Aus welchen Teilen besteht ein literarisches Werk? Struktur und Vollständigkeit eines literarischen Werkes

Die Struktur des "ra" eines literarischen Werkes, die Struktur eines Werks der Wortkunst, seine innere und äußere Organisation, die Methode der Verbindung seiner Bestandteile. Das Vorhandensein einer bestimmten Struktur gewährleistet die Integrität der Arbeit, ihre Fähigkeit, den darin ausgedrückten Inhalt zu verkörpern und zu vermitteln. Bei der unmittelbaren Wahrnehmung eines Kunstwerks wird seine Struktur nicht durch das Bewusstsein festgelegt, es wird nicht unterschieden, denn für die Wahrnehmung existiert das Werk gerade als konkrete Ganzheit. Wenn sich die wissenschaftliche Kunstgeschichte die Erforschung des „Wie“ eines Werks zur Aufgabe macht, dann wird es notwendig, die Struktur des Werks zu isolieren und sowohl sich selbst als auch seine Rolle in den Prozessen der Entstehung und Wahrnehmung eines Werks eingehend zu untersuchen künstlerisches Objekt.

Eine bewusste Auseinandersetzung mit der Struktur eines Kunstwerks findet sich in jeder wissenschaftlichen Kunstbetrachtung. Allerdings im 20. Jahrhundert im Zusammenhang mit der allgemeinen philosophischen Problementwicklung strukturelle Analyse(cm. Struktur Und Strukturalismus) die Untersuchung der Struktur eines Werkes begann, als eine besondere methodologische Einstellung der Kunstgeschichte (Literaturkritik) verstanden zu werden. Sie erhielt je nach allgemeiner methodischer Ausrichtung von Wissenschaftlern unterschiedliche theoretische Begründungen (siehe z. Strukturalismus in der Literatur).

Die Trennung der Strukturanalyse von der Untersuchung des Inhalts eines Werkes ist beispielsweise der phänomenologischen Ästhetik von N. Hartmann oder R. Im Garten, wo sich die kunsthistorische Forschung hauptsächlich auf die Identifizierung einer „geschichteten“ Struktur und einer Reihe von Werken von Vertretern reduziert OPOYAS A , dem Studium des Systems von "Techniken" gewidmet, mit denen die Arbeit gemacht wird. In der modernen sowjetischen Literaturkritik wurden verschiedene Wege skizziert, um die Grenzen der Strukturanalyse im Erbe der „formalen Schule“ zu überwinden. Ein einheitliches Verständnis der Struktur, der Analysemethoden und ihres Platzes in der allgemeinen kunsthistorischen (literaturkritischen) Methodik wurde noch nicht erreicht; Es ist jedoch bereits möglich, die wichtigsten Wege zur Lösung dieses Problems zu skizzieren.

Egal wie eigentümlich die Struktur jedes Einzelnen ist, zum Beispiel, Literarische Arbeit, hat es eine Reihe von Gemeinsamkeiten mit den Prinzipien der Struktur eines anderen Werks derselben Gattung, derselben Art und Art von Kunst. Die Struktur erweist sich als Träger nicht nur der einzelnen inhaltlich-formalen Merkmale eines bestimmten Werkes, sondern auch der allgemeinen Merkmale des Genres, des Genres, des allgemeinen Stils, des künstlerischen Flusses aller Literatur als Kunstform und schließlich der Kunst als Ganzes als vergegenständlichte künstlerische Tätigkeit.

Stellt sich die Ästhetik die Aufgabe, ein Strukturmodell eines Kunstwerks (als integrales Bildsystem) zu konstruieren, so ist die Literaturtheorie aufgerufen, die Brechung der allen Künsten gemeinsamen unveränderlichen Gesetzmäßigkeiten der Werkstruktur aufzuzeigen. bei der Schaffung von Wortkunst. Gleichzeitig muss die Literaturtheorie die große Variationsfähigkeit der allgemeinen Prinzipien der Struktur literarischer Werke sowohl in morphologischer (gattungsgenerischer) als auch in historischer (erzeugt durch Änderungen in kreativen Methoden, Stilen, Trends) Richtungen berücksichtigen .

Das Strukturmodell eines literarischen Werkes lässt sich als Kern darstellen, der von mehreren Hüllen umgeben ist. Auf der äußeren Hülle befindet sich das verbale Material, aus dem das Werk unmittelbar besteht. Für sich genommen ist das Material a Text, die als bekanntes "Muster" aus der Volks- oder Literatursprache der Nation normalerweise einen gewissen eigenständigen ästhetischen und stilistischen Wert aufweist (so sagen sie über die Erhabenheit der Silbe in den Oden von M. V. Lomonosov über den Salon). Raffinesse des Vokabulars "Poes" von I. Severyanin , über die absichtliche Grobheit des Wörterbuchs von V. V. Mayakovsky), aber es hat immer noch keine künstlerische Bedeutung. künstlerisch wichtig (vgl. Künstlerische Rede) wird die strukturelle „Hülle“ des Werkes erst insofern sie symbolischen Charakter annimmt, d.h. die darin enthaltenen spirituellen Informationen zum Ausdruck bringt, jene spezifische poetische Energie ausstrahlt, die aus dem bedeutungsvollen „Kern“ des Werkes kommt Der Kern selbst, der beinhaltet Thema und die Idee der Arbeit, hat im Gegensatz zu den Inhalten alltäglicher, geschäftlicher, wissenschaftlicher und anderer Texte eine zweiseitige, zweiteilige (geistig-emotionale) Eigenstruktur, denn Kunst erkennt das Leben und bewertet es zugleich. Das Bedürfnis, die verbale Hülle organisch mit dem spirituellen Kern zu verbinden, sie für ihn äußerst transparent, ausdrucksstark, poetisch bedeutungsvoll zu machen, führt dazu, dass in der Struktur zwei Zwischenhüllen erscheinen, die gewöhnlich als innere und äußere Form bezeichnet werden. Die innere Form ist ein System von Bildern, die ebenso wie der Inhalt selbst rein ideellen Charakter haben, aber bereits eine sinnliche Konkretheit besitzen und daher der Imagination des Wahrnehmenden zugewandt sind, also mit. Zeichenbilder (sog. Figuren) und ihr Zusammenwirken ( Parzelle). Die äußere Form ist eine Stufe der weiteren sinnlichen Konkretisierung des Inhalts, auf der er bereits direkt der Betrachtung und nicht der Vorstellung erscheint. In Bezug auf die Literatur ist die äußere Form ein System materieller Organisationsmittel des Sprachgewebes, die es ermöglichen, die Aktivierung der Lautseite des Textes zu erreichen (in Versen sind dies Reime, Assonanzen, Alliterationen; siehe unten). . Phonetik) und die ihre rhythmische (und in der Poesie - metro-rhythmische), stilistische und kompositorische Ordnung ausführen (die Architektur des Werks, die konsequente oder umgekehrte Entwicklung der Handlung, die Prinzipien der Konjugation von Beschreibungen, der Dialog der Charaktere, die des direkten Autors Rede usw., siehe auch Komposition), was den Text zum Träger neuer, übersemantischer, künstlerischer Information macht, die im Subtext der Arbeit steckt.

Somit ist das Konzept von S. l. Das Objekt umfasst alle privaten und spezifischen Manifestationen seiner Struktur - Charaktere, Handlung, Handlung, Komposition, Architektur usw., wodurch nicht nur jede von ihnen, sondern auch ihre Koordination und Unterordnung in der Struktur des Werks als künstlerisch identifiziert werden kann ganz. Dies ist von Bedeutung, da die Struktur hierarchisch ist, da Elemente auf der inhaltlichen Ebene (der ideologische und thematische Kern) spielen die Rolle eines Kontrollsubsystems, das seine Informationen konsequent von Ebene zu Ebene überträgt, bis sie sich über das gesamte verbale Substrat des Werks ergießen. Gleichzeitig gibt es hier, wie in jedem selbstverwalteten System, eine Rückkopplung (traditionell definiert als umgekehrte Beeinflussung der Form auf den Inhalt): das Ordnen des verbalen Materials, dessen Überführung in die äußere Form des Werkes, und dann die Geburt der internen Form aus der externen Korrektur der vom Inhaltskern gesendeten "Befehle", was manchmal zu einer ernsthaften Änderung führt.

So ist das Studium von S. l. S. wendet sich nicht gegen ihre traditionelle Analyse auf der „Inhalt-Form“-Ebene, sondern entwickelt und konkretisiert eine solche Analyse, da sie die innere Struktur sowohl des Inhalts als auch der Form des Werks offenbart. Gleichzeitig hilft der strukturelle Ansatz, die morphologische und historisch-methodische Vielfalt literarischer Formen zu erklären, die gerade mit der Variation der allgemeinen Prinzipien der Strukturierung eines Werkes der Wortkunst einhergeht. Die Variation drückt sich darin aus, dass jedes Strukturelement der Literatur einen mehr oder weniger großen Anteil an der konkreten Integrität des Werkes erhält: So ist beispielsweise in der Poesie der Anteil der äußeren Form viel größer als in der Prosa; im Kriminalroman ist die Rolle der Handlung unermesslich größer als in anderen Genres; in der Lyrik und im Epos ist das Verhältnis der intellektuellen und emotionalen "Aufladungen" des Inhalts unterschiedlich; Andererseits sind zum Beispiel Veränderungen in der gesamten Struktur des Dramas ganz deutlich, die durch die klassische Methode von P. Corneille, die romantische Methode von L. Tieck und die realistische Methode von A. P. Tschechow erzeugt werden. Daher beinhaltet eine Analyse der Struktur eines bestimmten Werks, beispielsweise eines literarischen, a) eine bestimmte Vorstellung von allgemeine Grundsätze die Struktur eines Kunstwerks; b) Kenntnis der Gesetze ihrer Modifikation in der Literatur und dann - in einer bestimmten Gattung, Gattung, Richtung, Stil und schließlich c) die Fähigkeit, die strukturelle Originalität des zu untersuchenden Werks zu identifizieren, diktiert durch die Originalität von die vom Künstler gelöste kreative Aufgabe.

Zündete.: Vygotsky L. S., Psychology of Art, 2. Aufl., M., 1968; Hartman N., Ästhetik, übers. aus Deutsch, M., 1958; Ingarden R., Studies in Aesthetics, übers. aus dem Polnischen, M.. 1962; Theorie der Literatur. Die Hauptprobleme in der historischen Berichterstattung, [Buch. 1], M., 1962; Strukturelle und typologische Studien, M., 1962; Gay N. K. Art of the Word, M., 1967; Sokolov. N., Die Struktur eines Kunstwerks, in seinem Buch: Stiltheorie, M., 1968; Lotman Yu, M., Struktur eines künstlerischen Textes, M., 1970; Uspensky B. A., Poetik der Komposition. Die Struktur des künstlerischen Textes und die Typologie der Kompositionsform, M., 1970; Probleme der künstlerischen Form des sozialistischen Realismus, T. I-2, M., 1971; Kagan M. S., Morphology of Art, Teil 1-2, L., 1972; E. Utitz, Grundlegung der allgemeinen Kunstwissenschaft, Bd. 1-2, Stuttgart, 1914-1920; Weliek R.. Warren A., Theory of Literature, 3. Aufl., X.Y., 1963 (Lit. erhältlich): Poetica. Poetyka. Poetik, [Bd. 1-2], Waisz. - P. - Den Haag, 1964-66; Struktur in Kunst und Wissenschaft, N. Y., 1970.

Der Aufbau eines literarischen Werkes

die Struktur eines Werks der Wortkunst, seine innere und äußere Organisation, die Methode der Verbindung seiner Bestandteile. Das Vorhandensein einer bestimmten Struktur gewährleistet die Integrität der Arbeit, ihre Fähigkeit, den darin ausgedrückten Inhalt zu verkörpern und zu vermitteln. Bei der unmittelbaren Wahrnehmung eines Kunstwerks wird seine Struktur nicht durch das Bewusstsein festgelegt, es wird nicht unterschieden, denn für die Wahrnehmung existiert das Werk gerade als konkrete Ganzheit. Wenn sich die wissenschaftliche Kunstgeschichte die Erforschung des „Wie“ eines Werks zur Aufgabe macht, dann wird es notwendig, die Struktur des Werks zu isolieren und sowohl sich selbst als auch seine Rolle in den Prozessen der Entstehung und Wahrnehmung eines Werks eingehend zu untersuchen künstlerisches Objekt.

Eine bewusste Auseinandersetzung mit der Struktur eines Kunstwerks findet sich in jeder wissenschaftlichen Kunstbetrachtung. Allerdings im 20. Jahrhundert im Zusammenhang mit der allgemeinen philosophischen Entwicklung von Problemen der Strukturanalyse (siehe Struktur und Strukturalismus) die Untersuchung der Struktur eines Werkes begann, als eine besondere methodologische Einstellung der Kunstgeschichte (Literaturkritik) verstanden zu werden. Sie erhielt je nach allgemeiner methodischer Ausrichtung der Wissenschaftler unterschiedliche theoretische Begründungen (siehe zB Strukturalismus in der Literaturwissenschaft).

Die Trennung der Strukturanalyse von der Untersuchung des Inhalts eines Werkes ist beispielsweise sowohl der phänomenologischen Ästhetik von N. Hartmann oder R. Ingarden inhärent als auch , wo sich das Studium der Kunst hauptsächlich auf die Identifizierung einer „geschichteten“ Struktur reduziert, und eine Reihe von Arbeiten von Vertretern der OPOYAZ a, die sich dem Studium des Systems von „Techniken“ widmen, mit denen die Arbeit gemacht wurde. In der modernen sowjetischen Literaturkritik wurden verschiedene Wege skizziert, um die Grenzen der Strukturanalyse im Erbe der „formalen Schule“ zu überwinden. Ein einheitliches Verständnis der Struktur, der Analysemethoden und ihres Platzes in der allgemeinen kunsthistorischen (literaturkritischen) Methodik wurde noch nicht erreicht; Es ist jedoch bereits möglich, die wichtigsten Wege zur Lösung dieses Problems zu skizzieren.

Unabhängig davon, wie eigenartig die Struktur jedes konkreten, beispielsweise literarischen Werks ist, hat es eine Reihe gemeinsamer Merkmale mit den Prinzipien der Struktur eines anderen Werks derselben Gattung, derselben Art und Art von Kunst. Die Struktur erweist sich als Träger nicht nur der einzelnen inhaltlich-formalen Merkmale eines bestimmten Werkes, sondern auch der allgemeinen Merkmale des Genres, des Genres, des allgemeinen Stils, des künstlerischen Flusses aller Literatur als Kunstform und schließlich der Kunst als Ganzes als vergegenständlichte künstlerische Tätigkeit.

