokomova. Rembrandt. (Roman-ziar pentru copii).

Artiști(carte de referință biografică).

Citiți mai multe pe web:

Site-ul web http://rembr.ru/ - despre artistul olandez Rembrandt Van Rijn. Galeria de picturi, biografia artistului, cărți și studii despre viața lui Rembrandt.

Rembrandt Harmens van Rijn este cel mai faimos pictor, gravor și desenator al Epocii de Aur. Recunoașterea universală și gloria, un declin brusc și sărăcia - așa se poate caracteriza biografia marelui geniu al artei. Rembrandt a căutat să transmită sufletul unei persoane prin portrete; zvonuri și presupuneri încă circulă despre multe dintre lucrările artistului, învăluite în mister.

Începutul secolului al XVII-lea a fost calm pentru statul olandez, care a câștigat independența republicii în momentul revoluției. Producția industrială, agricultura și comerțul s-au dezvoltat în țară.

În orașul antic Leidin, situat în provincia Olanda de Sud, Rembrandt, născut la 15 iulie 1607, și-a petrecut copilăria într-o casă de pe Vedesteg.

Băiatul a crescut într-o familie numeroasă, în care era al șaselea copil. Tatăl viitorului artist, Harmen van Rijn, a fost un om bogat care deținea o moară și o malțorie. Printre altele, proprietatea de baie a lui Rhein includea încă două case și a primit și o zestre însemnată de la soția sa Cornelia Neltje, astfel încât familia numeroasă a trăit din belșug. Mama viitorului artist era fiica unui brutar și știa să gătească, așa că masa familiei era plină cu preparate delicioase.

În ciuda bogăției lor, familia Harmen a trăit modest, respectând reguli stricte catolice. Părinții artistului, chiar și după Revoluția olandeză, nu și-au schimbat atitudinea față de credință.


Autoportret al lui Rembrandt la 23 de ani

Rembrandt a fost amabil cu mama sa de-a lungul vieții. Acest lucru este exprimat într-un portret pictat în 1639, care înfățișează o bătrână înțeleaptă cu o privire blândă și ușor tristă.

Evenimentele sociale și viața luxoasă a oamenilor bogați erau străine familiei. Merită să presupunem că seara van Rijns se adunau la masă și citeau cărți și Biblia: asta au făcut majoritatea cetățenilor olandezi în timpul „Epocii de Aur”.

Moara de vânt pe care o deținea Harmen era situată pe malul Rinului: în fața privirii băiatului se deschidea un peisaj frumos al unui râu azuriu, luminat de razele soarelui, făcându-și drum prin fereastra mică a clădirii și trecând prin ceață. de praf de făină. Poate că, datorită amintirilor din copilărie, viitorul artist a învățat să stăpânească cu pricepere pictura, lumina și umbra.


În copilărie, Rembrandt a crescut pentru a fi un băiat observator. Spațiile deschise de pe străzile din Leidin au oferit surse de inspirație: pe piețele comerciale se putea întâlni oameni diferiți de naționalități diferite și învăța să-și schițeze fețele pe hârtie.

Inițial, băiatul a mers la o școală latină, dar nu a fost interesat de studii. Tânărului Rembrandt nu-i plăceau științele exacte, preferând desenul.


Copilăria viitorului artist a fost fericită, deoarece părinții lui au văzut hobby-urile fiului său, iar când băiatul a împlinit 13 ani, a fost trimis să studieze cu artistul olandez Jacob van Swanenburg. Se știu puține din biografia primului profesor al lui Rembrandt; reprezentantul manierismului târzie nu a avut o moștenire artistică uriașă, motiv pentru care este aproape imposibil de urmărit influența lui Iacov asupra dezvoltării stilului lui Rembrandt.

În 1623, tânărul a plecat în capitală, unde al doilea său profesor a fost pictorul Peter Lastman, care l-a predat pe Rembrandt timp de șase luni în pictură și gravură.

Pictura

Pregătirea sa cu mentorul său a avut succes; impresionat de picturile lui Lastman, tânărul a stăpânit rapid tehnica desenului. Culorile strălucitoare și saturate, jocul de umbre și lumini, precum și elaborarea meticuloasă chiar și a celor mai mici detalii ale florei - aceasta este ceea ce Peter i-a transmis elevului său eminent.


În 1627, Rembrandt s-a întors din Amsterdam în orașul natal. Încrezător în abilitățile sale, artistul, împreună cu prietenul său Jan Lievens, își deschide propria școală de pictură, care a câștigat rapid popularitate printre olandezi. Lievens și Rembrandt au ținut pasul unul cu celălalt, uneori tinerii au lucrat cu atenție pe o singură pânză, punând o parte din propriul stil în desen.