Das Strukturmodell eines literarischen Werkes lässt sich als Kern darstellen, der von mehreren Hüllen umgeben ist. Auf der äußeren Hülle befindet sich das verbale Material, aus dem das Werk unmittelbar besteht. Das Material für sich genommen ist ein bestimmter Text, der als bekanntes „Muster“ aus der Volks- oder Literatursprache der Nation meist einen gewissen eigenständigen ästhetischen und stilistischen Wert (so sagt man von der Erhabenheit der Silbe) aufweist in den Oden von M. V. Lomonosov, über die Raffinesse des Salons des Vokabulars von I. Severyanins "Poesie", über die absichtliche Grobheit des Wörterbuchs von V. V. Mayakovsky), hat aber immer noch keine künstlerische Bedeutung. Die strukturelle „Hülle“ eines Werkes wird nur insofern künstlerisch bedeutsam (siehe Künstlerische Sprache), als sie Symbolcharakter erhält, das heißt, sie drückt die darin enthaltene geistige Information aus, strahlt jene spezifische poetische Energie aus, die aus dem bedeutungsvollen „Kern“ kommt. des Werks von Samo hat der Kern, der das Thema (Siehe Thema) und die Idee des Werks umfasst, im Gegensatz zum Inhalt alltäglicher, geschäftlicher, wissenschaftlicher und anderer Texte eine zweiseitige, zweiseitige Element (intellektuell-emotionale) eigene Struktur, weil Kunst erkennt das Leben und bewertet es zugleich. Das Bedürfnis, die verbale Hülle organisch mit dem spirituellen Kern zu verbinden, sie für ihn äußerst transparent, ausdrucksstark, poetisch bedeutungsvoll zu machen, führt dazu, dass in der Struktur zwei Zwischenhüllen erscheinen, die gewöhnlich als innere und äußere Form bezeichnet werden. Die innere Form ist ein System von Bildern, die ebenso wie der Inhalt selbst rein ideellen Charakter haben, aber bereits eine sinnliche Konkretheit besitzen und daher der Imagination des Wahrnehmenden zugewandt sind, also mit. Bilder-Charaktere (die sogenannten Charaktere) und ihre Interaktion (Plot). Die äußere Form ist eine Stufe der weiteren sinnlichen Konkretisierung des Inhalts, auf der er bereits direkt der Betrachtung und nicht der Vorstellung erscheint. In Bezug auf die Literatur ist die äußere Form ein System materieller Mittel zur Organisation des Sprachgewebes, die es ermöglichen, die Aktivierung der Lautseite des Textes zu erreichen (in Versen sind dies Reime, Assonanzen, Alliterationen; siehe Phonik). und die ihre rhythmische (und in der Poesie - metro-rhythmische), stilistische und kompositorische Ordnung ausführen (die Architektur des Werks, die konsequente oder umgekehrte Entwicklung der Handlung, die Prinzipien der Konjugation von Beschreibungen, der Dialog der Charaktere, die des direkten Autors Sprache usw.; siehe auch Komposition) , was den Text zum Träger neuer, übersemantischer, künstlerischer Information macht, die im Subtext der Arbeit steckt.

So ist das Studium von S. l. S. wendet sich nicht gegen ihre traditionelle Analyse auf der „Inhalt-Form“-Ebene, sondern entwickelt und konkretisiert eine solche Analyse, da sie die innere Struktur sowohl des Inhalts als auch der Form des Werks offenbart. Gleichzeitig hilft der strukturelle Ansatz, die morphologische und historisch-methodische Vielfalt literarischer Formen zu erklären, die gerade mit der Variation der allgemeinen Prinzipien der Strukturierung eines Werkes der Wortkunst einhergeht. Die Variation drückt sich darin aus, dass jedes Strukturelement der Literatur einen mehr oder weniger großen Anteil an der konkreten Integrität des Werkes erhält: So ist beispielsweise in der Poesie der Anteil der äußeren Form viel größer als in der Prosa; im Kriminalroman ist die Rolle der Handlung unermesslich größer als in anderen Genres; in der Lyrik und im Epos ist das Verhältnis der intellektuellen und emotionalen "Aufladungen" des Inhalts unterschiedlich; Andererseits sind zum Beispiel Veränderungen in der gesamten Struktur des Dramas ganz deutlich, die durch die klassische Methode von P. Corneille, die romantische Methode von L. Tieck und die realistische Methode von A. P. Tschechow erzeugt werden. Folglich setzt die Analyse der Struktur eines bestimmten Werks, beispielsweise eines literarischen, voraus: a) eine gewisse Vorstellung von den allgemeinen Prinzipien der Struktur eines Kunstwerks; b) Kenntnis der Gesetze ihrer Modifikation in der Literatur und dann - in einer bestimmten Gattung, Gattung, Richtung, Stil und schließlich c) die Fähigkeit, die strukturelle Originalität des zu untersuchenden Werks zu identifizieren, diktiert durch die Originalität von die vom Künstler gelöste kreative Aufgabe.

MS Kagan.

Groß Sowjetische Enzyklopädie. - M.: Sowjetische Enzyklopädie. 1969-1978 .

Sehen Sie, was die "Struktur eines literarischen Werks" in anderen Wörterbüchern ist:

Siehe Aufbau eines literarischen Werkes... Große sowjetische Enzyklopädie

In diesem Artikel fehlen Links zu Informationsquellen. Informationen müssen überprüfbar sein, andernfalls können sie in Frage gestellt und entfernt werden. Sie können ... Wikipedia

Struktur- äh. 1) (was oder was) Die Struktur einer Substanz aufgrund der Kombinationsmethoden, der Bindungen von Körnern, Atomen usw. Die Struktur des Bodens. Die Struktur des Metalls. Holzstruktur. Kristallstruktur. Kalkstein zum Beispiel und Marmor haben das gleiche ... ... Beliebtes Wörterbuch der russischen Sprache

STRUKTUR- ein literarisches Werk (lat. structura Struktur, Ort), besondere Organisation, die Beziehung der Elemente eines literarischen Textes, bei der eine Änderung in einem von ihnen eine Änderung der anderen zur Folge hat. Kunst verstehen...

Textstruktur Wörterbuch der sprachlichen Begriffe T.V. Fohlen

Textstruktur- Einer der Schlüsselbegriffe der Philologie. Er ist in der Linguistik und Literaturkritik weit verbreitet: 1) In der Linguistik charakterisiert der Begriff Struktur alle komplexen semantischen Einheiten (Laut- und Morphemstruktur eines Wortes, Satzbau; Struktur ... ... Methoden der Recherche und Textanalyse. Wörterbuch-Referenz

ZUSAMMENSETZUNG DER ARBEIT- - die Struktur eines literarischen Werkes, die Lage seiner Teile und ihre Beziehung zueinander aufgrund der Intention des Autors, des Zwecks des Werkes und seines Inhalts. Volumetrische Werke können in mehr oder weniger große Bestandteile unterteilt werden ... Moderner Bildungsprozess: grundlegende Konzepte und Begriffe

Semantische Struktur oder Bedeutung des Textes- - eine mehrstufige hierarchische Organisation der Inhaltsseite des Textes (dargestellt in seiner Oberflächenstruktur durch die Beziehung von Texteinheiten, typischen Textstrukturen, Architektur, Komposition usw.), deren Bestandteile ... ... Stilistisches Lexikon der russischen Sprache

POETIK- (griech. poiētikē téchnē bildende Kunst), die Wissenschaft vom System der Ausdrucksmittel in literarischen Werken, eine der ältesten Disziplinen der Literaturkritik. Im erweiterten Sinne des Wortes fällt P. mit Literaturtheorie zusammen, im engeren Sinne mit ... Literarisches Enzyklopädisches Wörterbuch

BILD- künstlerisch, eine Kategorie der Ästhetik, die eine besondere Art der Bewältigung und Transformation der Realität charakterisiert, die nur der Kunst innewohnt. O. wird auch jedes Phänomen genannt, das in einem Kunstwerk kreativ nachgebildet wird (besonders oft ... ... Literarisches Enzyklopädisches Wörterbuch

Bücher

Theoretische Grammatik der Hindi-Sprache. Morphologie signifikanter Sprachteile, E. A. Kostina. Das Lehrbuch behandelt die Grundlagen der Morphologie der modernen Literatursprache Hindi: die Struktur des Wortes, die Mittel und Mechanismen der Flexion, Wortarten und ihre grammatikalischen Kategorien.…

Schon auf den ersten Blick ist klar, dass ein Kunstwerk aus bestimmten Seiten, Elementen, Aspekten und so weiter besteht. Mit anderen Worten, es hat eine komplexe innere Zusammensetzung. Gleichzeitig sind die einzelnen Teile des Werkes so eng miteinander verbunden und vereint, dass dies Anlass gibt, das Werk metaphorisch mit einem lebenden Organismus zu vergleichen. Die Komposition des Werkes ist daher nicht nur von Komplexität, sondern auch von Ordnung geprägt. Ein Kunstwerk ist ein komplex organisiertes Ganzes; Aus der Erkenntnis dieser offensichtlichen Tatsache folgt die Notwendigkeit, die innere Struktur des Werkes zu kennen, dh seine einzelnen Bestandteile herauszugreifen und die Verbindungen zwischen ihnen zu erkennen. Die Ablehnung einer solchen Haltung führt unweigerlich zu Empirie und unbegründeten Urteilen über das Werk, zu völliger Willkür in seiner Betrachtung und verarmt letztendlich unser Verständnis des künstlerischen Ganzen und belässt es auf der Ebene der Wahrnehmung des primären Lesers.

In der modernen Literaturkritik gibt es zwei Haupttrends bei der Festlegung der Struktur eines Werks. Die erste geht von der Trennung mehrerer Schichten oder Ebenen in einem Werk aus, so wie man in der Linguistik in einer separaten Aussage die Ebene phonetisch, morphologisch, lexikalisch, syntaktisch unterscheiden kann. Gleichzeitig stellen sich verschiedene Forscher sowohl die Menge der Ebenen als auch die Art ihrer Beziehungen ungleich vor. Also, M. M. Bachtin sieht in der Arbeit zunächst zwei Ebenen - „Handlung“ und „Handlung“, die dargestellte Welt und die Welt des Bildes selbst, die Realität des Autors und die Realität des Helden*. MM. Hirshman schlägt eine komplexere, meist dreistufige Struktur vor: Rhythmus, Handlung, Held; zudem durchdringt die subjekt-objekt-organisation des werks diese ebenen „vertikal“, wodurch letztlich keine lineare struktur entsteht, sondern ein raster, das sich über das kunstwerk** legt. Es gibt andere Modelle eines Kunstwerks, die es in Form einer Reihe von Ebenen, Scheiben darstellen.

___________________

* Bachtin M.M.Ästhetik der verbalen Kreativität. M., 1979. S. 7–181.

** Girshman M.M. Stil eines literarischen Werkes // Theorie der literarischen Stile. Moderne Aspekte des Studiums. M., 1982. S. 257-300.

Offensichtlich kann die Subjektivität und Willkür der Zuordnung von Ebenen als gemeinsamer Nachteil dieser Konzepte angesehen werden. Darüber hinaus wurde noch kein Versuch unternommen begründen Einteilung in Ebenen durch einige allgemeine Überlegungen und Prinzipien. Die zweite Schwäche ergibt sich aus der ersten und besteht darin, dass keine Einteilung in Ebenen den gesamten Reichtum der Elemente des Werkes erfasst, nicht einmal eine erschöpfende Vorstellung von seiner Zusammensetzung gibt. Schließlich müssen die Ebenen als grundsätzlich gleich gedacht werden, sonst verliert das eigentliche Prinzip der Strukturierung seine Bedeutung, was leicht dazu führt, dass die Vorstellung eines bestimmten Kerns eines Kunstwerks verloren geht, der seine Elemente zu einer wirklichen Einheit verbindet; Verbindungen zwischen Ebenen und Elementen sind schwächer als sie wirklich sind. An dieser Stelle ist auch anzumerken, dass der „Niveau“-Ansatz den grundsätzlichen Qualitätsunterschied einiger Bestandteile des Werkes nur sehr unzureichend berücksichtigt: Beispielsweise ist klar, dass eine künstlerische Idee und ein künstlerisches Detail Phänomene von a sind grundlegend anderer Natur.

Die zweite Herangehensweise an die Struktur eines Kunstwerks nimmt solche allgemeinen Kategorien wie Inhalt und Form als primäre Unterteilung. In der vollständigsten und begründetesten Form wird dieser Ansatz in den Werken von G.N. Pospelova*. Dieser methodische Trend hat weitaus weniger Nachteile als der oben diskutierte, entspricht viel mehr der tatsächlichen Struktur der Arbeit und ist aus philosophischer und methodischer Sicht viel berechtigter.

___________________

* Siehe z. B.: Pospelov G. N. Probleme des literarischen Stils. M., 1970. S. 31–90.

Vortrag 9

Wir haben gesagt, dass jedes System immer eine Struktur hat. Wenn wir nicht mindestens 3 strukturelle Verbindungen analysieren, können wir nicht sicher sein, dass unser Wissen über dieses System objektiv und vollständig ist. Wenn ich eine Komponente zum Gegenstand der Analyse wähle, muss ich sicher sein, dass dies eine strukturelle Komponente ist, dass dies ein Element des Rahmens ist, ohne das dieses System als künstlerisches Ganzes nicht existieren kann. Wir hatten eine Diskussion über die Verteidigung von 2 Doktorarbeiten. Dort stellte sich die Frage, wie man Systeme analysiert. Ich dachte, was wäre, wenn wir Werke nach der Anzahl der Kommas vergleichen würden? Es ist möglich, aber warum? Welche wissenschaftliche Bedeutung würde dies ändern? Es ist notwendig, Werke aus einigen sehr gewichtigen Gründen zu vergleichen. Ich analysiere jenen Bestandteil des Textes, ohne den dieser Text nicht zu einem künstlerischen Phänomen wird, die strukturellen Bestandteile sollten der Analyse zugrunde gelegt werden. Was sind unsere Ziele? Bei der Identifizierung synchroner Systeme müssen wir unbedingt von jenen Komponenten ausgehen, die unbedingt notwendige Bestandteile der Struktur eines Kunstwerks sind. Was sind Sie? Ich möchte Sie an die Struktur eines Kunstwerks erinnern:

Externe Formularebene

Innere Formebene

Auf der Ebene der äußeren Form ist dies nicht nur Text, sondern die Organisation von Text, damit er virtuelle Realität erzeugen kann. Wir analysieren die Organisation der Sprachschicht des Werkes und die rhythmisch-melodische Organisation. In einem literarischen Text ist Sprache immer irgendwie organisiert, und es gibt zwangsläufig ein rhythmisches Muster.

Aus der inneren Form baut sich die virtuelle Realität der Werke auf, in der imaginären Welt werden folgende Schichten unterschieden: die Subjektorganisation, das Chronotop, das Abbild der Pneumatosphäre. Chronotop ist ein Bild völlige Ruhe darin virtuelle Welt. Ich werde auf diese Konzepte eingehen. Subjektive Organisation ist nicht nur eine Organisation von Horizonten, eine Organisation von Standpunkten. Das heißt, die Subjektorganisation erklärt, warum dieses oder jenes Phänomen in das Bild der Welt eintritt, von wo aus es gesehen wurde, von welchem Punkt aus es betrachtet wird, jemand es beschreibt. Und was das Chronotop betrifft, so ist dies die Organisation von visuellem Raum und Zeit: Landschaften, Porträts, Ereignisse, einleitende Episoden, ein System von Charakteren. Ich glaube jedoch, dass das Zeichensystem in der Pneumatosphäre enthalten ist. Der Charakter ist nicht nur eine Physiognomie, er ist eine Art geistige Substanz. Auch wenn der Autor das Aussehen dieser Menschen beschreibt, ist es für ihn wünschenswert, dass sie durch dieses Aussehen darstellen, was sein Charakter ist, und ein so einfaches Aussehen interessiert uns nicht. Siehst du. Warum schenkt der eher steife Leo Tolstoi den Schultern von Helen Kuragina so viel Aufmerksamkeit? Marmorschultern, Marmorschönheit, ein kaltes, seelenloses Geschöpf. Es ist kein Zufall, dass Pierre, als er in wilde Wut geriet, eine Marmorarbeitsplatte packte und ... fast auf die Marmorschultern seiner Frau legte. Marmorschultern sind Charakter.

Im künstlerischen System gibt es einen Zusammenstoß der Seele, es gibt ein Zusammenspiel von inneren Welten, Positionen. Vorstellen. Dass wir versuchen, die Pneumatosphäre zu definieren - der spirituelle Inhalt drückt sich in einem direkten Wort aus, in einem Dialog, einem inneren Monolog, das Wort des Erzählers wird kommentieren, teilnehmen, er tritt auch in die Pneumatosphäre ein, es gibt auch einen versteckten, impliziten Dialog.

Ein Beispiel für einen inneren Monolog „Sein oder Nichtsein – das ist hier die Frage.“ Der Held selbst entscheidet, ob es notwendig ist, in dieser Welt zu leben, in der alles mit Füßen getreten wird, oder ob es besser ist, den Tod zu wählen. Ein anderes Beispiel, Lukes 2 Dialoge in dem Stück „At the Bottom“, zwischen den beiden Monologen gibt es eine implizite dialogische Verbindung. Aus dem zweiten Monolog geht hervor, dass ein Mensch die Wahrheit nicht ertragen kann, er muss ihn anlügen, damit er sich beruhigt und seine Seele tröstet.

Aber sehen wir nicht den spirituellen Inhalt in den Bildern des Chronotops. Die Bilder des Chronotops treten in einen spirituellen Dialog.

Erinnern Sie sich an Andrei Bolkonsky, Essen im zeitigen Frühjahr nach Otradnoye, dann eine grüne Eiche, die blüht. Wie viel Zeit vergeht zwischen diesen Landschaften? Es gibt keinen Text im Weltraum, aber 4 Monate im Chronotop. Der Dialog zweier Landschaften funktioniert, das Leben ist noch nicht vorbei.

Ich stelle mir nun die Aufgabe, die ich mit meinen Studenten und Doktoranden lösen werde, die theoretische Erforschung der Pneumatosphäre und eine spezifische Analyse der Pneumatosphäre.

Das System der spirituellen Verbindungen und Beziehungen ist das Wichtigste. Ich verstehe, dass es hier keine festen Regeln gibt. Es gibt Werke, in denen die Pneumosphäre spärlich sein wird. Zum Beispiel Landschaftstexte, eine bestimmte Stimmung, ein Zustand entsteht darin, da ist kein Gedanke. Wenn ich Twilight lese, Spring Twilight. Es gibt keinen Gedanken, kein Konzept. Und noch etwas analysieren wir die Geschichten von Krzhizhanovsky, hier ist eine kontinuierliche Pneumatosphäre. Die Geschichte „Ein Gespräch zwischen zwei Gesprächen“, Gedanken mit Gedanken gehackt.

Alle diese drei Komponenten – die Pneumatosphäre, die Subjektorganisation und das Chronotop – sind eng miteinander verflochten, jedes Werk hat sein eigenes Interaktionssystem zwischen diesen Komponenten. Das gibt uns virtuelles Bild Frieden. Dies ist nicht nur ein visuell-sichtbares Abbild der Welt, es ist eine vergeistigte Visualisierung. Sichtbarkeit der Bewegung der Seele, des Denkens, der Suche nach der Wahrheit des Seins.

Reine Spiritualität: Der Konflikt, der in der Arbeit wirkt, auf der Grundlage des Konflikts werden die Problematik und das Welt- und Menschenbild geformt.

Und als wir diese Dinge schrieben, erinnerten wir uns daran, dass diese Ebenen eines literarischen Werkes tatsächlich eine äußere Darstellungsebene über die Welt und den Menschen bilden. Als wir das Wesen der Kunst studierten, übernahmen wir das Modell der Hauptaspekte der Kunst, das Professor Kagan vor 20 Jahren entwickelt hatte. Er sagte, dass das Phänomen jedes Kunstwerks als Ergebnis der Integration mehrerer Aspekte entsteht: kognitiv, bewertend, modellierend, symbolisch. Jede Arbeit gibt etwas Wissen über die Welt. Bewertung, Kunstkenntnis ist immer bewertend – schön oder hässlich, hoch oder niedrig, komisch oder tragisch. Aber dieses Wissen und diese Einschätzung muss ich in einem virtuellen Abbild der Welt modellieren. Die Handlung "Tod eines Beamten", ein Modell der Gesellschaft, Beziehungen, ein Modell nicht nur des Bildes einer Person, die von Kopf bis Fuß ein Sklave ist, sondern ein Modell einer Sklavenmentalität, Sklavenbeziehungen in der Gesellschaft. Der Leser muss dieses Modell sehen, es muss in einigen Zeichen verkörpert sein, in verbalen Bildern, in visuellen – Kino, Theater, bildende Kunst, musikalische Bilder. Diese Zeichen sollten kommunikativ sein, sollten dem klar sein, an den ich meinen Text adressiere.

Wenn all diese 5 Komponenten funktionieren, ist ein ästhetischer Effekt geplant. Der ästhetische Effekt mag sein, wenn ich eine angenehm riechende Blume spüre, aber das ist noch kein ästhetischer Effekt. Ein künstlerischer Effekt, wenn ich anfange, mir eine Art ästhetisches Konzept der Welt und einer Person vorzustellen. Im Prinzip ist der Wahrnehmungsprozess umgekehrt, ich nehme Zeichen wahr, die kommunikativer Natur sind, auf ihrer Grundlage baue ich eine imaginäre Welt, daher das Verständnis der neuen Welt. Zwischen diesen Aspekten der Kunst und der äußeren Form der Kunst besteht also eine sehr enge Beziehung. Die Modellierungsfunktion besteht darin, dass das virtuelle Abbild der Welt modelliert wird. Wenn Sie mindestens eine dieser Komponenten veröffentlichen, wird es alles andere als Kunst geben. Kognition und Bewertung ist eine Wissenschaft, Zeichen, Kommunikation, es gibt ein Modell. Könnte ein Modell sein Atomkern. Und da ich festgestellt habe, dass es eine gewisse Beziehung zwischen den obligatorischen Aspekten der Kunst und dem Werk und seinen Ebenen gibt, müssen wir uns die Frage stellen, durch welche Mechanismen diese wichtigsten Aspekte der Kunst in der Organisation eines künstlerischen Textes realisiert werden. Das heißt, nach welchen Gesetzen verwandeln sich alle 5 integralen Aspekte der Kunst in Sprache und Rhythmus, Chronotop, Pneumosphäre, in Welt- und Menschenbegriff. Diese Gesetze, die wir als kreative Methode, Genre, Stil bezeichnen.

Tatsächlich ist alles komplizierter, zum Beispiel verwirklicht sich das Genre nicht nur im Chronotop, der Pneumosphäre, es erfordert teilweise einen angemessenen Rhythmus. Das Genre des Heldengedichts erfordert nicht nur die Darstellung von Göttern, Helden, es erfordert auch einen Hexameter, und die Sprachsphäre erfordert, dass sie mit komplexen Epitheta sprechen usw.

Bei der Stilanalyse ist die Analyse des Sprachrhythmus wichtig. Wie Stil gemacht wird, hängt von der Intonation ab, mit der der Autor spricht. Damit wir mit diesen Gesetzen umgehen können. Ich behaupte, dass diese 3 Gesetze absolut notwendige und gleichzeitig völlig ausreichende Merkmale eines jeden künstlerischen Systems sind, das ein Kunstwerk ist, es gibt nicht weniger, und es endet mit literarischen Bewegungen und Trends. Und außerdem fügen wir hier die schöpferische Individualität des Schriftstellers hinzu, um sie zu offenbaren, muss man im Lichte dessen sehen, wie diese künstlerische Individualität in der Methode des Schriftstellers, in der Gattung und im Stil des Schriftstellers erscheint. Ich gebe diese starren ästhetischen Formeln der Klarheit halber an.

Damit wir uns mit diesen Kategorien befassen können, habe ich Folgendes getan: Ich habe jedes dieser Gesetze in ein Diagramm umgewandelt und ein Diagramm von jedem Gesetz gezeichnet.

Die kreative Methode ist ein System von Prinzipien der ästhetischen Assimilation der Realität. Denken Sie daran, Chernyshevskys Dissertation hieß " Ästhetische Haltung Kunst zur Realität. Diese Formel ist bequem, weil sie das Wesen der kreativen Methode erklärt. Stellen Sie sich vor, ich bin Künstler, warum habe ich mich hingesetzt, um eine Geschichte zu schreiben, ich muss einige Eindrücke erlebt haben, ich habe am Fenster gestanden, geschaut, und dann habe ich angefangen, eine Geschichte zu schreiben. Der Grund für das Schreiben von Nekrasovs Gedicht „Reflections at the Front Door“ war, dass er vom Fenster aus sah, wie sich Bauern dem Haus von Staatsminister Muravyov näherten und sie vertrieben. Der Künstler hat nicht nur gesehen, er hat immer eine Realität, die er wahrnimmt, es gibt immer einen bestimmten Mechanismus, durch den der Autor die Realität verarbeitet und in eine künstlerische imaginäre Welt übersetzt, die in seinem Kopf geboren wird und noch nirgendwo herauskommt. Und als ich darüber nachdachte, was diese Grundprinzipien sind, die ein Künstler hat, der die ästhetische Realität beherrscht. Ich habe sie genannt: das Prinzip der schöpferischen Transformation von Wirklichkeit in künstlerische Wirklichkeit. Jedes Prinzip ist eine Beziehung zwischen Realität und Kunst. Die Realität kommt herein und die Kunst kommt heraus. Der Mechanismus der Verbindung von Realität und Kunst ist die Strategie der Kreativität. Das erste Prinzip ist die Transformation zwischen der Realität und dem darin verkörperten Werk und der künstlerischen Welt des Werks der virtuellen Realität. Wie ich diese chaotische, hektische, endlose, vielfältige Welt in eine Handlung mit Anfang und Ende, in ein Figurensystem verwandle. Zum Beispiel eine Pension bei Gorki, es gibt ja nicht nur eine Pension, einen Hof im Frühling, Bubnovs Becher schaut aus dem Fenster. Auch die Jahreszeit ändert sich, Luka kam im Frühjahr in die Pension und im Herbst findet die letzte Aktion statt. Die Zeit zwischen der Ankunft von Luke und der letzten Aktion beträgt 4 Monate. Irgendwie verwandelt sich der Künstler, dieses chaotische Leben ist irgendwie organisiert. Das zweite Prinzip der ästhetischen Bewertung ist die Art der Beziehung zwischen ästhetischem Ideal und Wirklichkeit. Ein Künstler kann kein Werk schreiben, bis ein Ideal in sein Bewusstsein eintritt, eine nackte Seele kann keine Kunst schaffen, sie muss lieben oder hassen, ich liebe, weil ich sehe, was ich sehen will. Es gibt immer irgendein Ideal, das eine Beziehung zwischen Ideal und Wirklichkeit herstellt.

Das dritte Prinzip der künstlerischen Verallgemeinerung ist auch die Beziehung zwischen dem Bild und der darin verkörperten Essenz. Molières Komödie Tartuffe, Tartuffe ist die fleischgewordene Heuchelei. Das Bild von Starodum, Pravdin, Milon - Staatsbürgerschaft, Pflichttreue, edle Ehre. Das sind verkörperte Ideen, wenn diese Idee Augen, eine Stimme, einen Gang hat, fange ich an, diese Idee zu lieben. Und wenn ich Skotinin sehe, wie stolz er auf seine Abstammung ist: Sein Onkel ritt betrunken zu Pferd durch das Tor und bückte sich nicht, schlug mit der Stirn gegen das Tor, und als er wieder zu Sinnen kam, fragte er nur, ob das Tor war intakt. Ist klar, worauf er stolz ist? Komischer Effekt: Die verkörperte Idee der Bestialität - ein Nachname, hält Schweine und das Hauptkriterium für ihn, wenn er Sofya anbietet, ihn zu heiraten - Sie werden ein kleines Mädchen haben, besser als mein Khavronya.

In jeder kreativen Methode schaffen diese 3 Prinzipien ihr eigenes einzigartiges System. Einzelne Prinzipien mögen übereinstimmen, aber als System werden sie sich unterscheiden. Hier habe ich ein Modell des Prinzips SokhKhavronya gezeichnet.

als er Sophia fragt, ob das Tor intakt ist. Klare Kunst, es muss Klassizismus sein. Im Klassizismus ist das Prinzip der kreativen Umsetzung deduktiv, nämlich spekulativ – ein rationalistisches Modell, das sich im Kopf entwickelt, ich übersetze dieses Modell in die virtuelle Realität. Wenn Sie Sid von Corneille lesen, das Modell - die ganze Welt basiert auf dem Kampf von Pflicht und Gefühl, und die entsprechende Handlung des Lebens wird aufgebaut. Es werden Ereignisse der tiefen Antike aufgenommen, aber "Sid" ist nicht die Antike, früher das Mittelalter des 11. bis 13. Jahrhunderts, die sagenumwobene Vergangenheit. Die Handlung – Jimena und Rodrigo lieben sich, aber Jimenas Vater beleidigt Rodrigos Vater, der Pflichtkonflikt des Sohnes erfordert ein Eingreifen und natürlich tötet Rodrigo Jimenas Vater in einem Duell. Jimena liebt Rodrigo, aber ihre Pflicht gegenüber dem Andenken ihres Vaters lässt sie verlangen, dass Rodrigo hingerichtet wird. Und alles wäre schrecklich gewesen, aber die Mauren haben gerettet. Sie attackierten. Sid wurde dringend geschickt, um die Mauren zu zerschlagen, er verbrachte 36 Stunden mit diesem Geschäft, zerschmetterte und kehrte zurück, und jetzt ist Chimenas Seele in zwei Teile gespalten, entweder um Sids Tod zu fordern oder Sids Liebe als Retter Frankreichs anzunehmen. Natürlich ist die Pflicht gegenüber dem Mutterland höher. So eine Handlung. Übrigens ist die Welt der Aufklärung, des öffentlichen Dienstes die Welt der Unwissenheit. Ich habe ein Modell in meinem Kopf gebaut, ich habe es umgesetzt. Genau genommen ist dieses Modell in keiner Weise von der Realität korrigiert, ich habe es komplett gebaut, es ist ein reines Modell, ein Labormodell. Ich beziehe es nie bewusst auf die Realität. Deshalb nehme ich Rom, die Antike, bei denen ist es einfacher, damit sie nicht sagen „Lüg nicht, bei unserem Nachbarn ist das anders“, aber das war in Rom.

Das Prinzip der ästhetischen Bewertung ist normativ, dh einige ewige Gesetze von Gut und Böse, Adel und Gemeinheit usw. An diesen Gesetzen messe ich die Wirklichkeit. Es stellt sich heraus, dass das rationalistische Ideal die Realität überlagert, und es stellt sich heraus: Wenn der Held erleuchtet ist, wird er im Klassizismus immer als schön, erhaben, majestätisch gezeichnet, wenn der Held von der Norm abweicht, wird er als gezeichnet negativ - all diese Mesanthropen, Kaufleute des Adels, alle Helden, der Satyr von Cantemir, die Fabeln von La Fontaine. Denken Sie daran, als Molière einen Reifenschaden in seiner Arbeit hatte, als er "Das Haus des Bösen" schrieb, ist der Held nach bestehenden Maßstäben ein Bastard, er verführt seine Frau am Sarg des Kommandanten, aber was für ein charmanter Bastard. Unwillkürlich berührt Moliere die psychologischen Fäden und die Figur erweist sich nicht als eindimensional. Damit beginnt der Zusammenbruch des Klassizismus.

Das Prinzip der Verallgemeinerung im Klassizismus ist Verallgemeinerung, das Bild ist eine verkörperte, personifizierte Idee. Ebenso kann man von Romantik und Realismus sprechen. Auch die Gestaltung des Weltbildes in der Romantik ist deduktiv, aber die Deduktion ist hier nicht rationalistisch, sondern emotional sinnlich. Das Bild der Welt ist als binäres Modell aufgebaut, wo es einen Idealpol und einen Realitätspol gibt, es gibt immer eine Konfrontation zwischen ihnen - das Ideal ist hoch, die Realität ist niedrig. Wenn die Klassik die Realität nicht in ihr Modell aufgenommen hat, dann beinhaltet die Romantik die Realität als einen der Pole, die Realität ist bereits beteiligt, aber sie wird nur negativ gezeigt. Das Prinzip der Repräsentation ist im Wesentlichen dasselbe wie im Klassizismus – normativ, aber das Modell ist nicht rationalistisch, sondern sensationalistisch – Gefühle, die Stimme des Herzens, der Ruf der Seele, und nicht der Verstand. Helden der Romantik können verrückte Dinge tun, die künstlerisch gerechtfertigt sein werden. In der Romantik, weil das Ideal sensationelle Impulse verkörpert, beginnt in der Romantik zum ersten Mal das Eintauchen in die innere Welt des Menschen. Der Held der Klassik ist eine ganze, äußere Persönlichkeit, ich würde sagen, der Held der Romantik ist eine schmerzhafte Persönlichkeit, oft kämpfen in den romantischsten Heldengefühlen, zum Beispiel „Dämon“. Die Romantik bekräftigt zum ersten Mal die Idee der menschlichen Selbstgenügsamkeit. Im Allgemeinen denke ich, dass der Begriff der Persönlichkeit nur in der Romantik vorkommt, im Klassizismus gab es nur eine Rolle. Das Prinzip der Verallgemeinerung ist auch Verallgemeinerung, auch eine Idee, aber eine Ideen-Leidenschaft, keine Ordnungsidee, keine Staatlichkeit, sondern eine Ideen-Leidenschaft. Denken Sie daran, in Puschkins südlichen Gedichten im "Bachchisaray-Brunnen" Maria gibt es keine Leidenschaft in ihr, aber es gibt Weichheit, Unstetigkeit und sofort leidenschaftliche Zarema, bereit für den Tod. Und Aleko und Zemfira, die Aleko verlassen wird, weil eine neue Liebe sie rufen wird.

Im Realismus ein direktes Modell der Welt, in der die Figuren leben und in der der Autor und der Leser leben, dh die objektive Welt, diejenige, in der wir leben. Der Autor schafft ein Bild dieser Welt und versucht zu erklären, wie diese Welt funktioniert, was sie zu einem einzigen Ganzen verbindet. Im Klassizismus ist die Welt rational verknüpft, in der Romantik durch die Antithese von Ideal und Wirklichkeit, im Realismus das Zusammenwirken einer typischen Figur mit typischen Gegebenheiten. Nun wird darüber gestritten, dass der Realismus des 20. Jahrhunderts die Kommode einer Großmutter ist, dies die Kunst der Massenkultur ist. Ich verstehe, dass der Realismus in der Krise steckt, aber abgesehen davon, dass der Realismus komplett von der Bildfläche verschwunden ist. Schauen Sie sich den Mechanismus an, den der Realismus entwickelt hat: Er hat einen Mechanismus entwickelt, eine Erklärung, eine Suche nach den Gründen für das, was mit der menschlichen Seele passiert. Idee: In der Romantik entdeckte ich die Komplexität der menschlichen Seele, den Kampf der Leidenschaften, aber ich konnte immer noch nicht erklären, warum ein Mensch so wurde, nicht sozial so, nicht politisch, aber spirituell, psychologisch. Warum hat sich zum Beispiel Ilyusha Oblomov, ein so wunderbarer Junge mit einer so lebhaften Seele, in einen Bobak verwandelt? Beachten Sie, dass es im frühen Realismus notwendigerweise eine große Ausstellung gibt, die eine Geschichte der Charakterbildung gibt. Schließlich erinnern Sie sich, dass Goncharov seinen Roman Ende der 50er Jahre geschrieben hat und das erste Fragment 48 erschien. Zuerst zeichnete Goncharov Oblomovs Kindheit, woher sie kam, die Genesis, und dann, als er den Roman schrieb, hielt er es für notwendig, den Helden im Alter von Jesus Christus vorzustellen. Oder nehmen wir Gogols Gedicht "Tote Seelen", wieder die Umstände - die Provinzstadt N, soziale Typen, Gutsbesitzer, von denen jedes ein Meisterwerk von Gogols Kunst ist. Ein groteskes Bild von Russland, in der Mitte der Kaufmann Pavel Ivanovich Chichikov, der tote Seelen aufkauft, etwas jenseits des Infernalen und immer noch gehandelt wird. Das Wichtigste ist, dass er die Menschen um sich herum so sehr verdreht, dass sie auch anfangen, um tote Seelen zu feilschen, sogar Sobakevich versucht, Elizaveta Sparrow, eine Frau wie einen Mann, auszuhändigen, weil für einen Mann mehr gegeben ist. Zur gleichen Zeit, woher kommt das alles, und schließlich Kapitel 11 - „Sie müssen den Schurken verstecken“ und die ganze Geschichte der Berezovsky-Änderungen, die trainierte Maus begann, dann der Handel mit einer Rolle unter dem Schreibtisch die Grenzgebiete und wir verstanden, woher dieser Mann kam. Dann wurde die Geschichte des Helden indirekt erzählt, aber die Hauptsache in diesen Arbeiten ist zu untersuchen, wie die Figur mit der Umgebung interagiert. Hören Sie nicht zu, wenn sie sagen, dass Umstände eine Person beeinflussen, sondern wie eine Person eine Beziehung zu den Umständen eingeht. Es kann verschiedene Beziehungen geben: 1. Umstände drängen, eine Person fügt sich; 2. Eine Person wird durch Umstände irgendwo geschnitten, in etwas biegen sie ihn, brechen ihn. Aber noch etwas ist notwendig: Der Mensch besiegt die Umstände. Es ist alles Interaktion mit den Umständen. Der eigentliche Begriff der Umstände ist ein Begriff, der nur in der realistischen Kunst und nirgendwo sonst eine theoretische Bedeutung hat. Der Begriff des Umstands ist auf den Klassizismus und die Romantik nicht anwendbar. Sie wissen, was eine Person im Klassizismus umgibt - das ist ein Anstand, dh einige Dekorationen, die zu einer bestimmten Handlung, einem bestimmten Weltmodell, einem bestimmten Konflikt passen. Wenn das eine Tragödie ist, dann ist das Rom, wenn es eine Komödie ist, dann das Gut Prostakov und so weiter, und in der Romantik gibt es auch keine Umstände, aber es gibt einen lokalen Geschmack. Was sind die Dekorationen? Emotional: Kaukasische Berge , sprudelnde Bäche, Bakhchisarai, ein Harem, mit guten sozialen Bedingungen. Und die Umstände, die der Autor im Realismus für den Leser erkennbar macht, die arme bürokratische Klasse, der Schrank, in dem Makar Devushkin kauert. Er hat ein besonderes, spezifisches Fenster in der Küche, erinnerst du dich? Und der Nachlass von Oblomov ist wie gemalt und verschüttet. Wenn alle schlafen, rennt Ilyusha um alle Besitztümer herum, weil dort alles gemalt ist. Wie lesen Sie Balzacs Romane? Sie haben bemerkt, dass der Anfang jedes Balzac-Romans aus Folgendem besteht: 10-15 Beschreibungen der Welt um Sie herum, der Atmosphäre. Und drittens: das Prinzip der ästhetischen Bewertung. Ich kann diese Einschätzung nicht von vornherein vornehmen. Woraus versuche ich diese Einschätzung abzuleiten? Von der Möglichkeit des Lebens selbst, wie ich es sehe. Dann zeichne ich zum Beispiel statt Puschkin die Helden des Romans „Eugen Onegin“, wovon ich spreche: Tatjana mit einer russischen Seele, die sie liebte, wie sie aufgewachsen ist, wie sie geträumt hat. Also das ist was? Dies ist das Ideal oder nahezu Ideal. Onegin hingegen zeichnet der Autor zunächst rein ironisch und kichert ihn dabei immer wieder an. Wie die erste Strophe geschrieben steht: „Mein Onkel der ehrlichsten Regeln, / Als er schwer krank wurde, / Er zwang sich zu respektieren / Und er konnte nichts Besseres erfinden.“ Lassen Sie uns in eine andere Sprache übersetzen. Mein Onkel mit den ehrlichsten Regeln, Krylov: Der Esel hatte die ehrlichsten Regeln. Hier ist der Intertext. Er zwang sich zu Respekt: Er schlug eine Eiche, drehte sie um. Dies ist eine vulgäre Bezeichnung - gestorben. Der Neffe sagte zu seinem Onkel: "Er ist tot, und er hätte es nicht besser denken können." Und wirklich, es hätte nicht besser sein können. „Aber mein Gott, was für eine Langweile, Tag und Nacht bei den Kranken zu sitzen.“ Erinnern? „Setz dich hin und denk nach, wann zum Teufel nimmst du.“ Dann: Bolivar anziehen, zum Boulevard gehen. Auch das ist ein Lachen. Was ist ein Bolivar? Dies ist ein Hut mit großer Krempe. Kleine Jungs, Simon Bolivar ist eine legendäre Figur in Lateinamerika, Mittel- und Südamerika. Dies ist ein Mann, der Mittel- und Südamerika von der Herrschaft befreit hat, und Staaten wie Honduras, Panama, Argentinien - das sind alles Länder, die dank seiner Aktivitäten entstanden sind. Er starb in absoluter Armut. In Erinnerung an ihn wurde ein Land Bolivien genannt. Ich war es, der „Kommentare zum Roman „Eugen Onegin“ las“, Brodsky schrieb mehr als Lotman. Es ist klar, dass es funktioniert. Wenn Onegin einen Hut aufsetzt, der einem Helden der Revolution ähnelt, und er in die Oper geht, aber nicht weiß, wie man geht. Es ist ein Witz, eine Parodie. Und auch: wie er die Bücher mit Trauertaft bedeckte. Dann wird dieses satirische Prinzip, das während der Höhen und Tiefen des Lebens und dieses dummen Duells und Treffens mit Tatyana dargestellt wird, dramatisch: Er beginnt sich ernsthaft Sorgen zu machen, er beginnt zu leiden, ein rastloser Mensch. Und er beginnt, um die Welt zu wandern. Das Fehlen einer Handlung im Roman "Eugen Onegin" bedeutet, dass der Held in einen Zustand der Unruhe geraten ist. Es ist viel besser als am Anfang. Warum? Die Seele ist erschienen. Er beginnt zu leiden. Der Mann schnitt dennoch durch, erkannte, dass er nicht so lebt. Und er weiß nicht, was er tun soll. Es gibt viele solcher, ich fing an, eine ganze Galaxie zu machen. Darüber hinaus ist es alles andere als zufällig, wenn der Autor ein Bild im Realismus erstellt, baut er es nicht nach dem Gesetz der Verallgemeinerung, sondern nach dem Gesetz der Typisierung. Was ist Tippen? Dies ist die Verkörperung im Bild der Essenz des Phänomens, das der Künstler begreift, festhält, fixiert, hervorbringt. Hier hat Belinsky einen wunderbaren Ausdruck: "ein vertrauter Fremder". In jedem Helden werden Sie erkennen: das ist Don Quixote, das ist Hamlet. Wir erkennen die Essenz, die ein Mensch in sich trägt. Und diese Essenz versuche ich zu begreifen, zu öffnen. Mit was? Durch denselben Mechanismus wird seine Beziehung zu den Umständen, wie unter diesen Umständen, das Wesentliche offenbart. Und der Mensch verändert sich. Sie haben bemerkt, dass sich die Eingabe erheblich von der Verallgemeinerung unterscheidet. Warum? In den ersten frühen Werken des Realismus zeichnet der Autor in der Regel Massenhelden: den Beamten der 14. Klasse Samson Vyrin, den kleinen Abteilungsmitarbeiter Akaki Akakievich Bashmachkin, einen weiteren Büroangestellten Makar Devushkin und so weiter. Es ist klar, dass dies ein typischer Held ist, wie Samson Vyrin Tausende von Menschen waren. Und Onegin? Wir können nicht sagen, dass Puschkin ihn von einigen echten Menschen kopiert hat. Aber die große Mehrheit der damaligen Intellektuellen las den Roman "Eugen Onegin" und sagte: "Hier geht es um mich." Teilweise bin ich es. Ich bin teilweise Petschorin. Ich bin Teil von I. Oblomov. Es ist kein Zufall, dass diese wunderbare Formel auftauchte: ein vertrauter Fremder. Jetzt ist Ihnen klar, was Umsetzung, Bewertung und Verallgemeinerung realistisch sind. Denken Sie daran, dass wir seit langem sagen, dass der Autor im kritischen Realismus zeigt, wie im Zusammenspiel mit den Umständen die besten Qualitäten und Eigenschaften der menschlichen Seele zerstört werden. Und dies wird am Beispiel von Pechorin, Aduev, Oblomov gezeigt. Aber das kann man nicht sagen, denn auch im Realismus gibt es Helden, in denen der Autor ein positives Prinzip verkörpert, ein lebendiges, handelndes Ideal, das sich nicht der Routine der Umstände unterwirft. Nehmen Sie hier zwei Arten von Bildern: Die erste Art ist eine russische Frau, weil sich in ihr eine so sehr typische Eigenschaft konzentriert - Weiblichkeit und alle Komponenten dieses Konzepts. Was ist diese Qualität. Hier, Regime ändern, Könige stürzen und alles, eine Frau wird in jedem Regime immer sie selbst sein, sie wird immer geliebt werden, eine Mutter, eine Hüterin des Herdes. Und daran werden Sie nichts ändern, das ist ihr Grund, ob sie Muslimin ist, Mitglied der KPdSU, der Liberaldemokratischen Partei. Und diese Qualität der weiblichen Natur wurde durch den russischen Realismus herausgestellt. Und Olga Ilyinskaya erschien. . . und andere weibliche Naturen, die in der gesamten zivilisierten Welt enormen Respekt vor Russland erregten. Sie bedeckten unsere Schande mit ihren Brüsten. Die zweite Art von Helden ist das Ideal des Realismus, das sind Helden, die gegen den gesunden Menschenverstand leben und sich daher so verhalten, wie es die Umstände nicht erfordern, und daher sind die Opfer der Umstände immer nett. Sie tun uns leid, wir wollen, dass es ihnen gut geht. Das ist Mr. Pickwick, das sind Exzentriker in Romain Rollands Cola Brugnon. Gibt es irgendeinen Typ? Verzauberte Fremde. Das sind Helden, die mit den höchsten religiösen Gefühlen leben. Nur in Russland gibt es solche Charaktere, aber ich habe Angst, selbstbewusst darüber zu sprechen. Aber Leskow hat sie, in Tschechows Schwarzer Mönch, einen verzweifelten Mann, hier schließe ich auch Gorkis Luka ein. Als nächstes, warum denke ich, dass der Realismus eine so große Entdeckung war und sich ein sehr mächtiges System vorstellte. Sie wissen, was Realismus tut, im Gegensatz zu Klassizismus und Romantik setzt er den Leser einem Schlag aus. Im Klassizismus kann ich als Leser nicht mit dem Autor argumentieren. Er hat sein Modell als geometrische Formel erstellt, so, so, so, nur so soll es sein. Wie argumentiert man in der Romantik? Eine exotische Welt, die ich noch nie gesehen habe, Leidenschaften in Stücken, von denen ich träumen könnte. Und hier ist ein bestimmtes Leben, das du lebst. Wenn ein realistischer Künstler seinen Text schreibt, wird der Leser die vom Autor geschaffene künstlerische Welt immer mit seiner eigenen Lebenserfahrung in Verbindung bringen, er wird immer in einen Dialog treten, dies ist ein starkes Werk, der Autor stellt sich gründlich unter Kontrolle. Racine, wie er sagt: "Verhalten Sie sich so, weil es vernünftig ist." Ein Romantiker, wie er sagt: "Benimm dich so, weil es spirituell ist." Und im Realismus erklärt der Autor dem Leser, wie man lebt, um kein Bastard zu werden, um sich nicht in Alexander Aduev zu verwandeln, wohlgenährt und glatt, um keine elende Kopie einer zusätzlichen Person zu werden. Erinnern Sie sich an Laevsky aus Tschechows Geschichte "Duell", um nicht wie der Held von Leonid Andreev zu degradieren, der in der verdrehten Welt des Grand Slam lebt.

Fazit: Kreative Methoden sind nach unseren etablierten Vorstellungen Gesetze, die zu einer bestimmten Zeit geboren werden, zu einer bestimmten Zeit funktionieren und wieder vergehen. Ich bin zu einer anderen Hypothese gekommen: Jede kreative Methode wird unter bestimmten Bedingungen geboren, unter kulturellen Bedingungen, auf einer bestimmten kreativen Basis, die sich bisher gebildet hat. Aber wenn eine kreative Methode zu einem System formalisiert wird, eine Zeit lang gut und gründlich funktioniert, stirbt sie nicht, sondern verwandelt sich in eine Art künstlerische Tradition, wird zu einer Art Mechanismus für die ästhetische Assimilation der Realität, der ständig kampfbereit ist. Das ist meine brillante Entdeckung, die ich Sie bitte aufzuzeichnen.

Die im 20. Jahrhundert entstandenen Werke sind zweifellos auf den Vorbildern des Klassizismus aufgebaut. Als ich die Idee von Genres und Systemen zum Ausdruck brachte, kam nach mir Sergey Ivanovich Kormilov, ein Wissenschaftler und Theoretiker, auf das Podium. Er sagt, ja, es gibt tatsächlich Methoden, aber wenn ich sage, dass Methoden nicht einfach verschwinden, sondern den Vordergrund verlassen, ist in der Kinderliteratur die Klassik durchgehend und die Sentimentalität, die Romantik als Übergangsform. Und Romantik lebt! Sie lesen also Matvienkos "90er" über Gorki, als er "Old Woman Izergil" und andere schrieb, das ist keine Romantik. Nicht gerade romantisch. Und Romantik in Leonid Andreev, in Kuprin, in I.S. Turgenev, der uns in seinen Abschiedsbriefen nicht mit den Romanen „Smoke“ und „Nov“, nicht mit Nihilisten, sondern mit der Art, wie wir im Traum geflogen sind, belohnt hat. Mysteriöse Geschichten über das Wunderbare, darüber, wie das spirituelle Prinzip ein Gewisses schafft neue Realität, Nichtexistenz. So beendete der Realist Turgenev seinen kreativen Weg und kehrte für sehr lange Zeit zur Romantik zurück. hohes Level, über mystische Romantik. Und in den 1920er Jahren wurde die Landstreicherromantik mit Karnevalstragödie und Humor von Babel anschaulich dargestellt. "Odessa Tales" ist etwas wert, ich schweige bereits über die "Kavallerie". Und Paustovsky im Roman "Romantics" hat die Hauptfigur - den Prototyp von Alexander Green. Der Schriftsteller ist ein 100%iger Romantiker, nur ein Romantiker des 20. Jahrhunderts schämt sich, ein Romantiker zu sein, er sagt nie: "Ich habe dich geliebt, Liebe kann immer noch sein ...". Und sagt: "Auf Wiedersehen, Junge." Es gibt eine lächelnde Romantik, erinnern Sie sich in Svetlov, wie "Grenada" geschrieben wird: Gedichte mit einem Lächeln, einem Witz. Schüchtern, aber romantisch. Ich wiederhole, dass die kreative Methode die Strategie bestimmt und an der Schnittstelle zwischen Realität und Kunst liegt, aber die eigentliche Taktik der künstlerischen Kreativität, nämlich die Gesetze der inneren Organisation des künstlerischen Textes und des Kunstwerks, damit es zur Verkörperung wird dem ästhetischen Weltbild, diese Aufgabe übernehmen die Gesetzmäßigkeiten der Gattung und des Stils. Geteilt? Methode ist eine Strategie, Methode betrifft die Beziehung zwischen Kunst und Leben. Und das Genre betrifft die innere Organisation eines Kunstwerks: sowohl den Text als auch die imaginäre Realität. Da Sie einen Workshop zur Genre- und Stilanalyse besucht haben, verrate ich hier nichts. Genre ist das Gesetz, alle Komponenten einer imaginären künstlerischen Welt zu einem Modell zu konstruieren – ein reduziertes Universum, das eine ästhetische Bedeutung hat. Jedes Werk, auch wenn es eine Episode beschreibt, ist in dieser Episode die Quintessenz des Sinns des Lebens. Eine Episode ist wie ein Tropfen einer Substanz, die die Struktur der gesamten Substanz hat. Denken Sie daran, wir haben Shukshins Geschichte "Herbst" analysiert, ein Tag ist vergangen, aber wie sie gesammelt wurde, wie sie gelaufen ist: für eine Hochzeit, für eine andere Beerdigung. Der Held erinnert sich an die Vergangenheit: Wie er Mitglied des Komsomol war und sich weigerte zu beten und sich taufen zu lassen, und um ihn herum eine atemberaubende Landschaft, ein riesiges Universum, in dem ein Mensch lebt, der in seinem Alter davon überzeugt ist, dass er mit einem Fehler gelebt hat. Mitten im Universum einen Fehler gemacht, das Gesetz gebrochen. Stört Sie das Gesetz des Seins? Hat Tschechow es in Stachelbeere? Sicherlich. Erinnern Sie sich an den Anfang und das Ende: "Der Regen hämmerte die ganze Nacht gegen die Fenster." Und wie wird der zweite Stock beschrieben: Cool, Porträts von Menschen aus dem 18. Jahrhundert, Bücher stehen. Und wo warst du: wo du nach einem Boot und einem Geschirr riechst. Und Sie müssen sich eine Woche lang waschen, um den ganzen Schmutz abzuwaschen, den Sie angesammelt haben. Fiel ein? Von wem wurden Sie geboren - ein Professor, ein Künstler, aber wer sind Sie geworden?

Der Künstler erschafft dabei immer ein Modell der Welt. Die Aufgabe ist klar Genreanalyse? – um zu beweisen, dass das, was der Künstler gezeigt hat, konkret ist, wird das Lokale tatsächlich zu einem Bild der Welt, zur Struktur des Universums, natürlich nicht der physischen Welt, sondern der ästhetischen, aber diese Welt schließt den Mond ein, und Sterne und Gras und Leben und Tod und Jesus Christus und Mohammed – alles.

Und was macht Stil? Der Stil ist verantwortlich für die Orchestrierung, für die Melodie, für die Intonation, für die Farbe. Es gibt keine Werke, in denen es keine stilistische Organisation gibt. Wenn Sie in eine Kunstgalerie kommen, sehen Sie zum Beispiel Boyar Morozova. Der Stil des Gemäldes baut auf dem Kontrast von Schwarz und Weiß auf, der Künstler kam zuerst auf die Idee der Adligen Morozova, als er sah ... im Schnee war es ein Stoß. Bei dem Gemälde „Morgen der Streltsy-Hinrichtung“ ist die Farbgebung übrigens rosa-blutrot. Zum ersten Mal entstand Surikovs Idee, als er die Wirkung der Schulter vor dem Hintergrund eines weißen Hemdes sah. Bei den Impressionisten spielt das Farbmaterial eine wichtigere Rolle als das Relief, als die Konturen. Das sind Nuancen, aber Stil wird es immer sein. Daher gelten diese Genre- und Stilgesetze immer. Man sagt „Genres fallen auseinander“ – es sind Genres, die auseinanderfallen, aber die Gesetze des Genres fallen nicht auseinander. Es gibt keine genre- und stillosen Werke, es gibt keine methodenlosen Werke. Es gibt Werke, die entweder schlecht geschrieben sind oder eine solche Genre-Organisation haben, die niemand versteht, das ist ein neues Genre, man muss verstehen, das ist ein neues Genre, eine neue Genre-Form. Wie wirken die Gesetzmäßigkeiten von Genre, Stil und Methode zusammen? Aus ihnen entsteht ein künstlerisches Phänomen. Die Gesetze der Gattung, des Stils und der Methode sind die strukturelle Grundlage jedes künstlerischen Systems, aber diese Gesetze bilden in jedem künstlerischen System ein gewisses stabiles Gerüst.

Kehren wir zu dem Gespräch zurück, das wir in der letzten Lektion hatten. Wir haben gesagt, dass es 3 Grundgesetze gibt, die die Entstehung eines Kunstwerks gewährleisten – das sind die Gesetze der Methode, des Stils und des Genres. Wir sprachen über die Gesetze der Methode, über die Gesetze der Gattung, ich möchte Sie nur daran erinnern, dass die Funktion der Gattung darin besteht, die Umwandlung des Werks in ein ganzheitliches Bild der Welt, das Modell der Welt als ein zu gewährleisten Realitätsbegriff wurde der Text zum Weltmodell. Schema: Ich habe folgende Gattungsträger identifiziert: Subjektorganisation, Pneumatosphäre, raumzeitliche Organisation, Organisation des assoziativen Hintergrunds, Intonations-Sprachorganisation. In der subjektiven Organisation ist jedes Element der Arbeit, jedes Subsystem multifunktional. Unter Genre versteht man subjektive Organisation, also Horizonte, die in das Sichtfeld des Sprachsubjekts fallen, zum Beispiel Ich-Erzählung. Es ist eine Sache, wenn eine Geschichte, sagen wir, von Dr. Watson in Conan Doyle. Warum Dr. Watson genommen wird, er weiß vielleicht nicht alles, was Sherlock Holmes tut, aber dann erklärt Sherlock Holmes Dr. Watson, warum er dies getan hat und nicht anders.

Der andere Aspekt ist die unpersönliche Erzählung, die, wie Sie wissen, niemals unpersönlich ist, sondern immer Autorenzonen und Heldenzonen hat. Der Horizont des Helden kann ergänzt werden durch den Horizont des Erzählers, der alles sieht, alles weiß. Zum Beispiel Olenka in Tschechows Geschichte "Darling", hier was gesagt wird, sie liebte zuerst ihren Vater, noch früher liebte sie ihre Tante, die von Zeit zu Zeit kam, und noch früher liebte sie einen Russischlehrer. Dies ist eine Parodie auf kindische Logik. Im Folgenden wird beschrieben, wie es von anderen wahrgenommen wurde. Als sie ihr freundliches, sanftes Lächeln betrachteten, ihren vollen weißen Hals mit einem dunklen Muttermal, lächelten auch die Männer und sagten: „Ja, wow!“ Und die Gäste konnten plötzlich mitten in einem Gespräch nicht widerstehen und sie nicht an der Hand packen und in einem Anfall von Lust ausrufen: „Liebling!“ Sehen Sie, wie wir herausgefunden haben, was Männer über diese Olenka denken, sie denken speziell. Dies ist eine unpersönliche Geschichte. Und die Gäste greifen mitten im Gespräch nach der Hand, damit es genug Condratics gibt, und sogar in einem Anfall von Vergnügen - eine Vorlage, eine Parodie. Das sind die Horizonte, die der unpersönliche Erzähler eröffnet. Es gibt auch andere Formen. In diesem Fall interessiert uns die subjektive Organisation der Gattung als die Organisation von Horizonten.