Tânărul artist în vârstă de douăzeci de ani a atins faima prin lucrările sale timpurii detaliate, care includ:

  • „Lapidarea Sfântului Apostol Ștefan” (1625),
  • „Palamedea înaintea lui Agamemnon” (1626),
  • „David cu capul lui Goliat” (1627),
  • „Răpirea Europei” (1632),

Tânărul continuă să se inspire din străzile orașului, plimbându-se prin piețe pentru a întâlni un trecător întâmplător și a surprinde portretul acestuia cu dalta pe o scândură de lemn. Rembrandt a realizat și o serie de gravuri cu autoportrete și portrete ale numeroaselor rude.

Datorită talentului tânărului pictor, Rembrandt a fost remarcat de poetul Constantin Heygens, care a admirat picturile lui van Rijn și Lievens, numindu-i artiști promițători. „Iuda returnează treizeci de bucăți de argint”, pictat de un olandez în 1629, el compară cu picturi celebre ale maeștrilor italieni, dar găsește neajunsuri în desen. Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt a dobândit în curând admiratori bogați de artă: datorită medierii lui Hagens, Prințul de Orange a comandat artistului mai multe lucrări religioase, precum Înaintea lui Pilat (1636).

Succesul real pentru un artist vine la Amsterdam. La 8 iunie 1633, Rembrandt a cunoscut-o pe fiica unui burghez bogat, Saskia van Uylenburch, și a câștigat o poziție puternică în societate. Artistul și-a pictat majoritatea picturilor în timp ce se afla în capitala Țărilor de Jos.


Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a înfățișat o femeie cu un creion argintiu purtând o pălărie cu boruri largi. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un mediu de acasă confortabil. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.

În 1632, Rembrandt a fost glorificat de pictura „Lecția de anatomie a doctorului Tulp”. Faptul este că van Rijn s-a îndepărtat de canoanele portretelor standard de grup, care erau înfățișate cu fețele întoarse spre privitor. Portretele extrem de realiste ale doctorului și studenților săi l-au făcut celebru pe artist.


În 1635, a fost pictat faimosul tablou bazat pe povestea biblică „Sacrificiul lui Avraam”, care a fost foarte apreciat în societatea seculară.

În 1642, van Rijn a primit o comandă de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora noua clădire cu pânză. Pictura a fost numită greșit „Night Watch”. Era pătată de funingine și abia în secolul al XVII-lea cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășura pe pânză avea loc în timpul zilei.


Rembrandt a descris cu meticulozitate fiecare detaliu al muschetarilor în mișcare: ca și cum la un moment dat timpul s-a oprit când miliția a ieșit din curtea întunecată, astfel încât van Rijn i-a capturat pe pânză.

Clienților nu le-a plăcut faptul că pictorul olandez s-a abătut de la canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost înfățișați pe față, fără nicio statică.

Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.

Tehnica si picturile

Rembrandt credea că adevăratul scop al artistului era să studieze natura, așa că toate picturile pictorului s-au dovedit a fi prea fotografice: olandezul a încercat să transmită fiecare emoție a persoanei înfățișate.

La fel ca mulți maeștri talentați ai Epocii de Aur, Rembrandt are motive religioase. Pânzele lui Van Rijn înfățișează nu doar fețe capturate, ci scene întregi cu propria lor istorie.

În tabloul „Sfânta familie”, care a fost pictat în 1645, chipurile personajelor sunt naturale; olandezul pare să vrea să-și folosească pensula și vopseaua pentru a transporta privitorii în atmosfera confortabilă a unei simple familii de țărani. Nu se poate urmări vreo pompozitate în operele lui van Rijn. a spus că Rembrandt a pictat-o ​​pe Madona sub forma unei țărănci olandeze. Într-adevăr, de-a lungul vieții, artistul s-a inspirat din oamenii din jurul său; este posibil ca pe pânză o femeie, copiată dintr-o servitoare, să leagăne un copil.


Pictura lui Rembrandt „Sfânta familie”, 1646

La fel ca mulți artiști, Rembrandt este plin de mistere: după moartea creatorului, cercetătorii s-au gândit mult timp la secretele picturilor sale.

De exemplu, van Rijn a lucrat la pictura „Danae” (sau „Aegina”) timp de 11 ani, începând cu 1636. Pânza înfățișează o tânără fecioară după ce s-a trezit din somn. Intriga se bazează pe mitul grecesc antic al lui Danae, fiica regelui Argos și mama lui Perseus.