Die räumlich-zeitliche Organisation ist die Schaffung eines visuellen Modells der Welt. In den epischen Gattungen liegt dieses visuelle Modell der Welt in der Seinsdemonstration und in den lyrischen Gattungen in der Veräußerlichung der Gefühlswelt, der Erfahrungswelt.

Die Pneumatosphäre ist ein System der spirituellen Existenz von Menschen, als ein System von Stimmen, inneren Monologen, Kommentaren von Autoren und sogar jenen emotionalen und sinnlichen Flüssigkeiten, die in die Landschaft, in Naturbilder, in das Innere usw. eingebettet sind. Die subjektive Organisation , die Pneumatosphäre, ist gleichsam die Innenwelt eines literarischen Werkes, was darin enthalten ist, was sich darin befindet. Aber die innere Welt eines literarischen Werkes ist immer von einer gewissen Unendlichkeit umgeben, von einem Horizont, der kein Ende hat. Dieser Horizont entsteht durch einen assoziativen Hintergrund, er ist Subtext und Supertext. Subtext ist die Tiefe des Textes, die innere Verbindung zwischen den Bildern des Textes. Denken Sie daran, wenn Astrov sich zum Beispiel verabschiedet: „Oh, was für eine Hitze, nicht wahr?“ Er fühlt sich unwohl, er ist ratlos, er wurde besiegt, er hat die Liebe aufgegeben, die ihm buchstäblich in die Hände gefallen ist. Gefühle der Sehnsucht, Einsamkeit, Verwirrung, Niederlage. Das ist Subtext. Oder erinnern Sie sich, Sie haben Hemingways „Cat in the Rain“ gelesen – eine klare Parallele. Aber der Supertext ist vielschichtig, er enthält direkte Assoziationen, die der Autor durch Ähnlichkeit, durch Kontiguität, dagegen in den Text einfügt. Alle Arten von Einführungsepisoden sind die Einbeziehung einiger Teile des Lebens von außen in die innere Welt. Außerdem ist hier manchmal Intertext verbunden. Intertext ist eine der Komponenten des Supertexts, denn Intertext bezieht sich nicht nur auf die objektive Realität außerhalb des Fensters, sondern auch auf einen anderen Text. Ich lese Juri Trifonovs Erzählung „Das Haus am Damm“: „Ich traf Anton Ende Oktober 1941 in einer Bäckerei, Anton sagte, dass er sich Notizen über das Geschehen mache, und er würde auch unser Treffen im Bäckerei." Was ist das für ein Supertext, damit der Leser weiß, wie Moskau Ende Oktober 1941 ist? Tatsache ist, dass sich die Nazis Moskau näherten, und am 16. Oktober gab es in Moskau eine wilde Panik, und die Leute gingen zu Fuß aus Moskau, sogar Stalin wollte aus Moskau fliehen, das Zentralkomitee befand sich in Kuibyschew, einem Teil von Swerdlowsk. Das ist also klar. Was bedeuten die Einträge: „Ich habe Anton Ende Oktober in Moskau getroffen. Dies waren Menschen, die treu blieben, Standhaftigkeit zeigten und Moskau nicht verließen. Das ist, was Supertext hier funktioniert.

Der Zwischentext "Mein Onkel hatte die ehrlichsten Regeln ...", basierend auf der berühmten Fabel von Krylov "Der Esel und der Mann", gab es den Satz "Der Esel war die ehrlichsten Regeln." Jeder Leser der Zeit von Puschkin verstand dies, es stellte sich heraus, dass ein Neffe eine gute Meinung über seinen Onkel hatte. Ich verbinde nicht nur einen anderen Text, sondern einen Teil einer anderen Welt, der sich in diesen Text einprägt, und dadurch wächst das Bild der Welt.

Die Organisation der Intonationssprache ist im Prinzip ein Bereich des Stils, aber es gibt Werke, in denen die Welt verstreut und fragmentiert ist - Bewusstseinsströme, Bekenntnisse, und hier zementiert eine einzige Intonation den Text zusätzlich, also die Intonationssprache Organisation ist besonders wichtig in kleinen Genres. Beachten Sie, dass jede Geschichte immer eine Melodie hat. Erinnern Sie sich an das Finale von Tschechows „Haus mit Mezzanine“: „Fräulein, wo sind Sie?“ ist das Ende der Melodie. Erzählen in diesem elegischen Rhythmus.

Daraus ist das Modell der Welt aufgebaut. Und die Bildung von Weltmodellen wird von Komponenten wie Gattungsinhalten, deren Themen, Problemen, Umfang oder Intensität des Bildes abhängen. Ästhetisches Pathos kann tragisch sein, wie es in der Gattung der Tragödie organisiert ist, es muss sich in der Gattungsstruktur ausdrücken. Und schließlich sind die Motivationen für die Genrewahrnehmung die dritte Komponente. Verstehen Sie, dass Kunst eine vollständige Konvention ist, künstlich, und ein Genre ist in gewissem Maße eine Konvention, die durch das Signal des Lesers und des Autors bestimmt wird, eine Konvention darüber, wie ein Modell der Welt geschaffen wird, eine Konvention über die Konventionen, die wir haben bei der Erstellung eines Werkes verwenden wird, sind dies keine grotesken Konventionen, sondern Konventionen der Kunstsprache. Und wenn ich zum Beispiel Märchen schreibe „In einem bestimmten Reich, in einem bestimmten Zustand …“, versteht man, dass es Wanderschuhe, einen fliegenden Teppich, eine selbst zusammengestellte Tischdecke usw. geben wird. Es ist ganz anders: „ Alle glücklichen Familien sind auf die gleiche Weise glücklich, alle unglücklichen Familien sind auf ihre eigene Weise unglücklich“ – wenn man das Genre eines Familienromans ansetzt, wird es definitiv Trost geben, über Leidenschaften. Sehr oft werden diese Einstellungen zum Genre vom Autor im Voraus festgelegt, oft im Vertrauen auf den Leser. Wenn ich eine Ballade geschrieben habe, worauf warten Sie, wenn Sie eine Ballade lesen - dies ist immer eine tragische Handlung, eine Kollision einer Person mit einem Felsen, mystische Kräfte werden wirken. Ich akzeptiere diese Konventionen, ich stimme zu, ich werde das Märchen als Märchen lesen, wenn Wanderschuhe im Roman vorkommen, ist dies entweder der Unsinn des Helden oder der Unsinn des Autors. Es zerstört die Konventionen, die wir ausgehandelt haben, die wir akzeptiert haben. Was ist das Modell der Welt jetzt? Jedes Genre hat sein eigenes Weltmodell, es gibt ein romanhaftes Weltmodell, es gibt narrative Weltmodelle. Es gibt verschiedene Arten von Romanmodellen der Welt: psychologischer Roman, Familienchronik, philosophischer Roman, epischer Roman. Das ist alles verschiedene Modelle Frieden. Wenn Sie also auf ein Genre stoßen, denken Sie daran, denken Sie nicht: „Wir haben festgestellt, dass dies eine Elegie ist“, das heißt, Sie wissen, wie man diese Welt analysiert, dies ist ein elegisches Bild der Welt. Wie sind Raum und Zeit in einer Elegie organisiert? Es wird immer eine traurige, traurige Gegenwart und Vergangenheit geben, an die ich mich erinnere. Arch modelliert das Modell der künstlerischen Welt.

Die Botschaft wird eine andere sein: meine Hütte, mein Haus und deine Welt, in der du lebst. Es wird eine andere Welt in der Idylle geben, es wird definitiv grüne Wiesen geben, es wird niemals Schnee geben, Schafe werden dort spazieren gehen, es wird Hirten und Hirten geben, darunter Boris Kostyaev und Lucy in Astafyevs Geschichte „Der Hirte und die Hirtin“. , nur sind sie nicht von einem Rasen umgeben, und Bomben, Schornsteine, Schützengräben, Tod. Der Autor zeigt, dass die Welt pastoral sein sollte, und es ist, was sie ist, der Kontrast ist moderne Pastoral

Sehen Sie sich das Stilmodell an. Wenn im Genre jedoch die Hauptlast auf das Chronotop, die Pneumatosphäre, die subjektive Organisation und das Stimmsystem fällt, dann richtet sich der Stil an jene Elemente des künstlerischen Textes, die die Fähigkeit haben, ausdrucksstark zu sein, ausdrucksstark, das heißt, zuerst vor allem die Melodie, die Natur der Tropen (tropologische Ausdruckskraft). Das System der Wege, sie haben Ausdruckskraft. Mayakovsky hat in seinem Frühwerk einige Ausdruckswege: Makrotrope „die Hölle einer Stadt“, eine Stadt wie die Hölle, „traurig beschleunigt“ usw. Yesenin hat einige schicke Metaphern und Epitheta, alles ist sehr ländlich, er wird Wolken mit Lämmern assoziieren , der Mond wird ein Kamm, der die Wolken kratzt. Yesenins gesamte Tierwelt ist anthropozentrisch: eine Kuh, ein tödlich verwundeter Fuchs, ein Hund, dessen Welpen ihr weggenommen wurden. Es gibt also einen gewissen emotionalen Schlüssel. Darüber hinaus kann auch die Konstruktion der inneren Welt des Werkes Ausdruckskraft haben. Zweite Schicht. Die Ausdruckskraft des Designs, Architektonik. Wenn ich einen Roman wie „Krieg und Frieden“ lese, ist es, als ob man durch die Tür eintritt und schon Leben ist, man geht hinaus und das Leben geht weiter. Wenn wir "Alte Frau Izergil" lesen, ein Diagramm von 3 Wellen. Drei Legenden - über Larra, über Izergil, über Danko. Vor den Legenden gibt es eine Ouvertüre, lebende Menschen verwandeln sich in Märchenhelden, die Musik ist verstörend, und ein Gespräch zwischen Izergil und dem Helden ist ein Muss. Weitere Schatten laufen über die Erde, das ist der Schatten von Lara, dann wieder zwischen den Legenden die Landschaft, wieder das Gespräch. Dann sagt die Alte, da war ich jung, und erzählt dann von sich. Nachdem Sie über sich selbst gesprochen haben, sind Funken ein Gespräch über Danko, und dann wird es wieder ein Meer, eine Küste geben. Die erste Legende handelt davon, was sie sagt, die erste Wahl ist, alles zu nehmen, nichts zurückzugeben, zur Tragödie der Einsamkeit und Sinnlosigkeit verurteilt. Die zweite Legende - Izergil nimmt in vollem Umfang, gibt aber auch in vollem Umfang, als Ergebnis blieben nur Knochen und Haut von ihr übrig. Die dritte Legende ist heroisch - alles zu geben, ohne etwas dafür zu nehmen, heroisch und tragisch, denn jetzt werden sie nicht dankbar sein, weil sie mit ihrem Fuß auf ein stolzes Herz treten werden. Und als ich während einer praktischen Lektion ein Architekturdiagramm gezeichnet habe, ist dies die perfekteste, harmonischste Arbeit von Gorki. Dies ist ein einzigartiges Werk, ein seltenes Beispiel für Architektur. Solche Architektur funktioniert, es ist erstaunlich. Natürlich wird die Architektur in kleinen Genres gestärkt. Wir mögen Sonette, weil es eine großartige Architektur gibt, aber auf der Ebene der Pneumatosphäre: These - Antithese - Synthese, drei intellektuelle Schichten greifen in ein einziges Schloss ein. Und natürlich haben all diese Ausdrucksmerkmale eines Kunstwerks ihren Ursprung im Fach Sprache. Dieses Thema der Rede. Was uns am Genre als Horizont interessiert, fungiert hier als Stimme, als Quelle emotionaler Haltung, die alles mit ihrer Haltung färbt. Wenn Yesenin " weiße Birke unter meinem Fenster ... “, „Der goldene Hain hat es mit einer Birke davon abgebracht, fröhliche Sprache ... „es ist klar, welches Gefühl wir für diesen Herbst haben, für eine Birke. Aber in der Bemerkung aus Gorkis Stück zu "Ganz unten": "Bubnovs Krug ragt aus dem Fenster" oder "der Keller, eher wie eine Höhle" - die Einschätzung ist fertig. Dann haben wir gesagt, dass der Stil durch spezielle stilistische Dominanten organisiert wird, ich habe herausgegriffen, vielleicht habe ich nicht alles richtig verstanden, 2 Stildominanten, ich denke, dass sie die wichtigsten sind: Dies ist entweder eine einzelne Intonation oder eine komplexe Melodie von Intonationen, oder dies ist ein integrales Bild. Denken Sie daran, dass die Organisatoren aller Formelemente in einem einzigen Stilschlüssel entweder die Intonation oder ein integrales Bild sind. Sie haben über das integrale Bild gelehrt, als Sie Zamyatins Geschichte „Die Höhle“ analysiert haben, Menschen sind Mammuts, Häuser sind Höhlen, ein Bild entwickelt sich, es verleiht eine emotionale Aura. Intonation - die beliebteste Variante der stilistischen Organisation ist die Intonationsorganisation. In einer Elegie wird Intonation deklariert, in einer Ode wird Intonation deklariert, aber in einer Reihe von Werken gibt es ein Unentschieden von Intonationen, ein Spiel von Intonationen, Überschwemmungen von Intonationen, dies geschieht in Parodien, in komischen Werken. Sie finden ein atemberaubendes Orchester ironischer und sarkastischer Intonationen in Erdmans Stück The Suicide, Ilf und Petrov in The Golden Calf und Bulgakov. „Der Meister und Margarita“ ist eine Symphonie der Intonationen, zwei Intonationen dominieren, zwei Pole: der erste Pol der Arroganz, Possenreißer, karnevalsverratender Sound, und der Pol „im weißen Mantel mit blutigem Futter …“ als Ergebnis , erzeugt der Stil seine eigene Semantik. A. F. Losev sagt sehr richtig, dass die Semantik eines Stils nicht starr sein sollte, nicht 3 Stile - hoch, mittel, niedrig, es gibt viel mehr davon. Wir können sagen, dass dieser Stil eine solche Stimmung erzeugt, ein so ausdrucksstarker Charakter entsteht, weil sogar die Intonation, schon die stilistische Färbung, eine eigene begriffliche Bedeutung hat. Denken Sie daran, es gibt Gedichte, in denen es kein Konzept gibt, aber es gibt Gefühle. Stil schafft vor allem Stimmung, Gefühle.

Wie verhalten sich nun Methode, Genre und Stil zueinander? Was können wir hier sagen: Methode und Gattung sind durch die Prinzipien der künstlerischen Transformation der Welt aus der Methode verbunden. So oder so erfordern sie die Umsetzung in der Gattungsorganisation des Werkes als vollständiges Weltbild. Die Prinzipien der ästhetischen Bewertung interagieren primär mit dem Stil, sie drücken eine emotionale Blockade aus. Die Prinzipien der künstlerischen Verallgemeinerung sind mit dem Genre verbunden, aber sie sind auch mit dem Stil verbunden, zum Beispiel schaffen Übertreibungen und Litoten Ausdruck. Es stellt sich heraus, dass Methode, Gattung und Stil in jedem Kunstwerk seinen Rahmen, seine Struktur bilden. Denn jedes literarische Werk verkörpert als Molekül das Wesen der Kunst als Phänomen, als geistige Realität. Dieselben 3 Gesetze bestimmen alle anderen künstlerischen Systeme, die im Prozess der historischen Entwicklung der Literatur entstehen. Ich erklärte, dass im Gegensatz zu unseren Vorgängern, die sagten, dass es historische und literarische Systeme gibt und verschiedene Methoden, Richtungen und Strömungen definierte, sie nicht erklären, woraus sie bestehen, wie sie strukturiert sind. Ich habe Ihnen die Struktur gegeben, die Basis dieser Systeme. Dann stellt sich die Frage: Was sind das für künstlerische Systeme, die im Rahmen literarischer Epochen entstehen.

Wie die Erfahrung zeigt, entstehen im Rahmen literarischer Epochen Systeme, die üblicherweise als literarische Richtung und literarische Strömung bezeichnet werden. Genre-Stil-Ströme sind noch seltener, literarische Schulen sind noch enger und unbestimmter, Gruppierungen sind im Allgemeinen politisch, nicht künstlerisch. Im Allgemeinen ist unsere Terminologie sehr locker, gerade weil es keine theoretische Grundlage dafür gibt. Das Konzept der „literarischen Strömung“ wurde in unserem Land kürzlich als etwas Scholastisches abgetan, kein Künstler kann in den Rahmen einer literarischen Strömung passen. Es gibt Arbeiten, die sich nicht auf eine Richtung beschränken. Ich halte diese Idee für theoretisch fehlerhaft. Erstens gibt es Werke, die sich perfekt in den Rahmen einer Richtung einfügen. Wo werden Sie den Dämon unterbringen, in Naturalismus oder so oder Realismus? Absolut romantisches Gedicht. Oder Tolstois Roman „Auferstehung“ ist ein solides, wohnungsrealistisches Werk. Es gibt Werke, zum Beispiel "Dead Souls", in denen das Spiel einer realistischen Basis mit romantischen Einlagen zu spüren ist. Um zu verstehen, wie das Gedicht „Tote Seelen“ aufgebaut ist, muss ich wissen, woraus beide bestehen und wie sie im Werk eines Schriftstellers wie Gogol zusammenhängen. Es gibt Schriftsteller, die sowohl geborene Romantiker als auch verstorbene Romantiker waren, zum Beispiel M. Svetlov, Bulat Okudzhava, K. Paustovsky, und es gibt Schriftsteller, die sich weiterentwickelt haben, zum Beispiel, Puschkin begann als Romantiker, wurde zum Realisten und dort sind Autoren, die gleichzeitig in verschiedenen kreativen Methoden schreiben können. Es ist mein Einwand, dass es solche Schriftsteller nicht gibt. Wie ich bewiesen habe, dass die Methode nicht nur eine Bewusstseinsform ist, sondern ein Werkzeug, das ich heute anwenden kann, aber nicht morgen. Und wenn ich Gorki lese: Er schrieb romantische Dinge, gleichzeitig schrieb er realistische Geschichten, heroisch-romantische Geschichten, philosophische und intellektuelle Prosa. Die Stunden sind typischerweise intellektuelle Parabeln. Er arbeitet auch im Genre des aufklärerischen Klassizismus. Das heißt aber nicht, dass wir die Regie vernachlässigen sollten, gerade wenn ich von Gorki spreche, versteht es dieser Künstler, verschiedene Regietendenzen zu kombinieren und perfekt umzusetzen. Es gibt Werke, die Legierungen bilden. Es gibt Legierungen von realistischen und romantischen Strukturen in einem Werk: in "Cement" gibt es romantisch und realistisch, in den Werken der modernen Literatur realistisch und naturalistisch, sentimental. Wenn ich Astafjew lese, hat er einen schmutzigen Naturalismus und die höchste, zu Tränen rührende Sentimentalität: Hirten und Hirtinnen, wunderbare Lieder, liebevolle Szenen - Boris begann Lucy durch den Raum zu tragen, es mag ungewöhnlich sein, aber da er sich verpflichtete, sich um sie zu kümmern eine Frau, dann trage es. Abgerundet mit Humor und einem Lächeln.

Ich argumentiere, dass das Verständnis der Essenz des Begriffs einer literarischen Bewegung wieder möglich ist, wenn wir das Methode-Stil-Genre-System als seine strukturelle Grundlage betrachten.

Jede literarische Richtung ist ein groß angelegtes (epochales) historisches und literarisches System, das strukturell durch selektive Affinität zwischen einer bestimmten kreativen Methode und verwandten Gruppen (Familien) von Genres und Stilen organisiert ist. Die Funktion der literarischen Strömung ist die ästhetische Entwicklung des Welt- und Menschenbegriffs, der während der literarischen Ära geboren wird, sich entwickelt, seinen Höhepunkt erreicht, sich zu diskreditieren beginnt. Im Wesentlichen beginnt sich die literarische Bewegung im Moment der Geburt eines neuen Konzepts der Welt und des Menschen zu bilden und ist ein Werkzeug, um dieses System, dieses Konzept zu entdecken, zu verstehen und zu formen. Es gibt kein erstes Konzept, dann eine Richtung, es passiert gleichzeitig. Daher ist jeder literarische Trend eine solche Struktur: eine kreative Methode, die in Beziehung zum Subsystem der Genres und zum Subsystem der Stile steht. Interagiert mit Genre und Stil, aber gleichzeitig interagieren Genres und Stile auch miteinander. Wie funktioniert es? yuh, das mögliche Volumen der Veröffentlichung. Ich habe Ihnen nun gezeigt, wie eine literarische Strömung entsteht. Der Einfachheit halber werde ich näher auf den Klassizismus eingehen. Sie wissen, dass der literarische Trend des Klassizismus in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts geboren wurde, sich dann ausbreitete und bereits im 18. Jahrhundert ganz Russland eroberte. Wir streiten über die Grenzen des Klassizismus in Russland, aber die meisten Wissenschaftler glauben immer noch, dass der Klassizismus in Russland etwa von den 1710er bis 1810er Jahren existierte, diese Zeit war die vorherrschende literarische Richtung. Jetzt werde ich nicht über die historischen, philosophischen Wurzeln sprechen, die den Klassizismus hervorgebracht haben. Die Grundlage des Klassizismus ist Bildung, der Denkmechanismus des Klassizismus ist Rationalität, die Hauptidee des Klassizismus ist, dass die Welt auf der Grundlage der vernünftigen Prinzipien der Person selbst aufgebaut werden kann. Nun schau: Wenn eine kreative Methode geboren wird, beginnt immer die Suche nach einem Lieblingsgenre, das am ehesten damit verwandt ist. Die Geburt der Klassik war mit einer neuen Blüte der Dramaturgie verbunden. Die Klassiker erfanden keine neuen Gattungen, sie nahmen die alten, gutes Genre , die einfach wiederbelebt, von Shakespeares Turbulenzen befreit und auf rationalistische Gleise verlegt werden muss. Und so ist das klassische Drama ein Drama, das sich an den Traditionen von Aischylos, Sophokles orientiert. Warum wurde Drama ausgewählt? Da im Drama das, was passiert, wie Hegel schreibt, von den inneren ... Charakteren bestimmt wird, ist das, was passiert, das Ergebnis der subjektiven Handlungen einer Person. Denken Sie daran, wir sagten, dass es im Drama immer einen Helden gibt – eine Person mit Willen, so war Ödipus der König, so war Antigone, Hamlet. Der Hauptkonflikt im Drama ist die Handlung, und die Handlung ist keine physische, sondern eine spirituelle Handlung – eine Wahl, eine Wahl, wie man sich verhält und was man tut, wie man diese Welt verändert, und eine Person ist dafür verantwortlich für die getroffene Wahl. Das passt zum klassischen Konzept, es ist notwendig, die Welt nach den Vorstellungen dessen zu bauen, was fällig ist, ich weiß, wie die Welt sein sollte, und ich werde diese Welt neu aufbauen. Dementsprechend ist das Modell, nach dem die Welt aufgebaut ist, rationalistisch. Wie ein rationalistisches Modell entsteht, zeigen wir am Beispiel von Corneilles Theaterstück „Sid“ – ein Aufeinanderprallen von Gefühl und Pflicht. Beachten Sie, dass diese dialogische Struktur des Stücks durch starke Faktoren der emotionalen Wirkung verstärkt wurde - Spektakel, die Wirkung der direkten Anwesenheit des Zuschauers. Und all dies macht es möglich, das Drama zum Hauptgenre des Klassizismus zu machen. Die Tragödie und vor allem die hohe Tragödie wird als Gegenteil genommen, nicht alltäglich, es sind diese 2 Gattungen, die einen rationalistischen Ansatz tragen, das Verhalten des Helden mit einer absoluten transpersonalen Norm korrelieren können. Die Tragödie von Racine und die Komödie des Genies Molière. Methode und Genre fanden zueinander. Die im Weltmodell hervorragend materialisierten Methodenprinzipien, die der dramatischen Gattung zugrundeliegen und ihre Affinität zur Methode bestimmen, werden zum Metagattungs-Konstruktionsprinzip der Klassik des gesamten Gattungssystems der gesamten literarischen Bewegung der Klassik. Achten Sie auf die folgenden Dinge, im französischen Klassizismus gab es zwei führende Genres - Tragödie und Komödie, und dann beginnen einige lyrische Genres in den Orbit des Klassizismus gezogen zu werden, aber welche Art ist zum Beispiel im französischen Klassizismus eine Fabel (Lafontaine ), weil eine Fabel, wie ich glaube, ein ganz besonderes Genre ist, ich halte es für ein lyrisch-dramatisches Genre. In allen Lehrbüchern liest man, dass dies ein lyrisch-episches Genre sei, ich halte das für einen theoretischen Irrtum. Eine Fabel ist eine lyrisch-dramatische Gattung, denn in einer Fabel gibt es immer zwei gegensätzliche Seiten, zwischen denen es einen Dialog gibt, jede dieser Seiten will ihren Standpunkt beweisen und setzt dies in irgendeiner Handlung um. Es gibt eine Moral, die sagt, wer wer ist und wer was ist. Die Besonderheit ist: Es gibt in einer Fabel immer einen, der der rationalen Norm entspricht, und einen, der ihr entgegengesetzt ist, es gibt einen positiven und einen negativen Charakter. In Russland zum Beispiel begann sich das Genresystem des Klassizismus aus lyrischen Genres herauszubilden, dafür gibt es mehrere Gründe, einer davon ist dieser: Der Klassizismus kam nicht zuerst nach Russland, nicht mit Tragödien und Komödien, sondern mit Lyrik und Epos, und deshalb nahmen sie in Russland lyrische poetische Formen des Klassizismus wahr. Aber in Russland traten Oden, Satiren, Fabeln, Psalmen - religiöse Hymnen, Gebete - in den Vordergrund. Sie verstehen, warum diese Formen in Russland charakteristisch waren: In Russland wuchs der Klassizismus auf den Traditionen der alten russischen Literatur mit seinem religiösen und didaktischen Pathos und mit der ziemlich großen Autorität kirchlicher Gattungen auf, die eigentlich didaktisch strukturiert, lehrreich sind - Predigten, Gebete. Die Besonderheit der Genres bildete in Russland ein System lyrischer Genres des Klassizismus: Sie sind alle auf die eine oder andere Weise der Dramatisierung zugänglich. In der Fabel gibt es einen Dialog, wie wir gesehen haben, und in den Satiren von Cantemir gibt es auch Dialoge (den Dialog zwischen einem Narren und einem Klugen). Wurde Lomonossows Ode als Beispiel für Dramatisierung analysiert? Ode - ein möglicher Dialog mit dem Adressaten - mit Elizaveta Petrovna. Aber es ist schlau geschrieben, tatsächlich ist dies eine Lektion. Es gibt dort Elemente der Lehre: Das erste ist „die Könige und Königreiche der Erde sind eine Freude“, Sie werden es gut machen, wenn Sie Frieden stiften, das zweite ist, sich auf die Wissenschaft zu verlassen, das dritte ist, darauf zu schauen, wie reich Russland wir sind haben, wenn Sie die Wissenschaft fördern, dann wird es ein wohlhabendes Land geben, viertens - Sie haben ein Vorbild - Peter der Große, Sie werden eine große Königin sein, ein Nachfolger der Taten Ihres Vaters. Ich habe diese Einstufung schematisiert, aber so steht es dort.

Nehmen Sie die Psalmen – das ist auch ein möglicher Dialog, aber mit Gott wende ich mich entweder mit Lob oder mit Lob an Gott. Lomonosov hat einen Psalm, in dem er ihn bittet, ihm zu helfen, mit seinen Feinden umzugehen.

Und dann, wenn sich um die dramatischen bereits eine Familie lyrischer Genres gebildet hat, beginnt sie, in den Orbit des Klassizismus und der epischen Genres hineingezogen zu werden, aber Genres, die für den Dialog, für die Kommunikation mit ihrem Leser bestimmt sind. Lomonosovs Oden sind geistliche Paraphrastik, hier wird der Text eines anderen etwas anders nacherzählt, weil Lomonosov Psalmen aus dem Psalter nahm und sie in seine eigene Sprache transkribierte.

Prosagenres, Ende des 17. Jahrhunderts taucht in Frankreich eine sehr interessante Prosa auf, die als didaktische Prosa bezeichnet wird. Wir studieren diese Prosa leider praktisch nicht: Jean La Bruyères Buch "Characters or Mores of Our Century", La Rochefoucaulds Buch "Maxims" (Maximen sind aphoristische Aussagen, Urteile, weise Gedanken, zum Beispiel "Ich denke, also ich bin"), Memoiren von Sen-Simone, "Gedanken über Religion und bestimmte andere Angelegenheiten" von Blaise Pascal. Die Bibliothek der Weltliteratur besitzt eine eigene Sammlung französischer Prosa aus dem 17. Jahrhundert. In Russland jedoch, paradoxes Denken, unerwartete Gedankengänge, allegorische Geschichten, sind wir nicht so sehr an paradoxe Urteile gewöhnt, sondern entweder an starken Humor oder an Lehren. Interessant ist jedoch, dass Prosa in Russland in Form von Zeitschriften erschien: „Pustomel“, „Drone“, „Painter“, „Purse“, Krylov veröffentlichte die Zeitschrift „Mail of Spirits“ und Katharina die Zweite „All sorts of Dinge". Es war eine Stilisierung einer Zeitschrift, es gab Überschriften, Rubriken, wie es sich für eine Zeitschrift gehört, aber alles war von einer Person geschrieben. Aber warum ein Magazin? Denn in einem Magazin in einem Magazin gibt es Korrespondenz mit dem Leser, Ankündigungen, Informationen, das ist ein sehr dialogisches Genre. Ich habe sogar geschrieben: „Mancher Richter braucht das frischeste und reinste Gewissen…“, „Sie haben heimlich ein Projekt getestet, um Herzen im Sturm zu erobern. Die Arbeit von Herrn Seblaznitelev. Dies ist ein lustiger Dialog mit dem Leser.

Das sind zwar kleine Genres. Reisegenres tauchen auf: (Lieber Leser, lassen Sie mich Ihnen vorstellen ...), Korrespondenzgenres, Genres rationalistischer Utopien und Dystopien, zum Beispiel Voltaires Candide oder The Innocent. Und später, schon ganz am Ende des Klassizismus, wird ein Roman geboren, aber was für ein moralisierender, moralisierender: „Eine hübsche Köchin“. Warum ein Moralroman? - die Handlung, der Held, oft ein direkter Appell an den Leser. Das heißt, das Metagattungsprinzip der Dramatisierung fasst all diese Gattungen zu einem einzigen System zusammen, das in der Lage ist, den klassischen Welt- und Menschenbegriff in einem ziemlich großen Umfang auf einem ziemlich weiten Gebiet zu erfassen und umzusetzen.

Wie Sie sehen, beginnt sich das Gattungssystem des Klassizismus gegen Ende seiner Existenz allmählich zu lockern. Sie wird dann mit neuen Trends in Kontakt kommen, die reifen. Diese Tendenzen sind vorrealistisch und vorromantisch. Wenn Sie zum Beispiel Radishchev lesen, stellt sich die Frage, wer er ist, einige sagen, er sei ein Klassiker, andere ein Sentimentalist und wieder andere - aufklärerischer Realismus. Er ist beides. Er ist einerseits ein Mann der Grenze, er hat eine rein didaktische Sache geschrieben, er wollte sagen, was er sagen wollte, er wählte den Plot einer Reise, einen vertrauten, attraktiven Plot, um zu zeigen, dass er es ist unmöglich, so zu leben. Er schließt phantasmagorische Träume ein, in denen er darüber nachdenkt, was zu tun ist, und dir sagt, wie du handeln sollst. Er zeigte nicht nur einen romantischen Konflikt zwischen den Lebensumständen und dem Willen, den er in sich trägt, sondern zeigte auch nicht nur einen Gedanken, sondern eine Leidenschaft: „Meine Seele ist vom Leiden verwundet“, also auch die sentimentale Komponente tritt hier ein.

Grenztexte tragen immer den Anfang neuer Methoden und neuer Zukunftsrichtungen. Werke wie das von Radishchev sind Grenzgängerwerke, in denen man nichts weiter studieren muss als das, was zusammenwirkt: Klassizismus mit aufkeimenden vorromantischen und vorrealistischen Prinzipien.

Stattdessen hat die literarische Richtung notwendigerweise ihre eigenen charakteristischen stilistischen Tendenzen. Hier bin ich etwas ratlos in meiner Argumentation, weil ich mich noch nicht tief mit dem Studium von Stilsystemen beschäftigt habe, aber ich kann es skizzieren. Jede Richtung hat einige Stile in der Nähe. Im Klassizismus ist die Stilpalette starr normiert. Auf der Grundlage der Praxis des Klassizismus leitete Lomonosov die Theorie der drei Stile ab - hoch, niedrig und mittel. Sie werden nicht sagen, welche drei Stile zum Realismus gehören. Oden und Tragödien sollten im hohen Stil geschrieben werden, Fabeln und Satiren sollten im niedrigen Stil geschrieben werden und Romane und Prosatexte sollten im mittleren Stil geschrieben werden. Aber ich würde eine andere Sicht auf die Stile im Klassizismus bieten, nicht nur in Bezug auf die Pathosebene, sondern auch in Bezug auf die Farbgebung der Stile. Im Klassizismus sind sie alle didaktisch, sie alle zielen darauf ab, einen Menschen zu erziehen, ihn aufzuklären, ihn zu unterrichten. Sie sind, glaube ich, mit didaktischen Intonationen gefüllt, die noch aus den Traditionen der alten russischen Literatur stammen. Aber als ich versuchte, diese didaktischen Intonationen zu bestimmen, habe ich 2 herausgegriffen: Die eine ist eine Art scheinbarer Dokumentarfilm, ich habe sie gesehen, ich habe sie beobachtet, ich habe das Recht, Schlussfolgerungen zu ziehen und zu lehren. Klassizismus ist plausibel. Zweitens: eine Art hohe Mythologie - eine Orientierung an klassischen Vorbildern, antiken Tragödien, Heldenepos, Sie erinnern sich, dass im 18. Jahrhundert riesige Gedichte geschrieben wurden, Lomonosov schrieb "Peter der Große", "Petriade". Sie wurden alle in Anlehnung an Virgil, das große antike Epos, geschrieben. Schließlich die dritte Stilrichtung, die ich rationalistische Fantasie genannt habe, bei deren Annahme ein bedingtes Weltbild entsteht, in dem man wie in einem Labor die Idee testen kann: „Candide oder der Unschuldige“ ist ein völlig offensichtliches Beispiel. Die großen französischen Romane stehen in Kontakt mit diesem Phänomen: "Robinson Crusoe", "Gullivers Reisen". Welche Annahme wurde in Robinson Crusoe gemacht, der Prototyp des Helden war ein Seemann, der wegen schlechten Benehmens auf der Insel gelandet war, und er lebte 4 Jahre auf der Insel und wurde fast wild, verlor sogar fast seine Sprache, er erholte sich für einen lange Zeit. Hat Defoe darüber geschrieben? Er hat eine Aufgabe – nun sehen wir, wie das Menschengeschlecht, die Menschheit zivilisiert wird, und tatsächlich ein Modell der Geschichte des Menschengeschlechts schafft, es geht durch die Phase des Sammelns, des Ackerbaus, der Sklaverei, der bürgerlichen Verhältnisse. Wenn Sie Swift lesen, gibt es zwei utopische Welten: Eine Anti-Welt sind die Zwerge, die andere Welt sind die Riesen. Liliputaner, was sie tun - sie streiten sich darum, von welchem Ende sie Eier brechen, von einem stumpfen oder einem dicken - Religionskriege. Wie sie Positionen einnehmen - sie wissen, wie man auf einem Drahtseil balanciert. Als Gulliver dem König der Riesen sagte, dass Sie Kanonen bauen müssen und die Welt erobern können, sagte der König: „Warum?“

Literatur- und Bibliothekswissenschaft

Die Struktur eines literarischen Werks ist eine bestimmte Struktur eines Werks der Wortkunst, seine innere und äußere Organisation, eine Art, seine Bestandteile zu verbinden. Das Vorhandensein einer bestimmten Struktur gewährleistet die Integrität der Arbeit, ihre Fähigkeit, den darin ausgedrückten Inhalt zu verkörpern und zu vermitteln. Grundsätzlich ist der Aufbau eines Kunstwerks wie folgt: Eine Idee ist Der Grundgedanke Werke, in denen die Haltung des Schriftstellers zu den dargestellten Phänomenen zum Ausdruck kommt.

Die Struktur eines Kunstwerks.

Ein Kunstwerk ist ein Objekt, das eine Ästhetik hatWert, ein materielles Produkt künstlerischer Kreativität, bewusster menschlicher Aktivität.

Ein Kunstwerk ist ein komplex organisiertes Ganzes. Es ist notwendig, seine interne Struktur zu kennen, dh seine einzelnen Komponenten hervorzuheben.

Der Aufbau eines literarischen Werkes niya ist eine Artdie Bildung eines Werkes der Wortkunst, seine innere und äußere Organisation, die Art und Weise der Verbindung seiner konstituierenden Elemente. Das Vorhandensein einer bestimmten Struktur gewährleistet die Integrität der Arbeit, ihre Fähigkeit, den darin ausgedrückten Inhalt zu verkörpern und zu vermitteln. Und das ist sehr wichtig in der Arbeit.

Grundsätzlich ist der Aufbau eines Kunstwerks wie folgt:

Idee ist die Hauptidee der Arbeit, die die Haltung des Schriftstellers zu den dargestellten Phänomenen zum Ausdruck bringt.Allgemeiner, emotionaler, figurativer Gedanke, der dem Kunstwerk zugrunde liegt. Warum wurde diese Arbeit geschrieben?

Parzelle Dies ist eine Reihe von Ereignissen und Beziehungen zwischen den Akteuren der Arbeit, die sich in der Arbeit in Zeit und Raum entwickeln. Einfach gesagt, darum geht es in der Arbeit.

Komposition die innere Organisation eines Kunstwerks, die Konstruktion von Episoden, Hauptteilen, einem System von Ereignissen und Bildern von Charakteren.

Die Zusammensetzung hat ihre Hauptkomponenten:

Exposition Informationen über das Leben der Charaktere vor der Entwicklung der Ereignisse. Dies ist eine Darstellung der Umstände, die den Hintergrund der Handlung ausmachen.

Binden ein Ereignis, das Widersprüche verschärft oder schafft und zu Konflikten führt.

HandlungsentwicklungDies ist die Identifizierung von Beziehungen und Widersprüchen zwischen den Charakteren, die weitere Vertiefung des Konflikts.

Höhepunkt der Moment maximaler Handlungsspannung, die Verschärfung des Konflikts bis zum Äußersten. Im Höhepunkt kommen die Ziele und Charaktere der Charaktere am besten zum Ausdruck.

Kreuzung der Teil, in dem der Konflikt zu seiner logischen Lösung kommt.

Epilog Bild der Ereignisse nach einer gewissen Zeit nach der Auflösung.

Abschluss der Teil, der die Arbeit vervollständigt, zusätzliche Informationen über die Helden der Arbeit liefert, eine Landschaft zeichnet.

Bei normaler Lektüre der Arbeit ist diese Struktur nicht nachzuvollziehen, und wir bemerken keine Reihenfolge, aber bei einer detaillierten Analyse des Textes kann sie leicht identifiziert werden.

Wir können also sagen, dass es ohne eine bestimmte Struktur unmöglich ist, eine Arbeit zu schreiben und den Leser dafür zu interessieren. Obwohl wir beim Lesen keine Struktur bemerken, spielt es dennoch eine sehr wichtige und sogar eine der wichtigsten Rollen beim Schreiben eines Kunstwerks.

Sowie andere Werke, die Sie interessieren könnten
15070.		Kutty bilik eskertkishinin tarihi tanymynyn kalyptasuynyn korkem-ideyalyk aseri	50 KB
	KUTTY BILIK ESKERTKІSHІNІҢ TARIHI TANYMYNYҢ KALYPTASUYNYҢ KӨRKEMIDEYALYK ӘSERI Zh.Abeuova B.Kh. Ezhelgi Turkistannyn batysy men shygysynda birdey IX ғasyrdan bastapaқ yқpaldy irgeli eldіk құrғan Қа...
15071.		Kyz Zhibek zhyryndagy Salz-Dasturler	91 KB
	Kyz Zhibek zhyryn mengerte otyryp, mazmunyna taldau zhasatu, zhirdagy kedesetin salt-dästүrler, olardyn kazak halkynyn turmys-tіrshіlіgіndegi, bala tаstyrbiesіndegrі illy bаl.
15072.		Kyzyl Reich ist ein құldyқ ұrғan Audarma. Koshpendiler	1,31 MB
	Nursaule Rsaliyeva Қ.A. degi zhane oryssha nuskasynan zhasalgan agylshyn tі
15073.		M. Auezovtyn Abay zholy romanynyn adebi korkemdіgі	74 KB
	M. Auezovtyn Abay zholy Romane Alash kayratkerleri ishinde kommunistik terrorordan tiri kalgan zhalgyz kazak Mukhtar auyezov edi. Ol uly tolkynnyn ruhani amanatyn korkem adebiette tolyk kaldyrgan birdenbir kalamger. Bul idea en aldymen onyn basty shygarmasy Abay zholy
15074.		M.AUEZOV KASACH ADEBIETINININҢ TARIKHI TURALY	66 KB
	M.AUEZOV KASACH ADEBIETINININ TARIKHI TURALY ZHUMABEKOVA AIKEN AITMAҒAMBETKYZY. Pavlodar kalasy K. Bekkozhin atyndagy Nr. 12 zhalpy orta bilim nimm mektebi. Mukhtar Әuezovtіn ғalymdyқ zholy kөpke belgіlі. Ol zhasynanaq zhazhylyk kyzmetpen bіrge аdebiet turaly oypіkіrl ...
15075.		M.Auezov аңгіmelerіndegі tartys	83 KB
	Mұratbekkyzy Altynai L.N. өз ө
15076.		M.Auezovtyn Khan Kene Tragedy Syndagy Alashshyldyk Ideanyn Kornisteri	69 KB
	Liliya Sergazy L. N. ynda alashshyl kozkarastyn sozylyp
15077.		M. Shakhanov	65,5 KB
	AOZH 882:929 MҰKHTAR SHAKHANOV Oserova N.Asanbekova Zhambyl atyndagy №5 orta mektep Taraz қ. Kasachisch khalky asa kurdeli problemaғa mandai teredi. Oz ultymyzdyn ishіnen orys zhane batys madenietіmen zhete susyndas yes a ...
15078.		Magzhan Zhumabaevtyn Batyr Bayan Gedichte	56 KB
	MAҒZHAN ZHUMABAEVTYҢ BATYR BAYAN POEMAS M. Orynbaev A. Kalshabekov Taraz memlekettik pädagogische Institute Taraz қ. XVIII ғasyr kazak halkynyn қiynkystau zamany kühn. Zhongar kalmaktyn zhanzhaktan kyspagy eldi katty kuizeliske ush...

Es könnte hilfreich sein zu lesen:

Aus welchen Teilen besteht ein literarisches Werk? Struktur und Vollständigkeit eines literarischen Werkes

Sehen Sie, was die "Struktur eines literarischen Werks" in anderen Wörterbüchern ist:

Bücher

Sowie andere Werke, die Sie interessieren könnten