Cercetătorii pânzei nu au înțeles de ce fecioara goală nu semăna cu Saskia. Cu toate acestea, după o radiografie, a devenit clar că Danae a fost desenat inițial ca Eulenburch, dar după moartea soției sale, van Rijn s-a întors la pictură și i-a schimbat trăsăturile feței lui Danae.

Au existat și dispute între criticii de artă cu privire la eroina înfățișată pe pânză. Rembrandt nu a semnat titlul picturii, iar interpretarea intrigii a fost complicată de absența ploii de aur, conform legendei, în forma căreia i-a apărut Zeus lui Danae. Oamenii de știință au fost, de asemenea, confuzi de verigheta de pe inelarul fetei, care nu era în concordanță cu mitologia greacă antică. Capodopera lui Rembrandt „Danae” se află în Muzeul Ermitajului Rus.


„Mireasa evreiască” (1665) este o altă pictură misterioasă a lui van Rijn. Pictura a primit acest nume la începutul secolului al XIX-lea, dar încă nu se știe cine este reprezentat pe pânză, deoarece o fată tânără și un bărbat sunt îmbrăcați în costume antice care amintesc de îmbrăcămintea biblică. De asemenea, populară este pictura „Întoarcerea fiului risipitor” (1669), care a fost creată în 6 ani.


Fragment din pictura lui Rembrandt „Întoarcerea fiului risipitor”

Dacă vorbim despre stilul de pictură al lui Rembrandt, artistul a folosit un minim de culori, reușind totuși să facă picturile „vii”, grație jocului de lumini și umbre.

De asemenea, Van Rijn reușește cu succes să înfățișeze expresiile faciale: toți oamenii din picturile marelui pictor par să fie în viață. De exemplu, în portretul unui bătrân - tatăl lui Rembrandt (1639) este vizibilă fiecare ridă, precum și o privire înțeleaptă și tristă.

Viata personala

În 1642, Saskia a murit de tuberculoză; îndrăgostiții au avut un fiu, Titus (alți trei copii au murit în copilărie), cu care Rembrandt a întreținut relații de prietenie. La sfârșitul anului 1642, artistul s-a întâlnit cu domnișoara Gertje Dirks. Părinții lui Saskia au fost supărați de modul în care văduvul a dispărut de zestre în timp ce trăia în lux. Mai târziu, Dirks își dă în judecată iubitul pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători cu ea. Din a doua femeie artista a avut o fiică, Cornelia.


Pictura lui Rembrandt „Saskia ca zeița Flora”

În 1656, Rembrandt, din cauza dificultăților financiare, s-a declarat falimentar și a plecat într-o casă retrasă la periferia capitalei.

Viața lui Van Rijn nu a progresat, ci, dimpotrivă, a intrat în declin: o copilărie fericită, bogăția și recunoașterea au fost înlocuite cu clienții plecați și o bătrânețe cerșetoare. Starea de spirit a artistului se vede în pânzele sale. Așa că, în timp ce locuia cu Saskia, a pictat picturi vesele și însorite, de exemplu, „Autoportret cu Saskia în genunchi” (1635). Pe pânză, van Rijn râde cu un râs sincer, iar o lumină radiantă luminează camera.


Dacă mai devreme picturile artistului au fost detaliate, atunci în stadiul lucrării târzii, Rembrandt folosește linii mari, iar razele soarelui sunt înlocuite de întuneric.

Tabloul „Conspirația lui Julius Civilis”, pictat în 1661, nu a fost plătit de clienți, deoarece fețele participanților la conspirație nu au fost elaborate cu atenție, spre deosebire de lucrările anterioare ale lui van Rijn.


Pictura lui Rembrandt „Portretul fiului lui Titus”

Cu puțin timp înainte de moartea sa, trăind în sărăcie, în 1665, Rembrandt a pictat un autoportret după imaginea lui Zeuxis. Zeukis este un pictor antic grec care a murit de o moarte ironică: artistul a fost amuzat de portretul pe care l-a pictat Afroditei sub forma unei bătrâne și a murit de râs. În portret, Rembrandt râde; artistul nu a ezitat să pună o doză de umor negru în pânză.

Moarte

Rembrandt și-a îngropat fiul Titus, care a murit de ciume, în 1668. Acest eveniment trist a înrăutățit brusc starea de spirit a artistului. Van Rijn a murit pe 4 octombrie 1669 și a fost înmormântat în biserica olandeză Westerkerk din Amsterdam.


Monumentul lui Rembrandt în Piața Rembrandt din Amsterdam

În timpul vieții sale, artistul a pictat aproximativ 350 de pânze și 100 de desene. I-au trebuit omenirii două secole pentru a-l aprecia pe deplin pe acest mare artist.



 

Ar putea fi util să citiți: