Steinhäuser aus dem 17. Jahrhundert. Schullexikon

Architektur In der russischen Architektur des 17. Jahrhunderts, wie auch in anderen Bereichen des damaligen russischen Kulturlebens, begannen weltliche Motive zu dominieren. Die russische Architektur des 17. Jahrhunderts ist wegen ihrer dekorativen Wirkung interessant. Wunderschöne Reliefverkleidungen schmücken die Fenster von Gebäuden, Steinmetzarbeiten machen die Gebäude ungewöhnlich malerisch und malerisch. Fliesen verleihen den Gebäuden der russischen Architektur des 17. Jahrhunderts ihr vielfarbiges Aussehen.

Zeltböden Eine der beliebtesten Architekturformen des 17. Jahrhunderts ist das Zelt. Die Refektoriumskirche des Alekseevsky-Klosters in Uglitsch ist ein markantes Beispiel dieser architektonischen Form. Über dem schweren Volumen des Refektoriums erheben sich drei schlanke Zelte. Die Zelte stehen auf den Gewölben der Kirche und sind nicht mit deren räumlicher Struktur verbunden.

In der Weiterentwicklung der russischen Architektur des 17. Jahrhunderts wandelt sich das Zelt vom strukturellen zum dekorativen Element. Das Zelt wird zu einem charakteristischen architektonischen Element des 17. Jahrhunderts für kleine Stadtkirchen. Bestes Beispiel Architektur dieser Art aus dem 17. Jahrhundert ist die Moskauer Kirche der Geburt der Jungfrau Maria in Putinki. Einheimische Gemeindemitglieder begannen mit dem Bau der Kirche. Die Gemeindemitglieder wollten Moskau mit beispiellosem Reichtum und Schönheit überraschen. Sie schätzten ihre Kräfte jedoch nicht ein und mussten den König um Hilfe bitten. Alexey Mikhailovich spendete eine riesige Summe aus der Staatskasse für den Bau des Tempels. Der Tempel ist wirklich sehr gut geworden. Im Jahr 1652 verbot Patriarch Nikon den Bau von Kirchen im Walmbaustil. Zeltböden

Moskauer (Naryschkin) Barock Im letzten Viertel des 17. Jahrhunderts verbreitete sich der Moskauer Barockstil in der russischen Architektur. Dieser Stil war im 17. Jahrhundert durch Ordnungsdetails, die Verwendung roter und weißer Farben bei der Bemalung von Gebäuden und die Anzahl der Stockwerke in Gebäuden gekennzeichnet. Nowodewitschi-Kloster: Torkirche, Glockenturm. Moskau (Naryshkino) Barock

Zivilarchitektur In der russischen Architektur des 17. Jahrhunderts stand der Steinbau nicht nur der königlichen Familie zur Verfügung. Die wohlhabenden Bojaren und Kaufleute können sich nun „Steinvillen“ bauen. Moskau und die Provinzen kennen viele Steingebäude adliger und wohlhabender Familien.

Malerei In der russischen Kultur des 17. Jahrhunderts prallten zwei sich gegenseitig ausschließende Strömungen aufeinander. Einerseits ist diese Ära geprägt vom Wunsch, aus dem Joch überholter Traditionen auszubrechen, der sich in realistischen Suchen, in einem leidenschaftlichen Wissensdurst, in der Suche nach neuen moralischen Normen, neuen säkularen Genres in Literatur und Kunst manifestiert . Andererseits wurde hartnäckig versucht, die Tradition in ein verbindliches Dogma umzuwandeln, das Alte, durch die Tradition geheiligte, in seiner ganzen Integrität zu bewahren.

Die Verschärfung der gesellschaftlichen Widersprüche führte zu einer immer deutlicher werdenden Klassendifferenzierung der Kunst und insbesondere der Malerei. Die Hofkunst begann eine entscheidende Rolle zu spielen: Gemälde von Palastgemächern, Porträts, Bilder des Stammbaums der russischen Zaren usw. Sein Hauptgedanke war die Verherrlichung der königlichen Macht.

Nicht weniger bedeutsam war die Kirchenkunst, die die Größe der Kirchenhierarchie predigte. Der Aufstieg von Kultur und Kunst begann erst in der Mitte des 17. Jahrhunderts. In diesen Jahren wurde die Rüstkammer zum wichtigsten künstlerischen Zentrum nicht nur Moskaus, sondern des gesamten russischen Staates, an deren Spitze einer der gebildetsten Menschen der Welt stand 17. Jahrhundert, Bojar B. M. Khitrovo. Hier waren die besten künstlerischen Kräfte konzentriert. Die Meister der Rüstkammer wurden mit der Renovierung und Neubemalung der Palastkammern beauftragt und hier wurden Ikonen und Miniaturen gemalt. In der Rüstkammer gab es eine ganze Werkstatt von „Bannermachern“, also Zeichnern, die Zeichnungen für Ikonen, Kirchenbanner, Regimentsbanner, Näharbeiten und Schmuck anfertigten (über die Rüstkammer als Zentrum für dekorative und angewandte Kunst). Darüber hinaus diente die Waffenkammer als eine Art höhere Kunstschule. Künstler kamen hierher, um ihre Fähigkeiten zu verbessern. Alle Malerarbeiten wurden vom königlichen Ikonographen Simon Ushakov geleitet. Die bedeutendsten Ikonenmaler der Rüstkammer waren neben Uschakow Kondratjew, Besmin, Josef Wladimirow, Sinowjew, Nikita Pawlowez, Filatow, Fjodor Subow und Ulanow.

Simon Uschakow Eine der zentralen Figuren der russischen Kunst des 17. Jahrhunderts war zweifellos der Künstler Simon Uschakow (). Die Bedeutung dieses Meisters beschränkt sich nicht nur auf die zahlreichen von ihm geschaffenen Werke, in denen er versuchte, künstlerische Dogmen zu überwinden und eine wahrheitsgetreue Darstellung dessen zu erreichen, „wie das Leben geschieht“. Ein Beweis für Uschakows fortschrittliche Ansichten ist auch das, was er offenbar in den 60er Jahren schrieb: „Ein Wort an einen Liebhaber der Ikonenmalerei“. In dieser Abhandlung schätzt Ushakov die Absicht des Künstlers sehr, der in der Lage ist, Bilder „aller Kreaturen“ zu schaffen, „diese Bilder mit unterschiedlicher Perfektion zu schaffen und durch verschiedene Künste das Mentale leicht sichtbar zu machen“. Ushakov hält die Malerei für höher als alle „auf der Erde existierenden Künste“, die „allen anderen Arten überlegen ist, weil ... sie das dargestellte Objekt lebendiger darstellt und alle seine Qualitäten klarer vermittelt.“ Uschakow vergleicht die Malerei mit einem Spiegel, der das Leben und alle Gegenstände widerspiegelt.

Freskengemälde der Kirche des Propheten Elias Das bedeutendste aller Wandgemälde in Jaroslawl wurde 1681 von einer Gruppe von Meistern unter der Leitung der Moskauer Künstler Gury Nikitin und Sila Savin angefertigt. Am interessantesten sind die Fresken an den Wänden, die der Geschichte von Elia und seinem Schüler Elisa gewidmet sind. In diesen Fresken wird das Thema der Heiligen Schrift oft in eine faszinierende Geschichte verwandelt, in der weltliche Aspekte Vorrang vor religiösen Inhalten haben.

Parsuna In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts begann das Porträt einen immer stärkeren Platz in der russischen Kunst einzunehmen. Damals in der Mitte des vorigen Jahrhunderts () Kirchenkathedrale diskutierte die Möglichkeit, „lebendigere“ Menschen in Ikonen darzustellen.

Die Verwüstungen der Zeit der Unruhen führten dazu, dass der Steinbau im Land fast vollständig eingestellt wurde. Die Pause in der Bautätigkeit dauerte fast ein Vierteljahrhundert – ein Zeitraum, der ausreichte, um die architektonische Tradition im Mittelalter zu unterdrücken, als berufliche Fähigkeiten durch visuelle Darstellung bei der gemeinsamen Arbeit älterer und jüngerer Handwerkergenerationen vermittelt wurden. Als daher in den 1620er Jahren die russische Wirtschaft ein Niveau erreichte, das ausreichte, um den Bau von Steingebäuden wieder aufzunehmen, begann in der Architektur eine Wiederholung dessen, was bereits geschehen war – alte Gebäudetypen wurden reproduziert, manchmal in einer aufgerauten, reduzierten Version.

Die Erhaltung der alten Typologie und dekorativen Formen nach der Zeit der Unruhen hatte nicht nur materielle, sondern auch ideologische Gründe. Der durch ungünstige politische und wirtschaftliche Umstände verursachte Bruch der kulturellen Tradition wurde von der damaligen russischen Gesellschaft, die programmatisch (wie im Mittelalter typisch) auf die Reproduktion der Tradition ausgerichtet war, sehr deutlich erlebt. Sich ihr zuzuwenden schien ein bedingungsloser Segen zu sein, eine Wiederherstellung der verlorenen Integrität des Seins.

In Übereinstimmung mit dem oben Gesagten wiederholte die Fürbittekirche in Rubtsov (1619 - 1626), die im Auftrag von Michail Romanow zum Gedenken an den Sieg über die polnischen Truppen errichtet wurde (also die wichtigste Gedenkbedeutung hat), das „Godunov“. ” Kirchen mit Kreuzgewölbe, gekrönt von einem Hügel aus Kokoshniks. Allerdings sind architektonische Details einfacher und das Mauerwerk rauer geworden.

Allerdings bereits an der Wende der 20er und 30er Jahre des 17. Jahrhunderts. Es tauchen Gebäude auf, die zwar auf alte Typen zurückgehen, die etablierte Typologie aber durch eine Reihe neuer Funde bereichern. Dies ist die Fürbitte-Kirche in Medwedkowo (1634–1635), die einer Nachbildung der Fürbitte-Kathedrale auf dem Wassergraben (Basilius-Kathedrale) gleicht. Die Idee des Tempels, der auf dem Anwesen des Fürsten D. M. Pozharsky in der Nähe von Moskau errichtet wurde, hängt wahrscheinlich mit den Ereignissen der Zeit der Unruhen zusammen (1). Sie symbolisierte, ebenso wie die Fürbittekirche auf dem Wassergraben, den Sieg über Feinde anderer Glaubensrichtungen und behauptete den Ruhm der russischen Waffen. Die Zusammensetzung der Medwedkowo-Kirche mit ihrem zentralen Zelt, umgeben von vier blinden Eckkuppeln, zwei Kapellenkuppeln und einer Kuppel über dem Altar, erinnert eindeutig an den Grosny-Prototyp (2). Die Harmonie und Anmut der Kirche in Medwedkowo, die bedingungslose Unterordnung der Seitenelemente unter das Zelt unterscheidet sie jedoch schon auf den ersten flüchtigen Blick stark vom berühmten Prototyp. Auch hier gibt es originelle Dekorationsmotive: In der ersten Reihe der Kokoshniks des Vierecks wechseln sich große halbrunde Kokoshniks mit sehr länglichen kleinen ab, deren Feld recht tiefe Nischen ausfüllt. Der Wechsel von großen und kleinen Formen, der in der zweiten Reihe der Zakomars aufgegriffen wird, klingt wie eine Stimmgabel für die gesamte Komposition; Der zentrale Tempel und die Kapellen, die kleinen Kapitel und das Zelt, die Kokoshniks des Bodens und das Kapitel sind ebenfalls miteinander verbunden.

Im größten Profanbau der 30er Jahre des 17. Jahrhunderts manifestierte sich eine neue Einstellung zum Dekor, eine Veränderung seiner Interaktion mit der Gebäudestruktur. - Terem-Palast. In den Jahren 1636–1637 bauten die Steinarbeiterlehrlinge B. Ogurtsov, A. Konstantinov, T. Sharutin und L. Ushakov im Auftrag von Zar Michail Fedorovich drei weitere Stockwerke über den alten Werkstatträumen, in denen sich die Gemächer der Mitglieder der königlichen Familie befanden gelegen. Der Palast erhielt eine stufenförmige Silhouette: Der neue Überbau wurde mit Abstand zu den alten Mauern platziert, so dass um ihn herum eine offene Galerie entstand; Die zweite Galerie führte um das oberste Stockwerk herum – ein kleiner säulenloser Teremok. Dieser hier erstmals vorgestellte schrittweise Ansatz, das allmähliche Aufsteigen architektonischer Massen, ihre klare geometrische Zergliederung, Leichtigkeit und nicht identifizierte Wandstärke werden zu den bestimmenden Merkmalen der Architektur des letzten Viertels des Jahrhunderts.

Die Kirche der Heiligen Dreifaltigkeit in Nikitniki zeichnet sich durch ein helles Farbschema aus, das auf einer Kombination aus roten Wänden mit weißem Steindekor, grünen Flieseneinsätzen und natürlich grünen Kuppeln basiert. Das hohe Relief der Platbands und Säulen unterstützt das durch die Farbe gegebene Aktivitätsgefühl der architektonischen Formen, was auch durch die asymmetrische Zusammensetzung des Tempels erleichtert wird. Die Veranda und das Seitenschiff an der Südfassade werden durch einen weit nach Norden verlängerten Glockenturm ausgeglichen; Die Masse scheint frei von einem Teil des Gebäudes zum anderen zu fließen und in einem instabilen Gleichgewicht zu bleiben – halb Einheit, halb Konfrontation. Das Innere der Kirche wirkt im Gegensatz zur Außenhülle statisch, schlicht, fast primitiv.

Die Kirche der Heiligen Dreifaltigkeit in Nikitniki wurde zum Inbegriff architektonischer Ideen des reifen 17. Jahrhunderts. und sorgte in anderen Städten des Moskauer Staates für Nachahmung: In Murom wurde im Auftrag von Tarasy Borisov die Dreifaltigkeitskirche des gleichnamigen Klosters errichtet, und in Weliki Ustjug wurde auf Kosten von eine ähnliche Himmelfahrtskirche errichtet Nikifor Revyakin. Beide Kunden waren Kaufleute aus demselben Moskauer Wohnzimmer wie G. Nikitnikov. Die wirtschaftliche Zentralisierung des Landes trug zur Gemeinsamkeit der künstlerischen Formen bei und sicherte die führende Rolle Moskaus im kulturellen Leben des 17. Jahrhunderts...

Das beschleunigte Tempo der Kunstentwicklung erforderte jedoch sofort eine weitere Modifikation des neu gefundenen Musters. Ein Beispiel ist die Moskauer Kirche der Geburt der Jungfrau Maria in Putinki (1649 - 1652). Seine Zusammensetzung ist im Vergleich zu Nikitnikows komplizierter und verwirrender geworden; Refektorium, Glockenturm, Kapelle des Brennenden Dornbuschs und Haupttempel lagen recht zufällig zueinander (6), die innere Struktur des Gebäudes ist von außen schwer zu erkennen.

Tempel der 50er – 80er Jahre des 17. Jahrhunderts. Trotz der großen Gemeinsamkeit der Planungs- und Gestaltungslösungen wirken sie dennoch recht individuell. Unterschiedliche Größen, Proportionen, Ausführungsarten, Dekorarten und -kombinationen machten jedes Denkmal einzigartig. Und doch bestand offensichtlich Bedarf an neuen Typen. Ein Beweis für ein solches Bedürfnis ist unserer Meinung nach das Erscheinen der Kirchen Unserer Lieben Frau von Kasan in Markovo (1672 - 1680) und St. Nikolaus in Nikolskoye-Uryupin (1664 - 1665). Die Kunden dieser Kirchen waren die Odoevskys, der Interpret war, wie in der Literatur üblich, Pavel Potekhin (24).

Beide Kirchen haben vier Gänge, wobei sich die Gänge in den Ecken des Hauptgebäudes befinden und jeweils in Form eines unabhängigen Tempels dekoriert sind, der von einem Hügel aus Kokoshniks gekrönt wird. Der Haupttempel endet mit derselben Rutsche. Die Kirche in Markovo scheint auf den ersten Blick fast identisch mit den Moskauer Posad-Kirchen zu sein.

Die Kirche in Trinity-Lykovo (1690 - 1696) (28), die demselben architektonischen Typus angehört, ähnelt drei auf einer Achse aufgereihten Tempeln: Über dem östlichen und westlichen Teil der Kirche befinden sich identische achtförmige Tempel. Die Fülle an Dekorationen macht die Kirche trotz ihrer geringen Größe fast zu einem Schmuckstück

Die schlanken Abschlüsse und anmutigen Proportionen der achteckigen Seitenschiffe stehen in scharfem Kontrast zu den gedrungenen gedrungenen Säulen an ihren Rändern und dem stark aufgelockerten breiten Gesims, das den Kopfhals mit einer Art gezacktem Kragen umgibt. Die skurrile Füllung des Abschlusses des Nordportals steht im Kontrast zu den strengen Muscheln des Südportals. Im Inneren der Kirche entsteht durch die den Mittelbau umlaufende Empore der Eindruck eines geradezu unharmonischen Kontrastes.

Die Tendenz, alte Kompositionsformen (kubische Posad-Kirchen) mit neuen, abgestuften Formen in beispielloser Brillanz und Perfektion zu synthetisieren, wurde in einer anderen Posad-Kirche in Moskau verkörpert – der Kirche Mariä Himmelfahrt auf der Pokrowka (1697–1705). Sein zentrales Viereck mit kreuzförmiger Spitze grenzte symmetrisch an den Altar und die westliche Vorhalle, ergänzt durch Achtecke. Die Gulbische, die den auf dem Keller errichteten Tempel umgab, verband ihn mit den Kirchen der Auferstehung in Kadashi und der Fürbitte in Fili, dem dreiteiligen Bau – mit der Kirche in Trinity-Lykovo und der Entscheidung der Spitze – mit die Kirche St. Paraskeva Friday in Okhotny, erbaut auf Kosten von V.V. Golitsyn.

Die Mariä Himmelfahrt-Kirche schien die interessantesten und typischsten Merkmale der Hauptstadtarchitektur des späten 17. Jahrhunderts vereint zu haben. Die komplexe, aber absolut logische und klare Struktur der Gebäudekomposition fand in den Prinzipien der Platzierung und der Wahl der dekorativen Motive volle Übereinstimmung: Die Platbands des Altars und des Vestibüls waren gleich, unterschieden sich jedoch von den Platbands des Hauptgebäudes Viereck; die komplexesten davon befanden sich am Haupttempel und die einfachsten am Glockenturm; Die Platbands der ersten „Etage“ des Vierecks waren am strengsten gestaltet und ihre Pracht nahm von unten nach oben zu.

DIE ARCHITEKTUR

Wie in der Geschichte der gesamten russischen Kultur, dem 17. Jahrhundert. nimmt eine Sonderstellung ein

Platz in der Entwicklung der russischen Architektur. Und in diesem Bereich mit großartigen

Der Wunsch, jahrhundertealte Kanones aufzugeben, war stark ausgeprägt.

Nach wie vor bestehen die allermeisten Gebäude nicht nur aus Holz

vnyakh, aber auch in Städten wurde es aus Holz gebaut. Steintempel und

Einzelne Profanbauten in Städten waren von einem Meer aus Holz umgeben

Gebäude. Häufige Brände, auch große Brände wie

Der Brand von 1626, der einen bedeutenden Teil Moskaus zerstörte, verwüstete

Städte und Dörfer.

Doch statt der verlorenen Holzgebäude wurden schnell neue errichtet.

hoch Im Laufe der Jahrhunderte hat sich die Kunst des Bauens mit Holz weiterentwickelt

XVII Jahrhundert hohes technisches und künstlerisches Niveau. Hervorragend

Ein Werk der Holzarchitektur war der berühmte Palast in Kolo-

Mensky, erbaut 1667-1678. unter Anleitung eines Tischlers

Elder Semyon Petrov und Bogenschütze Ivan Mikhailov.

In Holzarchitektur mit große Stärke Volkskultur erschien

vorreale Kultur.

Weltliche Elemente drangen immer mehr in die Steinarchitektur ein.

Der wichtigste Faktor, die den Aufstieg der Steinarchitektur bestimmte, war

Entwicklung der Produktivkräfte. Die handwerkliche Produktion ist gestiegen

auf ein höheres Niveau.

Steingebäude tauchten nun nicht nur in Städten auf, sondern auch

manchmal in Dörfern.

Ein herausragender Profanbau aus der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts

ist der Terem-Palast im Moskauer Kreml, erbaut

1635-1636 Bazhen Ogurtsov und Trefil Sharutin. Teremnoy

Der Palast verkörperte die bemerkenswerten Merkmale des lebhaften russischen Volkes -

viel Kreativität und Kunst. Dieser Palast ist ein Drei-

ein Gebäude mit mehreren Etagen auf hohen Stufen, gekrönt von einem hohen „Turm“.

Das goldene Dach und zwei Gürtel aus azurblauen Ziegelgesimsen wurden hinzugefügt

Der Palast hat ein elegantes, fabelhaftes Aussehen. Das Gebäude ist reich mit Schnitzereien verziert.

Viele Formen der Veredelung gehen direkt auf Holztechniken zurück.

die Architektur Zolotoe zeichnet sich durch seinen Reichtum an dekorativen Dekorationen aus.

Veranda, was zu zahlreichen Nachahmungen führte.

Der Moskauer Kreml hat erhebliche Umstrukturierungen erfahren. Im Jahr 1624-

1625 Der Engländer Fristophor Galovey zusammen mit Bazhen Ogurtsov

errichtete den Spasskaja-Turm in seiner heutigen Form. Ein neuer Turm ist entstanden

der Haupteingang zum Kreml und verband die Identität des Kremls mit seiner Vertikale

mit der Basilius-Kathedrale auf dem Roten Platz zu einem einzigen

Säbel Die Umstrukturierung der Kremltürme verlieh dem Kreml ein völlig neues Aussehen

neues Aussehen. Sein streng leibeigenes Erscheinungsbild wich einem feierlichen.

ein Ensemble, das die Größe und Macht des russischen Staates verkörperte.

Bemerkenswerte Gebäude entstanden in Jaroslawl, Toltschkow - Kirchen

Kirche Johannes des Täufers, Auferstehungskirchen in Kastrom und Romanov und

Eine strenge kirchliche Regulierung war letztlich zwecklos.

stark, um die Entwicklung des populären, weltlichen Prinzips in der Architektur zu behindern

Ehre. Wie in anderen Bereichen der Kultur ist der Einfluss von Religion und Kirche in

Es stellte sich heraus, dass die Architektur im 17. Jahrhundert lag. spürbar untergraben. Die letzten zwei

Jahrhunderte des 17. Jahrhunderts waren von einem neuen, architektonischen Hochhaus geprägt.

Ticket 23

Frage 1

Magie

Magie (lat. magia), Hexerei, Zauberei, Zauberei, Rituale, die mit dem Glauben an die Fähigkeit einer Person verbunden sind, Menschen, Tiere, Naturphänomene sowie imaginäre Geister und Götter auf übernatürliche Weise zu beeinflussen. Magie entstand wie andere Phänomene der Urreligion in der Antike, als der Mensch im Kampf gegen die Natur machtlos war. Magische Rituale, die allen Völkern der Welt gemeinsam sind, sind äußerst vielfältig. Bekannt sind beispielsweise „Schaden“ oder „Behandlung“ mit einem Zaubertrank, rituelle Waschungen, Salbungen mit heiligem Öl, das Tragen von Talismane usw. Sie waren weit verbreitet magische Rituale zu Beginn des Pflügens, Säens, Erntens, um Regen zu erzeugen, um Glück bei der Jagd, im Krieg usw. zu gewährleisten. Magische Rituale kombinieren oft mehrere Arten magischer Techniken, einschließlich eines Zauberspruchs (Verschwörung). Der Ursprung jeder Art von Magie hängt eng mit bestimmten Bedingungen zusammen praktische Tätigkeiten von Leuten. In einer Klassengesellschaft treten magische Riten vor komplexeren Religionsformen mit Gebeten und dem Versöhnungskult der höheren Götter in den Hintergrund. Aber auch hier bleibt Magie als wichtiger Bestandteil vieler Rituale jeder Religion erhalten, die komplexesten nicht ausgenommen – Christentum, Islam, Buddhismus usw. Daher spielen im Christentum magische Rituale eine wichtige Rolle (Konfirmation, Salbung, Pilgerfahrt). „heilige“ Heilquellen und andere), Wetter- und Fruchtbarkeitszauber (Gebet um Regen, Segen der Ernte usw.).

Es gab eine Einteilung der Magie in Schwarz (Appell an böse Geister) und Weiß (Appell an reine Geister – Engel, Heilige).

Die magische Wahrnehmung der Welt, insbesondere die Idee der universellen Ähnlichkeit und Wechselwirkung aller Dinge, bildete die Grundlage der ältesten naturphilosophischen Lehren und verschiedener „Geheimwissenschaften“, die in der Spätantike und im Mittelalter weit verbreitet waren ( zum Beispiel Alchemie, Astrologie usw.). Die Anfänge der experimentellen Naturwissenschaft entwickelten sich zu dieser Zeit noch weitgehend in enger Verbindung mit der Magie, was sich in vielen Werken von Renaissance-Wissenschaftlern widerspiegelt. Erst mit der Weiterentwicklung der Wissenschaft überwanden die Elemente der Magie darin.

Laut Vortrag: Magie ist ein Komplex von Riten und Ritualen, die auf jenseitige Kräfte abzielen. Verwendete Elemente: Werkzeug (Material), Zauber und Bewegungen. Eine Form der Magie ist der Okkultismus (Aberglaube – Überbleibsel der Magie). Nach und nach wurden Blutopfer durch die Verwendung von Figuren aus Teig, Reis usw. ersetzt. Im Mittelalter begannen sich die Menschen für Magie zu interessieren, um selbstsüchtige Ziele und Bereicherung zu erreichen. Magie spielte eine Rolle bei der Bildung der Religion (Glaube an eine andere Welt, an das Übernatürliche). Mantika - Wahrsagerei (sie versuchten nur, die Zukunft zu erraten und nicht, sie zu beeinflussen). Der Auftritt wird angenommen. Arten von Magie:

Homöopathisch – ähnlich (Ursachen)

Teilweise (ansteckend) – Auswirkungen auf Körperteile

Positiv und negativ (Tabu – Verbotssystem)

Direkt und indirekt

Aggressiv

Präventiv (moderat, barmherzig)

Verbal (Zauber, Beschwörungsformeln)

und andere Klassifizierungen. Es gibt schädliche Magie (oft wird Magie deshalb von Religion unterschieden) – Schaden (durch Foto, Haare usw.), böser Blick (schlechter Einfluss durch einen Blick). Militärische Magie wird mit schädlicher Magie (Sieg anziehen) in Verbindung gebracht. Liebes-(Sexual-)Magie: Ziel ist es, Anziehung (Liebeszauber) hervorzurufen oder zu zerstören – durch Berührung mit der Erde, einem Kieselstein oder einem anderen verzauberten Gegenstand. Handelsmagie: Tiere anlocken, Felder düngen und andere Aspekte im Zusammenhang mit menschlicher Arbeitstätigkeit.

Magische Komponenten im Christentum: Hausweihe, Glaube an wundersame Ikonen und Reliquien, Gebet.

Magie ist eine Stufe des religiösen Bewusstseins, die für alle Völker obligatorisch ist. Magie spiegelt die Vorherrschaft des Assoziativen über das Logische in der Urzeit wider. Die Menschheit stand schon oft am Rande des Todes; es gab keine Überlebensgarantie. Es spielte eine große Rolle, zumindest etwas zu haben, auf das man sich verlassen konnte. Durch Magie fühlt sich eine Person unsicher und machtlos. Tatsächlich hat dies Auswirkungen auf die eigene Psyche. Deshalb lebt die Magie noch

Veröffentlicht: 2. November 2013

Architektur Russlands und Moskaus des 17. Jahrhunderts

In der Zeit der Architektur des 17. Jahrhunderts ist viel passiert wichtige Ereignisse, was das Leben der Moskauer und der Stadt insgesamt erheblich veränderte. Viele Häuser wurden immer noch aus Holz gebaut, aber die Bauweise aus Stein und Ziegeln begann sich merklich auszubreiten. Es erschienen neue Baumaterialien, es wurden weiße Steinelemente, Ziegel unterschiedlicher Form und mehrfarbige Fliesen verwendet. Es wurden spezielle Steinhandwerker angeheuert, deren Bildung bereits vor Beginn des 17. Jahrhunderts angeordnet wurde. Das berühmteste und großartigste Gebäude, das in dieser Zeit errichtet wurde, ist der königliche Palast im Dorf Kolomenskoje, er wurde 1678 erbaut. Hier befand sich eine ganze kleine Stadt, die sich durch Türme, Säulen, Gehwege und schuppige Dächer auszeichnete. Alle Herrenhausgebäude sind einander nicht ähnlich, aber sie sind alle durch Korridore zu einem einzigen System verbunden. Insgesamt gibt es 270 Räume, von denen aus sich 3000 Fenster öffnen lassen. Heute sagen viele Kunstkritiker und Historiker, dass dies das „achte Weltwunder“ sei.

Holzpalast in Kolomenskoje. Kupferstich von Hilferding, 1780, Weitere Fotos des Palastes, moderner Wiederaufbau.

Wenn wir über Kirchen dieser Zeit sprechen, dann gab es mehr Zeltgebäude und weniger Etagengebäude. Die Kirchenarchitektur des 17. Jahrhunderts wurde stark vom Steinbau beeinflusst, obwohl Patriarch Nikon versuchte, Steinmaterialien zu verbieten, stellten sie immer noch die überwältigende Mehrheit dar. Jetzt gibt es in Moskau die Geburtskirche in Putinki, die Dreifaltigkeitskirche in Nikitniki, die „wunderbare“ Himmelfahrtskirche, die Zosima- und Savvaty-Kirche. Jedes von ihnen war einzigartig, aber jedes war sehr elegant, reichhaltig, mit vielen Verzierungen und verschiedenen Details.

Karte des Kremls unter Alexej Michailowitsch Romanow

Dank Nikons Einfluss entstanden in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts mehrere monumentale Gebäude im Stil vergangener Jahrhunderte. Dies geschah, um die Macht der Kirche zu zeigen. So entstanden die Auferstehungskathedrale des Moskauer Neu-Jerusalem-Klosters und das Waldai-Iversky-Kloster. In den Jahren 1670-1680 errichtete den Rostower Kreml, bestehend aus mehreren Gebäuden, von denen jedes starke Türme hatte. Die Initiatoren des Baus waren nicht nur die Behörden, sondern auch normale Bewohner, weshalb diese Richtung in einigen Quellen „Posadny“ genannt wird. Die Besonderheit hier sind die religiösen Gebäude in Jaroslawl, das damals eines der größten Einkaufs- und Handwerkszentren war. Die Tempel des Propheten Elias, des Heiligen Nikolaus des Nassen, des Johannes Chrysostomus und des Johannes des Täufers erschienen in Kostroma und Romanow-Borisoglebsk.

Ende des 17. Jahrhunderts tauchte in der Architektur der Kirchen ein neuer Stil auf – Naryschkin oder Moskauer Barock. Ein markantes Beispiel für diesen Stil ist die Kirche der Fürbitte in Fili – elegant, mit idealen Proportionen, mit vielen Verzierungen, Säulen, Muscheln, eine Besonderheit ist die Verwendung von nur zwei Farben: Rot und Weiß.

Aber neben Kirchen werden auch gewöhnliche Wohn- und Verwaltungsgebäude aktiv errichtet. Wurde umfassend umgebaut Hauptstadt Kreml. Die berühmten Kremltürme entstanden, der Spasskaja-Turm entstand, der noch immer sein ursprüngliches Aussehen behält, und ein großer Eingang wurde gebaut. Jeder der Türme hat jetzt zeltförmige Spitzen; jetzt gleicht der Kreml eher einer Festung und nicht mehr einem Ort zum Feiern.

Ein wichtiges Ereignis des 17. Jahrhunderts war der Bau des Terem-Palastes im Jahr 1636. Es war ein dreistöckiges Gebäude mit einem Turm auf dem Dach. Das Gebäude war im charakteristischen Stil dieser Zeit dekoriert: hell und reichhaltig, mit Schnitzereien, Gold und Gesimsen. Die goldene Veranda war ein dekoratives Element. Die Dekoration erinnerte an die Holzarchitektur. Die Patriarchalkammern (Teil des Zemsky Prikaz) sahen völlig anders aus; am Beispiel des Turms von Michail Sucharew waren Abdrücke der Neuzeit zu erkennen. Unter der wuchtigen ersten Etage befanden sich zwei weitere; über die Haupttreppe konnte man auch einen Turm mit dem Staatswappen erreichen;

Kanonengießerei am Fluss Neglinnaya im 17. Jahrhundert, Gemälde von A. M. Vasnetsov

Im 17. Jahrhundert entwickelten sich Handel und Industrie weiter. Gostiny Dvors werden in Moskau, Kitai-Gorod und Archangelsk gebaut. Der Archangelsk-Hof erstreckt sich seitlich über 400 m, ist von Steinmauern und Türmen umgeben und beherbergt im Inneren etwa 200 Handelskammern.

Terem-Palast im Jahr 1797, Architekt Veduta Giacomo Quarenghi

Derselbe „Orden für Steinangelegenheiten“ arbeitete weiter, nachdem er seine besten Handwerker versammelt hatte. Ihr letztes Werk war „Der Terem-Palast des Moskauer Kremls“. Es war ein Gebäude mit 2 Etagen Wassili III und Iwan III. Der Palast war für die königliche Jugend bestimmt; für sie wurden ein Friedhof und ein kleiner Aussichtsturm errichtet . Natürlich war auch das Innere kindlich; alles war bunt mit interessanten Ornamenten auf weißem Stein dekoriert. Der Autor dieses Innenraums war Simon Uschakow, der beste persönliche Ikonograph des Zaren.

Der Steinbau für die Bewohner der Hauptstadt entwickelt sich weiter und nimmt einen noch größeren Umfang an. Lev Kirillovich Naryshkin und seine Familie ordneten den Bau von Gebäuden in der gesamten Region nach ihrem eigenen Geschmack an, und der Stil „Naryshkin (Moskau) Barock“ wurde ihm zu Ehren benannt. Die Befehle wurden vom einfachen Leibeigenen Jakow Buchwostow ausgeführt. Das erste, was er bauen konnte, war die Kirche der Fürbitte in Fili. Der Bau endete 1695. Das Gebäude vereinte Elemente sowohl der lokalen Kultur als auch der westeuropäischen Kultur, was letztendlich zu einem Ergebnis führte neues Ergebnis. Vom üblichen Barockstil sind hier nur große Glasfenster und das Dekor des oberen Teils der Säule übrig geblieben; alles andere entspricht dem Standard: rot und weiße Farben, fünf Kapitel und so weiter. Nach einiger Zeit folgten in allen Gebäuden des 17. Jahrhunderts (sowohl weltlichen als auch Wohngebäuden) die gleichen Regeln – korrekte Symmetrie, Zentrierung und Ebenen. In den Jahren 1630-1640 Säulenlose Tempel mit fünf Kuppeln und oft stumpfen Trommeln erfreuten sich großer Beliebtheit. Im Jahr 1670 begann Pavel Potemkin mit dem Bau von Bojarensiedlungen, und 1678 entstand in Ostankino ein Tempel.

Wir können die interessantesten Baudenkmäler des 17. Jahrhunderts gesondert hervorheben.

Bruderzellen des Wysoko-Petrowski-Klosters

Aus dem Namen wird deutlich, dass es sich bei dem Gebäude um den Kirchenbau handelt, was jedoch nicht ganz stimmt. Zu ihrer Zeit waren dies die einzigen Klosterzellen dieser Art. Die Zellen liegen nicht weit außerhalb der Stadt, aber direkt neben modernen Gebäuden; für den Bau war Naryshkin verantwortlich, zu dessen Grab dieser Ort später wurde.

Refektorium des Apothekerordens

Dieses Ordensgebäude ist noch heute zu sehen. Zuvor war dieses Gebäude Teil eines großen Gesundheitskomplexes, der nur der Fürstenfamilie diente. In der Nähe der Kremlmauer befand sich der Apothekergarten (hier wurden Heilpflanzen angebaut), außerdem gab es hier auch ein Refektorium. Beim Umbau des Gebäudes wurde ein weiteres Stockwerk hinzugefügt, auch die Außendekoration veränderte sich und die Fensterrahmen an der Fassade erinnern an diese Zeit.

Granatapfelhof

Dieses Gebäude nahm im 17. Jahrhundert seinen Platz ein und nahm zuvor eine große Fläche ein. Zuvor produzierte der Granatenhof Bomben und verschiedene Waffen, die äußerlich dem für diese Zeit im Prinzip typischen Buchstaben G ähnelten.

Kammern von Averky Kirilov

Nach der Erbauung des Gebäudes und in allen folgenden Zeiten, bis zum 19. Jahrhundert, wurde es ständig dekoriert und umgebaut, sogar die Gestaltung des Innenhofs änderte sich. Es gibt keinen Durchgang mehr zwischen den Wohnräumen und der St.-Nikolaus-Kirche. Averky Kirilov war ein sehr reicher Soldat, aber er war kein gebürtiger Moskauer; er war in vielen Dingen tätig, vom Handel bis hin zur Bedienung verschiedener Orden. Er wurde wiederholt des Diebstahls beschuldigt und deshalb brutal getötet. Jetzt steht die St.-Nikolaus-Kirche allein und in den Kammern wurde ein Kulturinstitut eingerichtet.

Swertschkows Gästezimmer

Die Crickets waren eine der reichsten Familien des 17. Jahrhunderts, und der Grundriss ist immer noch derselbe. Äußerlich ist das Gebäude massiv, die Einrichtung ist ziemlich einzigartig und originell, weshalb es so sorgfältig restauriert wurde.

Kammern von Simon Ushakov

In diesem Gebäude lebte der große Ikonenmaler Simon Uschakow. Zuvor war an das Gebäude ein kleines Nebengebäude angeschlossen. Simon gefielen die Bedingungen seines Lebens wirklich nicht; er hatte keine Möglichkeit, seine Schüler und andere junge Leute, die zu ihm kamen, unterzubringen.

Denkmäler des 17. Jahrhunderts in Russland

Kirche der Kreuzerhöhung in Jaroslawl (1675-78)

(in Vorbereitung)

Zusätzliche Fotos:

Kirche des Großen Märtyrers St. Georg der Siegreiche (Schutz der Heiligen Jungfrau Maria) auf dem Pskower Hügel (Varvarka-Straße 12),Foto © Website, 2011

Der Tempel wurde 1657 nach einem Brand im Jahr 1639 auf dem Fundament eines antiken Tempels erbaut, der Glockenturm und das Refektorium wurden 1818 errichtet. Ende der 20er Jahre wurde die Kirche geschlossen und von verschiedenen Institutionen genutzt. Der Tempel wurde 1991 an die Kirche zurückgegeben

, Foto © Website, 2011

In der zweiten Hälfte des 6. Jahrhunderts befand sich an der Stelle der St.-Maximus-Kirche eine Holzkirche der Heiligen Boris und Gleb. Im Jahr 1434 wurde der berühmte Moskauer heilige Narr Maxim der Selige im Grab dieser Kirche beigesetzt.

Im Jahr 1568 wurde anstelle einer Holzkirche ein weißer Steintempel errichtet und zu Ehren des dort begrabenen Heiligen Maximus geweiht. 1698-1699 wurde der heruntergekommene Tempel auf Kosten der Kaufleute Werchivitinow und Scharownikow fast vollständig abgerissen und wieder aufgebaut. Die Architektur des Gebäudes zeigt eine Mischung aus Barock- und Empirestilen.

Der Tempel wurde bei einem Brand im Jahr 1737 schwer beschädigt, danach wurde er gründlich rekonstruiert und in den Jahren 1827–29 wurde anstelle des alten einstöckigen Glockenturms ein neuer zweistöckiger Glockenturm errichtet. Bemerkenswert ist, dass in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts der zukünftige Regent im Tempel diente Seine Heiligkeit Patriarch Pimen aus Moskau und ganz Russland (1971-1990). In den 30er Jahren wurde der Tempel geschlossen, zerstört, die Glocken und sogar die Kuppel wurden abgerissen.

1965-67 restauriert. 1991 kehrte er zur Russisch-Orthodoxen Kirche zurück. Seit 1994 werden Gottesdienste wieder aufgenommen.

(Artikel in Vorbereitung)

Zusätzliche Fotos:

Architektur Russlands des 17. Jahrhunderts - Nischni Nowgorod in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts (aus dem Buch von A. Olearius, 1656)

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Ein Kommentar:

Anfang des 17. Jahrhunderts in Russland - eine Fortsetzung der „Zeit der Unruhen“, die Ende des 16. Jahrhunderts begann. Natürlich war die Bautätigkeit in dieser Zeit rückläufig. Aber es hörte nicht auf.

Zunächst ein paar Worte zur „Zeit der Not“.
Dies ist eine wirklich schwierige Zeit in unserer Geschichte, die von Naturkatastrophen, Bürgerkrieg, russisch-polnischen und russisch-schwedischen Kriegen sowie einer schweren staatspolitischen und sozioökonomischen Krise geprägt ist. Der Kampf zwischen den Bojaren und der zaristischen Regierung verschärfte sich. Auch die Eroberungen Iwans des Schrecklichen und der Livländische Krieg schwächten die Staatsressourcen. Die Opritschnina untergrub den Respekt vor Autorität und Gesetz.
Die Architektur dieser Zeit zeichnete sich durch einen Mangel an Monumentalität aus (was sie von den Gebäuden des vergangenen Jahrhunderts unterschied). Kleine Gebäude wurden im typisch russischen Musterstil errichtet.

Russisches Muster

Russische Muster sind ein architektonischer Stil, der sich durch komplizierte Formen, eine Fülle von Dekoren, eine komplexe Komposition und eine malerische Silhouette auszeichnet. Im 17. Jahrhundert gegründet. auf dem Territorium des russischen Staates. Die russische Musterherstellung wird manchmal mit der europäischen Spätrenaissance und dem Manierismus verglichen.

Für die erste Hälfte des 17. Jahrhunderts. Typisch war eine komplexe Komposition. Säulenlose Kirchen mit geschlossenem Gewölbe, auf hohem Kellergeschoss, mit Refektorium, Kapellen und Glockenturm. Normalerweise fünfkuppelig, Kuppeln über den Kapellen, Zelte über den Veranden und dem Glockenturm, Reihen von Kokoshniks über den Gewölben. Die Dächer von Tempeln sind normalerweise mit Zelten versehen. Die Dekoration bestand aus geschnitzten Fensterrahmen, mehrstufigen Kokoshniks auf den Gewölben, Gesimsen in Form von „Hahnenkämmen“ und gedrehten Säulen. Der Innenraum zeichnet sich durch farbenprächtige Blumenmuster an den Wänden und Gewölben aus.

Für die zweite Hälfte des 17. Jahrhunderts. Klare und ausgewogene, oft symmetrische Kompositionen sind bereits charakteristischer.
Beispiele für Gebäude mit russischem Muster: die Kirche des Einzugs der Verklärung des Erlösers aus dem Worotyn-Kloster, die Himmelfahrtskirche des Mariä-Verkündigungs-Klosters in Nischni Nowgorod, der Terem-Palast im Moskauer Kreml, die Kirche der Geburt der Jungfrau Maria in Putinki, die Dreifaltigkeitskirche in Nikitniki (Moskau), die Kirche des Propheten Elias auf dem Vorontsovo-Feld (Moskau), die Kirche des Zeichens vor dem Peterstor (Moskau), die Kirche des Heiligen Wundertäters Nikolaus in Khamovniki, die Kirche von Hodegetria in Vyazma, Spassky-Kathedrale (Nischni Nowgorod), Kirche von Konstantin und Helena (Wologda) usw.
Schauen wir uns einige davon an.

Kirche der Geburt der Jungfrau Maria in Putinki (1649-1652)

Eine der letzten großen Zeltkirchen in der Geschichte der russischen Architektur.
Die Kirche wurde aus speziell geformten Ziegeln gebaut. Ein von Norden nach Süden verlaufendes Viereck, gekrönt von drei Zelten, einem rechteckigen Altarvolumen, einer würfelförmigen Kapelle des Brennenden Dornbuschs, gekrönt von einem kleinen Zelt auf einer Trommel, einem zweistöckigen Glockenturm und einem kleinen Refektorium.
Nach der Fertigstellung des Tempels stoppte Patriarch Nikon den Bau von Zeltkirchen in Russland.
Die Geschichte des Tempels ist komplex, wie fast alle Tempelgeschichten in Russland: Er war geschlossen und wurde für andere Zwecke genutzt (hier wurden sogar Zirkushunde und Affen trainiert). 1990 wurde der Tempel der orthodoxen Kirche übergeben und mit der Restaurierung begonnen. Die Gottesdienste im Tempel wurden im August 1991 wieder aufgenommen. Der Schauspieler Alexander Abdulov leistete einen großen Beitrag zur Restaurierung des Tempels.

Am 5. Januar 2008 fand in dieser Kirche die Trauerfeier für A. Abdulov statt.
Im 17. Jahrhundert Es entsteht eine Art säulenloser Tempel. Die Kleine Kathedrale des Donskoi-Klosters (1593) gilt als eine der ersten Kirchen dieser Art.
Was bedeutet der Ausdruck „säulenloser Tempel“?
In der Frühzeit der russischen Steinarchitektur wurden säulenlose Formen zur Abdeckung von Tempeln verwendet; Bis heute ist jedoch nur die Elias-Kirche in Tschernigow (12. Jahrhundert) mit auf Säulen und Klingen gestützten Gurtbögen erhalten geblieben.

Später verbreiteten sich säulenlose Decken in Form von einfachen oder abgestuften Zylindergewölben, die auf Längswänden ruhten und teilweise einen schmalen Querschlitz zum Einbau einer Lichttrommel aufwiesen. Die Trommel ruht somit auf den Kanten des geschnittenen Hauptbogens sowie auf dem Querbogen Bögen (Gewölbe), die den Schlitz stufenweise abdecken. Diese. Das Bauwerk verfügt über keine tragenden Pfeiler (Pfeiler). Eine gemeinsame Eigenschaft der meisten stützenlosen Platten ist ein geringer Grad an Setzprozessen.

Donskoi-Kloster (Moskau)

Die säulenlose Kleine Kathedrale Unserer Lieben Frau vom Don (1591-1593) ist ein einkuppeliger Tempel aus der Godunow-Ära mit Kreuzgewölbe und einem dreistufigen Hügel aus Kokoshniks. Andere säulenlose Klosterkathedralen, russische Architektur des 16. Jahrhunderts. weiß nicht.

Der Kleine Dom ist das erste Klostergebäude, das errichtet wurde.

Der Glockenturm mit Walmdach wurde 1679 angebaut. Die Malereien aus den 1780er Jahren wurden 1948 bei der Restaurierung freigelegt.

Kirche der Fürsprache der Heiligen Jungfrau Maria in Rubtsovo (Moskau)

Der Tempel wurde zwischen 1619 und 1627 erbaut.
In der Nähe des Dorfes Rubtsovo-Pokrowskoje baute Zar Michail Feodorowitsch seinen Landpalast und damit auch seinen großer Garten. In diesem Palast lebte Michail Feodorowitsch die ersten Jahre, während der Kreml nach seiner Zerstörung durch die polnisch-litauischen Invasoren gebaut wurde. Zur Erinnerung an die Reflexion des Hetman Sagaidachny, der auf Fürbitte von 1618 beinahe Moskau im Sturm erobert hätte, errichtete der Zar hier eine Holzkirche.
Im Jahr 1627 wurde an der Stelle der hölzernen Kirche eine steinerne Fürbittekirche errichtet. An den Ecken auf der Ostseite wurden zwei einkuppelige Kapellen für Zarewitsch Dimitri und gebaut St. Sergius Radoneschski. Auf der Westseite wurde ein Glockenturm errichtet. Es wird angenommen, dass der Steintempel – eine der Palastkathedralen – ein Denkmal der russischen Sprache ist militärischer Ruhm, Beweis für das Ende der Unruhen und den Beginn der Wiederbelebung des Vaterlandes.

Diese Kirche gilt als Standard der Moskauer Musterherstellung Mitte des 17. Jahrhunderts. Es wurde von jaroslawlischen Kaufleuten in Kitai-Gorod gebaut. Die Kirche diente in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts als Vorbild für viele Moskauer Kirchen.
Architektonisch ist die Kirche ein säulenloses Viereck mit geschlossenem Gewölbe. Die Kirche hat fünf Kuppeln, aber vier davon sind nur dekorativ. Das hohe Zelt des Glockenturms ist auf der Südseite feierlich geschmückt, die Veranda liegt auf der Fahrbahn der Gasse und ist ebenfalls mit einem kleinen Zelt geschmückt.
Die Wände des Tempels sind reich mit weißen Steinschnitzereien verziert. Es werden verschiedene Arten von Platbands verwendet. Es werden Fliesen verwendet.
In der Kirche ist ein Gemälde erhalten, das auf den niederländischen Stichen der Bibel von P. Borcht aus den Jahren 1652-1653 basiert. die besten Meister der Waffenkammer: Joseph Wladimirow, Simon Uschakow und andere. Für diese Kirche malte Uschakow die Ikone „Baum der russischen Herrscher“ (heute in der Staatlichen Tretjakow-Galerie).

S. Ushakov „Lob an die Wladimir-Ikone. Baum des russischen Staates“ (1668)

Kirche Johannes des Täufers in Toltschkowo (Jaroslawl)

Die Kirche wurde zwischen 1671 und 1687 erbaut. Der 45 Meter hohe Glockenturm wurde 1690 erbaut. Malerei 1694-1695. aufgeführt von Jaroslawler Malern unter der Leitung von Dmitri Plechanow und Fjodor Ignatjew.
Zur Dekoration der Wände werden Fliesen verwendet. Die 15 Oberhäupter der Kirche sind in drei Gruppen eingeteilt.

Rostower Kreml

Es wurde zwischen 1670 und 1683 erbaut. nach dem Plan des Kunden, Metropolit Jonah Sysoevich: ein Paradies in voller Übereinstimmung mit der biblischen Beschreibung zu schaffen. Zu diesem Zeitpunkt hatte es keine defensive Bedeutung mehr.
Der Kreml liegt in der Nähe des Ufers des Nero-Sees und verfügt über 11 Türme, 6 Kirchen und andere Gebäude.

Kapitel „Einführung“. Abschnitt „Kunst des 17. Jahrhunderts“. Allgemeine Kunstgeschichte. Band IV. Kunst des 17. und 18. Jahrhunderts. Autor: E.I. Rotenberg; unter der allgemeinen Herausgeberschaft von Yu.D. Kolpinsky und E.I. Rotenberg (Moskau, Staatsverlag „Kunst“, 1963)

Das 17. Jahrhundert stellt nach der Renaissance die bedeutendste Etappe in der Geschichte der westeuropäischen Kunst dar. Dies ist eine Zeit des weiteren Wachstums und der Stärkung der Nationalstaaten Europas, eine Zeit grundlegender wirtschaftlicher Veränderungen und intensiver sozialer Konflikte. Die inneren Widersprüche des im Niedergang begriffenen Feudalismus verschärfen sich stark, die Merkmale des an seine Stelle tretenden kapitalistischen Systems werden immer deutlicher und der aktive Protest der Volksmassen gegen die jahrhundertealte Unterdrückung nimmt zu. Viele europäische Länder werden zum Schauplatz von Klassenkämpfen. Das Bürgertum, das in den Tiefen der feudalen Gesellschaft aufwuchs und zu dieser Zeit zu einer wichtigen gesellschaftlichen Kraft geworden war, erhebt bereits Anspruch darauf politische Macht. In den Ländern, in denen entwickelte Industrie und Handel eine wichtige Rolle in der Wirtschaft spielten und sich das Gleichgewicht und die Ausrichtung der Klassenkräfte als am günstigsten erwiesen, zum Beispiel in Holland und England, endete die bürgerliche Revolution mit einem Sieg und der Gründung einer neues Sozialsystem. In anderen Staaten, insbesondere in Frankreich, wo die Volksbewegung aufgrund der Schwäche und Unentschlossenheit des Bürgertums, das sich auf die Seite des Absolutismus stellte, nicht zu einer Revolution führte, behielt der Adel seine beherrschende Stellung. Zusätzlich zu den revolutionären Aufständen in diesen Ländern wirkten sich Volksprotestbewegungen in gewissem Maße auch auf die übrigen Länder Europas aus.

Nur unter Berücksichtigung dieser Bedingungen lässt sich die Rolle des Absolutismus im 17. Jahrhundert beurteilen, der sich in Frankreich und Spanien in Form einer zentralisierten Monarchie und in Italien und den deutschen Staaten in einer eigentümlichen Form fürstlicher Kleindespotie etablierte. Nachdem die historisch fortschrittliche Aufgabe des Absolutismus – die Überwindung der feudalen Zersplitterung, die Vereinigung des Landes im Rahmen einer Klassenmonarchie – gelöst und die separatistischen Bestrebungen des Großadels unterdrückt worden waren, zielten die reaktionären Seiten des absolutistischen Systems darauf ab, die zu unterdrücken und aufrechtzuerhalten Massen im Gehorsam, wurden deutlich offenbart.

Der Kampf um die politische Vorherrschaft in den europäischen Staaten des 17. Jahrhunderts. wurde zwischen zwei Klassen gekämpft – dem Adel und dem Bürgertum. Aber es wäre ein Fehler, die enorme Rolle der Massen in diesem Kampf nicht zu erkennen. Die Bourgeoisie konnte das Feudalsystem nur zerschlagen, indem sie sich auf die Massen stützte, denn diese dienten als Hauptantriebskräfte bei revolutionären Aufständen. Bürgerliche Revolutionen des späten 16. und 17. Jahrhunderts. waren gleichzeitig Volksrevolutionen, obwohl das unterdrückte Volk nicht dazu bestimmt war, von den Früchten revolutionärer Siege zu profitieren.

Der revolutionäre Kampf gegen den Feudalismus war unweigerlich mit dem Kampf gegen die römisch-katholische Kirche verbunden – diese ist laut Engels das internationale Zentrum des Feudalsystems (siehe K. Marx und F. Engels, Works, Bd. 22, S. 306). ). Die Reformationsbewegung in verschiedenen europäischen Ländern löste eine Gegenreaktion der katholischen Reaktion aus. Der Katholizismus, der damals an der Spitze aller reaktionären Kräfte stand und mit Feuer und Schwert für seine Etablierung kämpfte, übte einen aktiveren Einfluss auf das Bewusstsein der Massen aus und schenkte zu diesem Zweck allen Formen ideologischer Propaganda große Aufmerksamkeit.

Die Kultur des 17. Jahrhunderts verkörpert die Komplexität dieser Epoche. Es fängt anschaulich das Aufeinandertreffen der Kräfte der Reaktion und des Fortschritts ein, den anhaltenden Kampf der besten Menschen jener Zeit für hohe menschliche Ideale unter Bedingungen absolutistischer Unterdrückung und unter den harten Bedingungen der kapitalistischen Gesellschaft. Wirtschaftliche Bedürfnisse und vor allem die Ausweitung der verarbeitenden Industrie und des Handels trugen zum raschen Aufstieg der exakten Wissenschaften und der Naturwissenschaften bei; Soziale Widersprüche und ideologische Kämpfe spiegeln sich in der Entwicklung wider soziales Denken. Wurde der mittelalterlichen Scholastik bereits in der Renaissance der Todesstoß versetzt, so vollzog sich im 17. Jahrhundert der Übergang von der poetisch ganzheitlichen Weltanschauung, die für Wissenschaftler und Denker der Renaissance charakteristisch war, zu streng wissenschaftlichen Methoden der Realitätserkenntnis. Das Motto dieser Ära waren die Worte von Giordano Bruno, die an ihrer Schwelle gesprochen wurden: „Die einzige Autorität sollte die Vernunft und die freie Forschung sein.“

Es ist schwierig, ein Jahrhundert zu finden, das eine so große Konstellation brillanter Namen in allen Bereichen der menschlichen Kultur hervorgebracht hätte wie das 17. Jahrhundert. Dies war die Zeit der großen Entdeckungen von Galileo, Kepler, Newton, Leibniz und Huygens in der Mathematik, Astronomie und verschiedenen Bereichen der Physik – bemerkenswerte Errungenschaften des wissenschaftlichen Denkens, die den Grundstein für die spätere Entwicklung dieser Wissenszweige legten. Wissenschaftler wie Harvey, Malpighi, Swammerdam und Leeuwenhoek leisteten wichtige Beiträge zu vielen Zweigen der Biologie. Durch die Arbeit von Forschern wurde die Grundlage für den technischen Fortschritt geschaffen. Auch die Philosophie entwickelte sich in enger Verbindung mit den exakten und Naturwissenschaften. Die Ansichten von Bacon, Hobbes und Locke in England, Descartes und Gassendi in Frankreich, Spinoza in Holland waren von großer Bedeutung für die Etablierung des Materialismus, für die Bildung fortgeschrittener sozialer Ideen, im Kampf gegen idealistische Bewegungen und die reaktionäre Ideologie der Kirche.

Das 17. Jahrhundert war auch eine Zeit des Aufschwungs verschiedener Kunstformen. Die Belletristik dieser Zeit zeichnete sich durch eine beispiellos breite Abdeckung der Realität und eine Vielfalt an Genreformen aus. Es genügt zu sagen, dass dieses Jahrhundert, dessen Beginn noch immer mit den Namen Shakespeare und Cervantes verbunden ist, durch Koryphäen wie Lope de Vega, Quevedo und Caldera in Spanien, Milton in England, Corneille, Racine und Moliere in Frankreich repräsentiert wird . Hohe Tragödie und Romantik, Alltagskomödie und Kurzgeschichte, episches Gedicht und lyrisches Sonett, Ode und Satire – in jedem dieser Genres entstanden Werke von bleibendem künstlerischem Wert. Das 17. Jahrhundert stellte auch einen wichtigen Meilenstein in der Musikgeschichte dar. Dies war eine Zeit der allmählichen Befreiung von Kultformen und des weit verbreiteten Eindringens weltlicher Elemente in die Musik, die Zeit der Geburt und Bildung neuer Genres – Oper, Oratorium, Instrumentalmusik und der Entwicklung neuer künstlerischer Mittel, die ihnen entsprechen.

Ähnliche Prozesse prägen auch die Entwicklung der bildenden Künste in diesem Jahrhundert.

Im 17. Jahrhundert vollzog sich im Einklang mit der Bildung der Nationalstaaten in Westeuropa die Entwicklung der Kultur und Kunst der meisten dieser Länder im Rahmen nationaler Kunstschulen. Eine Sonderstellung nahm Italien ein, das durch seine Zersplitterung in einzelne Kleinstaaten dennoch seit der Renaissance eine kulturelle Einheit bewahrte, die es ermöglicht, italienische Kunst im nationalen Sinne zu betrachten.

Die höchsten Errungenschaften der westeuropäischen Kunst des 17. Jahrhunderts. wurden mit der Kunst von fünf Kontinentalländern in Verbindung gebracht – Italien, Flandern, Holland, Spanien und Frankreich. Riesig im Territorium, aber zersplittert in einzelne Staaten und unzählige kleine Fürstentümer, das Deutsche Reich nach der Niederlage der Bauernbewegung zu Beginn des 16. Jahrhunderts. war laut Engels für zwei Jahrhunderte von der Liste der politisch aktiven Nationen Europas gestrichen und konnte im europäischen Kunstleben keine große Rolle spielen. In England erwies sich die puritanische Bewegung des Revolutionszeitalters als ungünstig für die Entwicklung der bildenden Künste. In Russland war das 17. Jahrhundert die Zeit des Endes der mittelalterlichen Phase der russischen Kunst und des Beginns der Bildung einer neuen, säkularen künstlerischen Weltanschauung, eine Zeit der Vorbereitung auf den Aufstieg der russischen realistischen Kunst im nächsten, 18. Jahrhundert Jahrhundert.

Die spezifischen Bedingungen der historischen Entwicklung Italiens, Spaniens, Flanderns, Hollands und Frankreichs in einem bestimmten Zeitraum, die künstlerischen Traditionen, die sich in diesen Ländern in früheren Jahrhunderten entwickelt hatten, und viele andere Faktoren waren der Grund dafür, dass die Kunst jedes der genannten Länder entstand Die nationalen Schulen trugen die einzigartigen Merkmale jeder einzelnen von ihnen in sich. Daneben lassen sich aber auch in der Kunst dieser Länder Merkmale der gegenseitigen Gemeinschaft finden, die es erlauben, vom 17. Jahrhundert als einer gewissen integralen Etappe in der Geschichte der westeuropäischen Kunst zu sprechen. Mit unterschiedlichem wirtschaftlichen und sozialen Entwicklungsstand und in Werken unterschiedlicher Stilrichtung lösten die Künstler dieser Länder manchmal Probleme, die ihrer Zeit gemeinsam waren.

Kunst als eine Form der Ideologie spiegelt den sozialen Kampf jeder Epoche wider. Und im 17. Jahrhundert fanden die Interessen der herrschenden Klasse ihren endgültigen Ausdruck in der ideologischen Ausrichtung der Kunst, in der Natur künstlerischer Bilder. So wurde die Kunst in Italien, wo sich die Aktivität des militanten Katholizismus besonders konsequent manifestierte, stark von der Kirche beeinflusst; die Idee der unbegrenzten Macht eines absoluten Monarchen wurde in der Kunst Frankreichs, dem klassischen Land des Absolutismus, anschaulich verkörpert; Die Werke einiger Meister der niederländischen Kunst sind von der Weltanschauung des Bürgertums geprägt. Doch die Entwicklung der Kultur konnte von den Kräften des Volksprotests nicht unberührt bleiben. Dabei ist zu bedenken, dass die Vorstellungen vom demokratischen Charakter eines Volkes in der Kunst dieser Zeit nicht offen zum Ausdruck gebracht werden konnten – nicht nur, weil dies durch die Ideologie der herrschenden Klassen – in manchen Ländern des Adels, in anderen des Bürgertums – verhindert wurde , sondern auch aufgrund der Unreife der Volksmassen selbst . Der Einfluss dieser Ideen spiegelt sich jedoch in der einen oder anderen Form in der allgemeinen Richtung fortschrittlicher künstlerischer Bewegungen wider.

Neue gesellschaftliche Bedingungen und Aufgaben gaben neue Formen der Realitätsreflexion in der Kunst vor.

Die historische Originalität des 17. Jahrhunderts wird im Gegensatz zur vorangegangenen Renaissance besonders deutlich wahrgenommen. Die Renaissance war eine Übergangsphase, in der der Zusammenbruch mittelalterlicher Ansichten dem Menschen neue, scheinbar grenzenlose Perspektiven eröffnete. Eine andere Situation beobachten wir im 17. Jahrhundert. Wenn sich nun die Konflikte des untergehenden Feudalsystems aufs Äußerste verschärft haben und gleichzeitig die Widersprüche der neuen kapitalistischen Struktur zum Vorschein kommen, treten gesellschaftliche Abhängigkeitsverhältnisse weitgehend offen zu Tage – im Gegensatz von Reichtum und Armut, Macht und Gesetzlosigkeit. Neue soziale Beziehungen, eine neue Sicht auf die Welt prägen die Kunst.

Eine der Hauptqualitäten der Kunst der Renaissance – wenn wir uns die Zeit ihrer Entstehung und Blütezeit ansehen – war ihr inhärentes Pathos der Lebensbejahung. Die Meister der Renaissance sahen und drückten in ihrer Kunst diejenigen Aspekte der Realität aus, die ihren humanistischen Vorstellungen entsprachen, und verkörperten sie – insbesondere in Italien – in den Formen eines bestimmten künstlerischen Ideals.

Im Gegensatz zu ihnen erschien den Künstlern des 17. Jahrhunderts die Wirklichkeit nicht nur in größerer realer Vielfalt, sondern auch in der ganzen Schwere ihrer unlösbaren Konflikte. Daher ist das Gesamtbild der Kunstentwicklung in diesem Jahrhundert besonders komplex. Dies gilt gleichermaßen für die inhaltliche Seite der Kunst und für die Merkmale ihrer künstlerischen Sprache. Caravaggios rebellischer Bruch mit Traditionen im Namen der Bekräftigung der Realität, manchmal in all ihrer unverhüllten Grobheit – und der Dualismus des Sinnlichen und Irrational-Mystischen im Werk Berninis, gesteigerte Vitalität, die außergewöhnliche Fülle von Rubens‘ Bildern und die komplexe ethische Problematik von Poussin, der polysemantische Gehalt von Velazquez' Bildern und die tragischen Kollisionen von Rembrandt - all diese unterschiedlichen Phänomene werden von einer Epoche erzeugt. Die Verflechtung komplexer und widersprüchlicher künstlerischer Probleme findet sich nicht nur in der Kunst des 17. Jahrhunderts. im Allgemeinen, aber auch innerhalb jeder der nationalen Kunstschulen dieser Zeit. Im komplexen Komplex dieser Probleme sticht jedoch eine Haupttendenz hervor: Die reale Realität dringt in der vielfältigen Fülle ihrer Erscheinungsformen gebieterisch in die Kunst ein. Nicht umsonst ist der Mensch in seiner realen Existenz einer der Leitthemen in der Thematik des 17. Jahrhunderts. Dieser Trend drückt sich nicht nur darin aus Figuren in Werken zu biblischen und mythologischen Themen erwerben sie Merkmale größerer Lebenskonkretheit – nicht weniger wichtig ist die Entstehung eines neuen künstlerischen Themas – Bilder des Alltagslebens eines Privatmenschen, der Welt der ihn umgebenden Dinge, realer Motive der Natur.

Dementsprechend entsteht ein System künstlerischer Genres. Das biblisch-mythologische Genre behält nach wie vor seine führende Stellung, aber in den fortschrittlichsten nationalen Kunstschulen entwickeln sich damit auch Genres, die einen direkten Bezug zur Realität haben, intensiv. Daher gehören neben Gemälden zu biblischen und mythologischen Themen und allegorischen Kompositionen auch zeremonielle Porträts und klassische Landschaften zur Kunst des 17. Jahrhunderts. nebeneinander Porträtbilder von Vertretern verschiedener Gesellschaftsschichten, auch von Menschen aus dem Volk, Episoden aus dem Leben von Bürgern und Bauern; Es erscheinen bescheidene, schmucklose Landschaften und es entstehen verschiedene Arten von Stillleben.

Neue Themen und neue Formen, in denen diese Themen umgesetzt werden, drücken eine neue Einstellung des Menschen zur Welt aus. Mann aus dem 17. Jahrhundert unter Bedingungen strenger absolutistischer Regulierung oder ernüchternder kapitalistischer Realität verlor er im Gegensatz zu den Menschen der Renaissance das Bewusstsein der persönlichen Freiheit. Er spürt ständig seine Abhängigkeit von der ihn umgebenden Gesellschaft, deren Gesetzen er gehorchen muss. Für einen Künstler dieser Zeit bedeutet die Bestimmung der charakteristischen Merkmale eines Menschen auch, seinen Platz in der Gesellschaft zu bestimmen. Daher im Gegensatz zur Kunst der Hochrenaissance, die meist ein verallgemeinertes, „klassenloses“ Bild einer Person präsentierte, für die Kunst des 17. Jahrhunderts. Die Bilder zeichnen sich durch eine ausgeprägte soziale Konnotation aus. Es manifestiert sich nicht nur in Porträts und Alltagsgemälden – es dringt auch in Werke zu religiösen und mythologischen Themen ein; Selbst Genres wie Landschaft und Stillleben tragen einen lebendigen Eindruck von der sozialen Weltanschauung des Künstlers.

Als eine der wichtigsten Errungenschaften der Kunst des 17. Jahrhunderts. Hervorzuheben ist der Appell der Künstler an das Leben der Menschen. In der Kunst der Renaissance (hauptsächlich in der Früh- und Spätzeit) tauchten gelegentlich Bilder von Menschen aus dem Volk auf. Eine besonders erweiterte und tiefgehende Verkörperung – wenn auch aus unterschiedlichen weltanschaulichen Positionen – fand das Thema Volk bei zwei der größten Meister der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. - Tintoretto in Italien und Bruegel in den Niederlanden, jedoch erst im 17. Jahrhundert. Dieses Thema verbreitet sich auch in der Kunst anderer nationaler Schulen. Die Bedeutung vieler der besten Kunstwerke des 17. Jahrhunderts erklärt sich unter anderem aus der hohen Wertschätzung, die Künstler den Menschen als Träger hoher menschlicher Qualitäten entgegenbringen.

In den Werken der Meister der Hochrenaissance nahm das Menschenbild den Hauptplatz ein; seiner realen Umgebung wurde meist eine untergeordnete Rolle zugeschrieben. In der Kunst des 17. Jahrhunderts. Die Bedeutung der menschlichen Umwelt nimmt um ein Vielfaches zu. Dies ist nicht nur die Arena seines Handelns – es ist ein Bereich seiner Existenz, der mit erhöhter figurativer Aktivität ausgestattet ist und in untrennbarer Wechselwirkung steht, mit der nur das Bild einer Person verstanden werden kann. Als weiteres wichtiges Merkmal der kreativen Methode der Meister des 17. Jahrhunderts. soll man – im Gegensatz zur Renaissance – die Übertragung von Bildern und Phänomenen in Bewegung und Veränderung nennen. Schließlich in der Kunst des 17. Jahrhunderts. Hervorzuheben ist die größere Konkretheit der Übertragung von Bildern und Realitätsformen, ihre unmittelbarere und engere Verbindung mit der Natur.

Die bisher beispiellose Ausweitung der Formen künstlerischer Realitätsreflexion und die Vielfalt dieser Formen werden besonders deutlich, wenn man sie auf die Kunst des 17. Jahrhunderts anwendet. Stilproblem. Wie die Geschichte früherer großer künstlerischer Etappen bezeugt, war die Kunst jeder von ihnen in stilistische Formen gekleidet, das heißt, sie stellte ein bestimmtes System dar, das sich durch die Einheit ideologischer und figurativer Prinzipien und Techniken der künstlerischen Sprache auszeichnete. Die integrale Qualität des Stils ist die Synthese, die Verschmelzung aller Arten bildender Kunst zu einem einzigen figurativen Ganzen, in der die Architektur eine führende, organisierende Rolle spielt. In diesem Sinne ist der Begriff „Stil“ ein historischer Begriff, da er die wesentlichen Merkmale einer bestimmten künstlerischen Epoche charakterisiert. Auf diese Weise sprechen wir vom romanischen und gotischen Stil oder von den Stilen der Hauptphasen der Renaissance.

In der bürgerlichen Kunstgeschichte wird das 17. Jahrhundert üblicherweise als Barockjahrhundert bezeichnet (Der Ursprung des Begriffs „Barock“ selbst ist nicht geklärt. Als Stilkategorie wurde dieser Begriff erstmals im 18. Jahrhundert in Bezug auf Architektur verwendet. und dann zu den schönen Künsten Italiens im 17. Jahrhundert. Basierend auf rein formalen oder subjektivistischen Kategorien erklären viele ausländische Wissenschaftler die Kunst aller nationalen Schulen im 17. Jahrhundert. Varianten eines Stils - des Barockstils. Dabei werden die Zeichen eines der in dieser Zeit entstandenen Stilsysteme willkürlich auf die Kunst des 17. Jahrhunderts übertragen. im Allgemeinen. Eine solche Einschätzung vereinfacht zwar im Wesentlichen das Gesamtbild der Entwicklung der Kunst in dieser Zeit, nivelliert jedoch die spezifischen ideologischen und figurativen Merkmale verschiedener künstlerischer Bewegungen und lässt ihren gegenseitigen Kampf verborgen.

Tatsächlich erscheint das Stilproblem in diesem Fall in einem viel komplexeren Aspekt, denn im Vergleich zu früheren Epochen ist die Kunst des 17. Jahrhunderts. weist diesbezüglich gewisse qualitative Unterschiede auf. Der wichtigste Grund besteht darin, dass es trotz der unbestrittenen Gemeinsamkeiten einzelner künstlerischer Phänomene eines bestimmten Jahrhunderts immer noch unmöglich ist, von einem einzigen Stil zu sprechen, der die Kunst der gesamten Epoche als Ganzes umfasst – die figurative Struktur der Werke von Caravaggio und Bernini, Rubens und Rembrandt sind dafür zu unterschiedlich, Poussin und Velazquez, italienische Meister der Monumentalmalerei und Vertreter des niederländischen Alltagsgenres. Die Widersprüchlichkeit des historischen und künstlerischen Prozesses und die Komplexität der Probleme in dieser Phase gesellschaftliche Entwicklung waren der Grund dafür, dass in der betrachteten Epoche nicht ein, sondern zwei Stilsysteme entstanden – Barock und Klassizismus –, die jedoch, wie wir weiter unten sehen werden, nicht die gesamte Kunst des 17. Jahrhunderts vollständig abdeckten.

Beispiele für die gleichzeitige Koexistenz der beiden Stile konnten zu bestimmten Zeiten zuvor beobachtet werden. So existierten beispielsweise Denkmäler des romanischen Stils manchmal neben Gotik oder Gotik und Renaissance, aber in diesem Fall erlebte einer der Stile eine Phase des Aussterbens, während der andere gerade erst entstand, also einen Prozess der Naturgeschichte darstellte Es kam zur Ablösung eines Stils durch einen anderen. Vielmehr entstehen und bilden sich Barock und Klassizismus parallel, als Stile einer Epoche, als künstlerische Systeme, die die Probleme ihrer Zeit aus unterschiedlichen Positionen und mit unterschiedlichen Mitteln lösen. Es ist jedoch zu beachten, dass im 17. Jahrhundert. Die Rolle dieser Stile war nicht ganz gleich. Der Barock war in dieser Zeit ein weiter verbreitetes System, das in der Kunst Italiens, Spaniens, Flanderns, Deutschlands und vieler Länder Mitteleuropas häufig eine dominierende Stellung einnahm, während der Klassizismus nur in der Kunst Frankreichs dominierte. Dieses Stilverhältnis bedeutete jedoch nicht, dass der Klassizismus im Vergleich zum Barock grundsätzlich eingeschränkter war, sondern zeigte lediglich, dass in einer Reihe europäischer Länder die Möglichkeiten, die künstlerischen Probleme der damaligen Zeit durch den Klassizismus zu lösen, ungünstiger waren. Doch im nächsten, dem 18. Jahrhundert, übertraf der Klassizismus, der in eine neue Phase seiner Entwicklung eintrat, den Barock hinsichtlich seiner Verbreitung und Erweiterung seiner figurativen Möglichkeiten.

Ein weiterer wichtiger Unterschied zwischen der Kunst des 17. Jahrhunderts. Der Unterschied zu früheren Phasen besteht darin, dass die Stilsysteme dieser Ära durch größere Flexibilität und Mehrdeutigkeit gekennzeichnet sind. Bereits die Gotik zeichnete sich als Stil durch eine große figurative Bandbreite aus: In ihrem Rahmen entstanden Idealbilder, die mit Zügen übertriebener Spiritualität ausgestattet waren, und Bilder einer eher irdischen Ebene, geprägt von einer neuen Wahrnehmung der Natur. Die Möglichkeiten der Renaissance-Kunst sind in dieser Hinsicht noch umfassender und vielfältiger. Aber bei aller Vielfalt der künstlerischen Qualitäten bestimmter gotischer Denkmäler gibt es zwischen ihnen keinen so grundlegenden Unterschied wie beispielsweise zwischen der überbordenden Lebensfülle der Helden von Rubens, deren jede Schöpfung als freudige Hymne an den Ruhm wahrgenommen wird der irdischen Schönheit und die mystischen Ekstasen der Heiligen bei italienischen Meistern, deren Bilder im tragischen Dualismus von Irdischem und Übersinnlichem aufgelöst werden. Und gleichzeitig kann man nicht anders, als zuzugeben, dass sowohl Rubens als auch die italienischen Meister trotz dieser Unterschiede in ihren Werken Anzeichen einer gewissen Gemeinsamkeit der figurativen Struktur aufweisen, die für den Barockstil als Ganzes charakteristisch ist. Ebenso gibt es in der Kunst des Klassizismus, selbst innerhalb der Grenzen des Werks seines größten Vertreters – Poussin – neben Bildern voller sinnlicher Helligkeit und emotionaler Breite Lösungen, die in die Kälte des Rationalismus gehüllt sind. Wenn wir uns der Architektur zuwenden, können wir sehen, dass in barocken Formen religiöse Gebäude entstehen, deren gesamte Struktur darauf abzielt, den Gläubigen der religiösen Idee unterzuordnen, und prächtige Schloss- und Parkensembles, in denen das rein weltliche Prinzip und die Schönheit triumphieren der realen Existenz wird durch die Mittel der Architektur bestätigt.

Eine solche Polysemie der Stile des 17. Jahrhunderts und ihre Fähigkeit, vielfältige, oft widersprüchliche Inhalte aufzunehmen, ist kein zufälliges Phänomen. Ohne diese Qualität, ohne die Möglichkeit der künstlerischen Reflexion der historischen Realität in ihrer widersprüchlichen Komplexität hätten Stilformen dieser Epoche grundsätzlich ihre Existenzmöglichkeit verloren. Die spezifischen Bedingungen der Zeit und die innere Flexibilität der Stilsysteme erklären auch die Präsenz in der Kunst des 17. Jahrhunderts. viele Varianten dieser Stile und Übergangsformen zwischen ihnen. Barock und Klassizismus unterscheiden sich in ihren „reinsten“ Ausdrucksformen deutlich voneinander, doch in ihren anderen Formen kommen Barock und Klassizismus oft zusammen und bilden in einzelnen Werken eine Art Legierung. Auch bei Poussin findet man Werke, die in ihrer Komposition dem Barock nahestehen, ebenso wie Vertreter der italienischen Barockmalerei (Domenichino) oft Bilder haben, die dem Klassizismus ähneln.

Bei einer genaueren Beschreibung der einzelnen Stilsysteme des 17. Jahrhunderts ist anzumerken, dass sich die Barockkunst in feudal-absolutistischen Staaten entwickelte und dort eine vorherrschende Stellung einnahm, in denen ein starker Einfluss der katholischen Reaktion herrschte , insbesondere in Italien und Flandern. Allerdings wäre es, wie wir weiter unten sehen werden, falsch, diesen Trend nur als ein Produkt der katholischen Reaktion zu betrachten.

Die barocke bildende Kunst ist ohne ihre Verbindung zur Architektur nicht zu verstehen. Architektur erweist sich aufgrund ihrer Besonderheit – der Notwendigkeit, utilitaristische und künstlerische Faktoren in ihren Kreationen zu kombinieren – in größerem Maße als andere Kunstarten, ist mit dem materiellen Fortschritt der Gesellschaft verbunden und stärker von der vorherrschenden Ideologie abhängig, da die Die bedeutendsten Bauten werden für die herrschenden Klassen errichtet und dienen der Verherrlichung ihrer Macht. Aber Architektur soll auch der Gesellschaft als Ganzes dienen; Beispielsweise sind Kultstätten für die breitesten Kreise, für Vertreter aller Gesellschaftsschichten bestimmt. Schließlich stellt der wirtschaftliche und kulturelle Fortschritt Architekten beispielsweise im Bereich der Stadtplanung vor neue Aufgaben, die auch eine wichtige gesellschaftliche Bedeutung haben. All dies erklärt die widersprüchlichen Merkmale der Barockarchitektur. In barocken Sakralbauten – Kirchen und Klöstern – werden die vielfältigsten Möglichkeiten der Synthese von Architektur, Bildhauerei, Malerei und dekorativer Kunst genutzt, um die Fantasie des Betrachters anzuregen, ihn mit religiösem Gefühl zu erfüllen und sich vor der Autorität zu beugen die Kirche. Die in Italien entwickelten Formen der Kirchenarchitektur – der sogenannte Jesuitenstil – drangen in der einen oder anderen Form in alle katholischen Länder Europas ein, von Portugal bis Polen. Doch im gleichen Zeitalter wurden in Italien zahlreiche profane Gebäude errichtet, die eine wichtige Etappe in der Entwicklung der Weltarchitektur darstellten. Es werden Methoden der Stadtplanung entwickelt, das Problem eines ganzheitlichen Stadtensembles gestellt und gelöst. In Rom werden riesige Zeremonienplätze gebaut, die Zehntausende Menschen beherbergen sollen; Es entstehen Schloss- und Parkanlagen, in denen neue Prinzipien der Verbindung von Architektur und Natur entdeckt werden.

Die barocke Architektur zeichnet sich vor allem durch große emotionale Aufregung und den pathetischen Charakter der Bilder aus. Dieser Eindruck wird durch die enorme Größe der Gebäude, die übertriebene Monumentalisierung der Formen, die Dynamik der Raumkonstruktion und die gesteigerte plastische Ausdruckskraft der Volumen erreicht. Räumliche Lösungen erlangen außerordentliche Komplexität, in den Plänen überwiegen krummlinige Umrisse, die Wände von Gebäuden biegen sich, Gesimse, Giebel, Pilaster, Halbsäulen scheinen daraus herauszuwachsen, Fenster werden von Platbands unterschiedlicher Form eingerahmt, Nischen sind mit Statuen geschmückt. Der Gesamteindruck der schnellen Bewegung und des Reichtums an Motiven wird durch Skulpturen, Gemälde, Stuck und Dekorationen mit verschiedenen Materialien – farbigem Marmor, Stuck, Bronze – ergänzt. Hinzu kommen malerische Hell-Dunkel-Kontraste, Perspektiven und illusionistische Effekte. In den Ensembles aus römischen Plätzen, Sakral- und Palastgebäuden werden Werke monumentaler und dekorativer Skulptur sowie Brunnen zu einem ganzheitlichen künstlerischen Bild vereint. Das Gleiche gilt für die Palast- und Parkanlagen Italiens dieser Zeit, die sich durch einen außergewöhnlich meisterhaften Umgang mit komplexem Gelände, üppiger südlicher Vegetation, Wasserkaskaden in Kombination mit Architektur kleiner Formen – Pavillons, Zäune, Brunnen, mit Statuen usw. – auszeichnen Skulpturengruppen. Der ideologische und figurative Inhalt der besten Werke der Barockarchitektur erweist sich oft als umfassender als ihre offiziellen Funktionen – sie spiegeln das Pathos einer turbulenten Ära, die schöpferische Kraft der Menschen, die diese majestätischen Denkmäler geschaffen haben.

Die Verschärfung des Katholizismus im ideologischen Kampf manifestierte sich in einem äußerst starken Einfluss der Kirche auf die Kunst, der in der religiösen Propaganda eine wichtige Rolle als Mittel zur starken Einflussnahme auf die Massen zugeschrieben wurde. Die konsequenteste künstlerische Politik der Kirche wurde in Italien durchgeführt. In der monumentalen Skulptur und vor allem im Werk von Lorenzo Bernini wurden die charakteristischen Merkmale des italienischen Barocks in ihrer anschaulichsten Form verkörpert: die Ideen vom Triumph des mystischen, irrationalen Prinzips über das reale, irdische Prinzip, das übertriebene Ekstatische Ausdruckskraft von Bildern, die den Betrachter schockieren sollen, die gewalttätige Dynamik von Formen. Mit ihnen allen wurde in der Malerei ein wichtiger Beitrag zur Entwicklung der Barockkunst geleistet Unterscheidungsmerkmale aus dem eigentlichen Barockstil - Bologneser Akademiker (die Gebrüder Carracci, Guido Roeni, Guercino). Das barocke Konzept erreicht seine volle Entfaltung bei Pietro da Norton, Baciccio und vielen anderen Meistern. In ihren vielfigurigen Kompositionen, die reich an starker Bewegung sind, scheinen die Charaktere von einer unbekannten Kraft mitgerissen zu werden. Die wichtigsten Arten von Werken und Genres, die die Barockmalerei dominierten, waren monumentale und dekorative Gemälde (hauptsächlich Lampenschirme) von Sakral- und Palastgebäuden, Altargemälde für Tempel mit Bildern der Apotheosen von Heiligen, Szenen von Wundern und Martyrien sowie riesige „historische“ und allegorische Gemälde Kompositionen und schließlich ein zeremonielles Porträt. Die übrigen im 17. Jahrhundert entwickelten Genres wurden von den Barockmeistern als minderwertig angesehen. In der Kunsttheorie operieren Barock-Apologeten mit dem Konzept des „großen Stils“, das auf den abstrakten Kategorien „Schönheit“, „Anmut“ und „Anstand“ basiert. Es ist jedoch anzumerken, dass die Barocktheoretiker kein vollständiges ästhetisches System geschaffen haben, anders als beispielsweise der Klassizismus, dem sie übrigens einige theoretische Grundlagen verdanken, insbesondere bei der Bewertung der antiken Kunst als bestimmte künstlerische Norm.

Auch wenn man die zweifellosen Spuren des Einflusses der öffentlichen Reaktion in der monumentalen Skulptur von Lorenzo Bernini feststellt, wäre es jedoch falsch, in solchen Werken von ihm nur ein Beispiel für die Propaganda der Ideen des Katholizismus zu sehen. Der Inhalt seiner Kunst ist umfassender: Das tragische Pathos seiner atemberaubenden Bilder spiegelte die akute Krise und die unüberbrückbaren Widersprüche Italiens im 17. Jahrhundert wider. Es muss jedoch zugegeben werden, dass die meisten Bildhauer und Maler des italienischen Barock im Gegensatz zu Bernini keine solche figurative Bedeutung erlangen und sich auf die Variation etablierter figurativer und formaler Techniken beschränken, die bald in stereotype Schemata umschlagen.

Im Gegensatz zur Kunst Italiens treten die Besonderheiten der Barockkunst Flanderns deutlicher hervor. Obwohl die bürgerliche Revolution in den südlichen Niederlanden besiegt wurde, ermöglichten die durch diese Revolution verursachten bedeutenden Veränderungen im öffentlichen Bewusstsein der Reaktion keinen vollständigen ideologischen Sieg. Und unter den flämischen Meistern findet man Werke, deren Konzept dem offiziellen Stil des Katholizismus nahe kommt. Der Schwerpunkt liegt jedoch in der flämischen Kunst des 17. Jahrhunderts. dennoch ist es grundlegend anders, denn bei Rubens, Jordanes und anderen Meistern drückt sich der für das barocke Konzept charakteristische Gegensatz von Irdischem und Mystischem, Wirklichem und Scheinhaftem auch in Gemälden zu religiösen Themen eher äußerlich aus, ohne ins Tragische zu münden Dissonanz. Im Gegenteil, ihre Kunst zeichnet sich vor allem durch die außergewöhnliche Kraft der Lebensbejahung aus; Viele der Altarbilder von Rubens sind Werke, die die Schönheit des Menschen und des wirklichen Lebens im gleichen Maße verherrlichen wie seine Gemälde zu Themen der antiken Mythologie.

In der Kunst Spaniens des 17. Jahrhunderts entwickelte sich der Barock in einzigartigen Formen in Architektur, Bildhauerei und Malerei, und die Extreme dieses Stils kamen in den ideologischen Konflikten spanischer Meister schärfer zum Ausdruck als in italienischen. Bei einigen Malern (Ribera) sind realistische Tendenzen stärker ausgeprägt, während bei anderen (Valdez Leal) die reaktionär-mystischen Seiten des Barock ihren Höhepunkt erreichen. Es gibt auch Beispiele für Kompromisse zwischen diesen Extremen; sie finden sich insbesondere im Werk von Murillo. In Frankreich nahm der Barockstil im Gegensatz zu Italien und Flandern keine führende Stellung in der Kunst ein, aber es ist bezeichnend, dass im französischen Barock – im Rahmen einer einzigen nationalen Schule – zwei Tendenzen zu beobachten sind: eine reaktionäre Linie, die diente der Verherrlichung des Absolutismus – er wurde von einer Gruppe höfischer Maler unter der Führung von Simon Vouet vertreten – und einer fortschrittlichen Linie, die im Werk des herausragenden französischen Bildhauers Pierre Puget ihren Ausdruck fand.

Dominante Positionen in der französischen Kunst des 17. Jahrhunderts. übernahm den Klassizismus, dessen Methode unter den historischen Bedingungen Frankreichs die fortgeschrittenen künstlerischen Tendenzen der Zeit verkörperte.

In vielen Fällen stand die Architektur des Klassizismus vor den gleichen Aufgaben wie die Architektur des Barock – die Verherrlichung der Macht des absoluten Monarchen, die Verherrlichung der herrschenden Klasse. Doch die Architekten des Klassizismus bedienen sich hierfür anderer Mittel. Anstelle der dramatischen Wirkung der Barockarchitektur vertritt der Klassizismus das Prinzip, die majestätische Feierlichkeit des Architekturbildes mit angemessener Klarheit zu verbinden. Obwohl das 17. Jahrhundert die erste Stufe des Klassizismus darstellt, als die Merkmale dieses Stils noch nicht den strengsten und reinsten Ausdruck erreichten, sind die von französischen Architekten errichteten öffentlichen Gebäude und Palastgebäude, Stadtensembles sowie Schloss- und Parkanlagen von diesem Geist durchdrungen von feierlichem Pomp; Ihre räumliche Lösung zeichnet sich durch klare Logik aus, die Fassaden zeichnen sich durch eine ruhige Harmonie der kompositorischen Struktur und Proportionalität der Teile aus und die architektonischen Formen zeichnen sich durch Einfachheit und Strenge aus. Auch in der Natur wird strenge Ordnung eingeführt – die Meister des Klassizismus schufen ein System des sogenannten Regelparks. Architekten des Klassizismus wenden sich in großem Umfang dem antiken Erbe zu und studieren allgemeine Grundsätze die antike Architektur und vor allem das Ordnungssystem, indem sie einzelne Motive und Formen entlehnt und überarbeitet. Es ist kein Zufall, dass religiöse Gebäude in der Architektur des Klassizismus nicht die enorme Bedeutung haben, die sie in der Barockarchitektur einnehmen: Der der klassizistischen Kunst innewohnende Geist des Rationalismus war dem Ausdruck religiöser und mystischer Ideen nicht förderlich. Vielleicht noch stärker als in der Barockarchitektur erweist sich der figurative Inhalt der besten Denkmäler der klassischen Architektur als umfassender als ihre repräsentativen Funktionen: Die Gebäude von Hardouin-Mansart und die Parkanlagen von Le Nôtre verherrlichen nicht nur die Macht des Königs, sondern auch die Größe des menschlichen Geistes.

Auch der Klassizismus hinterließ wunderbare Denkmäler künstlerischer Synthese. In diesem Sinne ist es bezeichnend, dass die Bildhauerei (sowie die dekorative und angewandte Kunst) im 17. Jahrhundert entstanden ist. Besonders fruchtbar entwickelte sich die Architektur in den Ländern, in denen die Architektur ihre Blütezeit erlebte, vor allem in Italien und Frankreich.

In den schönen Künsten des Klassizismus war eines der Hauptthemen das Thema der Bürgerpflicht, der Sieg des sozialen Prinzips über das persönliche Prinzip, das Thema der Bekräftigung hoher ethischer Prinzipien – Heldentum, Tapferkeit, moralische Reinheit, die ihren Platz finden künstlerische Umsetzung in Bildern voller erhabener Schönheit und strenger Erhabenheit. Der Klassizismus stellt den Widersprüchen und Unvollkommenheiten der Realität das Prinzip der Rationalität und strengen Disziplin gegenüber, mit deren Hilfe der Mensch die Hindernisse des Lebens überwinden muss. Nach der Ästhetik des Klassizismus ist die Vernunft das Hauptkriterium der Schönheit. Ein Künstler muss in seiner Arbeit von perfekten Beispielen ausgehen, die als Werke der antiken Kunst und der Kunst der Hochrenaissance galten. Im Gegensatz zum Barock erlaubte der Klassizismus keine übertriebene emotionale Ausdruckskraft: Poussins Helden zeichnen sich durch willensstarke Gelassenheit und ruhige Gelassenheit aus; Der kompositorische Aufbau seiner Bilder zeichnet sich durch Klarheit und Ausgewogenheit aus, die Figuren durch Strenge und plastische Vollständigkeit. In der Bildsprache gibt die Theorie des Klassizismus der Zeichnung den Vorrang; Farbe kommt eine untergeordnete Rolle zu.

In der künstlerischen Praxis des Klassizismus treten die dogmatischen Aspekte seiner Theorie oft unter dem Druck des Lebensinhalts und eines natürlichen Sinns für die Schönheit des wirklichen Lebens zurück. Nicht umsonst nimmt die Natur in vielen Werken der Meister des Klassizismus einen so großen Platz ein, der nicht nur als aktiver Hintergrund in Handlungskompositionen dient, sondern oft auch die bestimmende Grundlage für den gesamten ideologischen und figurativen Inhalt des Bildes bildet. Darüber hinaus entwickelte sich die Landschaft als Genre in der Malerei des Klassizismus – im Werk von Poussin und Claude Lorrain – nicht nur zu einem bestimmten System, sondern erlebte auch ihre bemerkenswerte Blüte.

Das Pathos der öffentlichen Pflicht, der Ruf nach innerer Disziplin, der Wunsch nach strenger Ordnung – all diese für den Klassizismus charakteristischen Eigenschaften begünstigten den Ausdruck der Ideen des Absolutismus, und es ist kein Zufall, dass die herrschenden Kreise Frankreichs versuchten, den Klassizismus in ihn umzuwandeln offizieller Stil der französischen Monarchie. Doch obwohl Poussin in einigen seiner Werke eine gewisse Hommage an den Geschmack höfischer Kreise erwies, ist die ideologische Ausrichtung seiner besten Schöpfungen nicht nur weit von offiziellen Anforderungen entfernt, sondern oft auch das Gegenteil davon. Der Klassizismus wurde vor allem in der Architektur zum Stil der französischen Monarchie. Was die schönen Künste anbelangt, so entsprachen die repräsentativen Qualitäten des Barock eher den Anforderungen des Absolutismus, und es ist kein Zufall, dass die barocke Linie ihre Bedeutung in Frankreich vor allem in der monumentalen und dekorativen Malerei (Lebrun) und in der zeremoniellen Porträtmalerei (Rigo) behielt und Largilliere).

Abschließen allgemeine Charakteristiken Kunststilen in der bildenden Kunst des 17. Jahrhunderts ist jedoch zu betonen, dass die Bestimmung ihrer Stellung und Bedeutung für diese Epoche nicht ausreicht, ohne den entscheidenden Faktor zu berücksichtigen, dass es sich neben Barock und Klassizismus um ein grundsätzlich neues Extra handelt -Linke Form der Reflexion zeichnet sich in der Malerei der Realität dieses Jahrhunderts ab. Sein Erscheinen ist eine Tatsache von enormer Bedeutung, einer der wichtigsten Meilensteine ​​in der Entwicklung der Weltkunst. Der neue Ansatz bedeutet, dass das künstlerische Bild nicht mehr im Rahmen eines bestimmten Gesamtideals, einer Art „Stilnorm“, verankert in traditionellen Techniken der Bildsprache, entsteht, sondern auf der Grundlage der direkten Berufung des Künstlers auf Phänomene echte Welt, zum ganzen Reichtum der Natur. In diesem Fall geht es nicht um die Handlungsseite – in vielen Fällen behalten die Meister, die diese neue Methode vertreten, das biblisch-mythologische und andere traditionelle Handlungsrepertoire bei –, sondern um eine grundlegend andere Interpretation von Bildern als zuvor, die sich in einem wiederfinden direktere Verbindung mit der realen Realität.

Das bedeutet natürlich nicht, dass ein solcher Künstler völlig frei von ästhetischen Idealen ist und sklavisch das Sichtbare kopiert – seine künstlerischen Ansichten sind ganz klar, sie werden nur mit anderen Mitteln ausgedrückt. Die künstlerische Verallgemeinerung erfolgt hier durch die Auswahl der typischsten Bilder und Phänomene der Realität und die Offenlegung ihrer wesentlichen Merkmale. Die Vielfalt der realen Welt ist der Grund dafür, dass sich die verschiedenen kreativen Bewegungen und einzelnen Meister, die dieses neue künstlerische System repräsentieren, durch eine außergewöhnliche Vielfalt sowohl hinsichtlich des ideologischen Inhalts ihrer Werke als auch in Bezug auf ihre Bildsprache auszeichnen. Unter diesen Künstlern sehen wir die brillanten Maler Velazquez und Rembrandt, die in ihren Werken die bedeutendsten Aspekte der Epoche enthüllten, und Künstler, die sich der Darstellung bestimmter Aspekte der Realität widmeten, zum Beispiel Schriftsteller des Alltagslebens der französischen Bauernschaft und der Niederländische Bürger; so bemerkenswerte Meister des Porträts und der Landschaft wie Frans Hals und Jacob van Ruisdael und mit ihnen viele viel bescheidenere Maler, die in denselben Genres arbeiteten.

Von alleine neue Form Die künstlerische Reflexion der Realität entstand nicht plötzlich – sie wurde durch die vorangegangenen Etappen der Kunstgeschichte vorbereitet, in denen man in einer Reihe von Fällen (dies gilt insbesondere für die Kunst der Spätrenaissance) das eine oder andere seiner Individuen sehen kann Manifestationen. IN im größtmöglichen Umfang Sie waren immer in der Porträtmalerei spürbar, wo die Bedingungen des Genres eine nähere Annäherung an die Besonderheiten der Natur erforderten. Aber als ein bestimmtes System, das in der Kunst seiner Zeit eine äußerst wichtige, teilweise führende Stellung einnimmt und sich auf alle Genres erstreckt, kann man ab dem 17. Jahrhundert nur von einer extralinken Form künstlerischer Reflexion sprechen.

Die neue Methode trug zu einer beispiellosen Erweiterung der Möglichkeiten der bildenden Kunst bei: Die Realität erwies sich als unerschöpfliche Quelle künstlerischer Bilder. Den Malern eröffneten sich weite Horizonte im Einsatz verschiedener Mittel der künstlerischen Sprache. Neue Genres entstanden – das Alltagsgenre, das Stillleben; die Landschaft nahm in ihren entwickelten Formen Gestalt an; Auch in Genres mit jahrhundertealter Tradition – biblischen und mythologischen Kompositionen, historischen Gemälden und Porträts – kam es zu entscheidenden Veränderungen.

Besonders hervorzuheben ist, dass die meisten Meister dies vertraten Neue Zeile gehörte in der Kunst des 17. Jahrhunderts zu demokratischen Kunstbewegungen. Selbst wenn die ideologische Ausrichtung einiger dieser Maler nicht besonders radikal war, war die Tatsache, dass sie sich unter bestimmten Bedingungen an die Realität wandten, bereits ein Indikator für eine oppositionelle Haltung gegenüber reaktionären künstlerischen Bewegungen.

Die Kunst von Vertretern dieses Drittels der wichtigsten künstlerischen Systeme der Malerei des 17. Jahrhunderts wird in der wissenschaftlichen Literatur häufig mit dem Begriff „Realismus“ bezeichnet und als solcher dem Barock und dem Klassizismus gegenübergestellt. Diese Definition ist nicht ganz korrekt. Erstens wird ein so weit gefasster Begriff wie der Realismus dadurch nur auf den Namen eines der künstlerischen Phänomene der Epoche reduziert, als würde er ihn mit den Begriffen „Barock“ und „Klassizismus“ gleichsetzen. Andererseits kann die Bezeichnung eines neuen Kunstsystems mit dem Begriff „Realismus“ als Beleg dafür verstanden werden, dass Barock und Klassizismus im Gegensatz dazu keine realistische Grundlage haben und sich daher als weniger bedeutsame Phänomene des Realismus erweisen historischen und künstlerischen Prozess, als sie tatsächlich waren. Wie wir sehen konnten, waren der Barock in Flandern und der Klassizismus in Frankreich der auffälligste Ausdruck der fortgeschrittenen realistischen Tendenzen dieser Zeit. Dies bedeutet, dass bestimmte Stilsysteme unter bestimmten historischen Bedingungen als qualitativ einzigartige Etappen in der Entwicklung des Realismus betrachtet werden sollten, als Ausdruck der fortschrittlichsten Tendenzen in der künstlerischen Kultur einer bestimmten Zeit.

Mit unterschiedlicher Verbreitung entwickelte sich das neue künstlerische System in allen von uns erwähnten Nationalschulen Westeuropas, selbst in der Kunst jener Länder, in denen brutale politische Reaktionen vorherrschten. IN dieser Fakt Auch hier spiegeln sich die Merkmale der Gemeinschaft in der Entwicklung der einzelnen Kunstschulen wider. Somit war Italien der Geburtsort der Kunst Caravaggios und seiner vielen Anhänger; In Flandern arbeitete Brouwer gleichzeitig mit den Barockmeistern – Rubens und Künstlern seines Kreises – in Frankreich – einer großen Gruppe von Malern, von denen Louis Le Nain in Spanien der größte war von Velazquez. Diese Linie fand ihren vollständigsten und konsequentesten Ausdruck in der niederländischen Kunst, wo das republikanisch-bürgerliche System, das Fehlen von Bedingungen für die Entwicklung der offiziellen Hofkultur und die Freiheit vom Einfluss der kirchlichen Ideologie besonders günstige Möglichkeiten für fortschrittliche künstlerische Bewegungen schufen.

Aber obwohl die neue künstlerische Methode ihre größte Verbreitung in dem Land fand, in dem die Bourgeoisie siegte, wäre es sowohl in Holland als auch in anderen Ländern falsch, die Entwicklung dieser Methode nur mit dem ideologischen Kampf einer Klasse – der bürgerlichen Klasse – in Verbindung zu bringen. Auch der Einfluss anderer gesellschaftlicher Kräfte spiegelte sich hier wider. So sind zum Beispiel im Werk Caravaggios aufgrund der Besonderheiten der gesellschaftlichen Entwicklung Italiens in dieser Zeit – der Schwäche der italienischen Bourgeoisie, der Spontaneität der Leistung der Unterschicht – die Merkmale des sozialen Protests der Plebejer zu erkennen Schichten sind stärker ausgeprägt. Die Tatsache, dass im Frankreich des 17. Jahrhunderts. Die stärkste Form der Opposition gegen das bestehende System war die Bauernbewegung, die sich zweifellos im Bauerngenre widerspiegelte – die wachsende Stärke des Volkes ist in den Bauern von Louis Le Nain voller hoher Menschenwürde zu spüren. Am stärksten – und das ist ganz natürlich – spiegelte sich der ideologische Einfluss des Bürgertums in der Kunst Hollands wider, aber die Arbeit der besten niederländischen Meister geht über die Grenzen begrenzter bürgerlicher Ideale hinaus und stützt sich auf eine breitere, populäre Basis, und seitdem Mitte des Jahrhunderts befinden sich die größten niederländischen Maler – darunter Frans Hals und Rembrandt – im Konflikt mit der bürgerlichen Gesellschaft.

So wie verschiedene Meister im Rahmen der figurativen Struktur des Barock (oder Klassizismus) Werke unterschiedlichen ideologischen Klangs schufen, bedeutete die Methode der direkten Auseinandersetzung mit den Phänomenen der Realität an sich nicht die obligatorische ideologische Einheit aller Meister habe mich daran gehalten. Beispielsweise können die ideologischen Grundlagen der Kunst von Gerrit Dou in Holland und der späten Teniers in Flandern am wenigsten als fortschrittlich bezeichnet werden. Folglich fand der Kampf zwischen progressiven und konservativen Tendenzen auch innerhalb des von den Anhängern dieser Methode gebildeten Künstlerlagers statt (ebenso wie in der Kunst des Barock und des Klassizismus). Gleichzeitig sollte jedoch daran erinnert werden, dass unter den Bedingungen des 17. Jahrhunderts. Allerdings fanden reaktionäre gesellschaftliche Tendenzen in jenen konservativen Linien, die sich im Rahmen von Barock und Klassizismus entwickelten, einen günstigeren Ausdruck. In diesem Zusammenhang ist es von großer Bedeutung, dass beispielsweise einige niederländische Meister, die einst Schüler und Anhänger Rembrandts waren, später zu den ideologischen Positionen des degenerierenden Bürgertums wechselten, gleichzeitig auf das künstlerische System ihres Lehrers und ihres Lehrers verzichteten wandte sich repräsentativen Formen der Barockkunst zu.

Es besteht kein Zweifel daran, dass im Vergleich zur Methode des Barock und Klassizismus, die an bestimmte Konventionen gebunden war, die Methode, die Realität auf der Grundlage einer direkten Berufung auf ihre Phänomene zu reflektieren, in mancher Hinsicht historisch erfolgversprechender war, weil sie viele Grundprinzipien enthielt die dann in der progressiven realistischen Kunst der folgenden Jahrhunderte entwickelt wurden. Aber wenn man in einigen wichtigen Punkten die Überlegenheit des extralinken Systems gegenüber der Malerei des Barocks und des Klassizismus feststellt, kann man nicht umhin zuzugeben, dass die unbedingten Errungenschaften der neuen Methode mit dem Verlust bestimmter wertvoller Merkmale einhergingen, die für die sich entwickelnde Kunst charakteristisch sind in den Prinzipien eines bestimmten Stils. Wenn sich das neue System beispielsweise außerhalb des Rahmens des Stils entwickelt, wird es seiner wertvollsten Qualität beraubt – einer synthetischen Grundlage, der Möglichkeit der fantasievollen Verschmelzung aller Arten bildender Künste zu einem einzigen künstlerischen Ensemble. Damit ist die Malerei endgültig von Architektur und Skulptur emanzipiert und der Prozess der Staffeleimalerei, also das Schaffen von Gemälden, die in sich geschlossen sind und keinen Bezug zu ihrer Umgebung haben, ist hier in seiner ganzen Bestimmtheit zum Vorschein gekommen. Dieser Prozess trug zur Vertiefung und Differenzierung der Möglichkeiten der Malerei bei, gleichzeitig aber auch im 17. Jahrhundert. Es gab Anzeichen einer Spaltung, die sich in den folgenden Jahrhunderten verstärkte, und dann den Zusammenbruch eines einheitlichen Systems bildender Künste, das sich zuvor auf der Grundlage ihrer gegenseitigen Integrität entwickelt hatte.

In der Kunst des Barock und des Klassizismus sowie in früheren Stilsystemen waren die Formen der künstlerischen Typisierung bereits in den Techniken der künstlerischen Sprache verankert, die von den in diesem Stil arbeitenden Meistern angewendet werden konnten. Diese Situation erleichterte die Erstellung eines verallgemeinerten Bildes, trug aber andererseits zur weit verbreiteten Verbreitung verschiedener Arten von Vorlagen bei. Die neue Methode erforderte eine individuellere Herangehensweise an die Lösung jedes künstlerischen Problems; Daher finden wir Beispiele für wirklich umfassende Verallgemeinerungen hauptsächlich bei herausragenden Meistern, während Maler mit mäßigem Talent, deren Verallgemeinerungstendenzen weniger ausgeprägt sind, ihre Kräfte oft auf engere kreative Probleme konzentrieren.

Unter diesen Bedingungen wird auch eines der wichtigen Merkmale deutlich, die für die Vertreter dieser Methode charakteristisch sind – die Darstellung verschiedener thematischer Kollisionen in den Bildern biblischer und antiker Mythen, also im Rahmen biblischer und mythologischer Kompositionen. Es geht um konkret um eine einzigartige mythologische Hülle, denn die Interpretation von Bildern zeichnet sich in diesem Fall durch tiefe Wahrhaftigkeit und Lebensfülle aus, die vor allem durch die Eindrücke des wirklichen Lebens erzeugt werden. Eine solche „Mythologisierung“ des Themas ist dem Werk vieler Maler inhärent, angefangen bei einem so mutigen Reformator wie Caravaggio bis hin zu einem der größten Meister dieser Zeit – Rembrandt, dessen thematische Kompositionen von Bildern biblischer und biblischer Natur dominiert werden mythologische Natur. Bezeichnend ist, dass in der Alltagsgattung des 17. Jahrhunderts, die frei von dieser mythologischen Hülle war, in der Bildnatur relativ oberflächliche Entscheidungen vorherrschten; Werke, die in Komplexität und Reichtum an dramatischem und psychologischem Inhalt den besten Kompositionen großer Meister zu biblischen und mythologischen Themen ebenbürtig sind, finden sich in der Genremalerei eher als Ausnahme. Dies bedeutet, dass die „Mythologisierung“ des Themas auch im Rahmen der extralinken Linie in der Kunst des 17. Jahrhunderts erfolgt. war eines der notwendigen Mittel, um den hohen Grad künstlerischer Verallgemeinerung zu erreichen, der für die besten Kunstwerke dieser Zeit charakteristisch ist. Eine völlige Befreiung von dieser mythologischen Hülle wird erst in einer anderen Epoche möglich sein – in der Kunst des 19. Jahrhunderts.

Abschließend ist festzuhalten, dass es ebenso wenig eine unüberschreitbare Grenze zwischen Barock und Klassizismus gab wie zwischen diesen Stilsystemen einerseits und der außerlinken Form der Realitätsreflexion andererseits. Im Gegenteil finden sich hier viele Übergangsformen und Beispiele einer eigentümlichen Verschmelzung von Merkmalen verschiedene Systeme- auch wenn einer von ihnen vorherrscht - ist im Werk vieler Meister zu sehen (Caravaggio in Italien, Ribera in Spanien, Rubens und Jordanes in Flandern, eine große Zahl weniger bedeutender Maler nicht mitgerechnet). Ebenso schloss der gegenseitige, manchmal unversöhnliche Kampf zwischen Vertretern verschiedener künstlerischer Strömungen ihre enge Interaktion nicht aus. Ein Beispiel ist der zweifellose Einfluss, den Caravaggio auf Bologna-Akademiker hatte, die seiner Kunst feindlich gegenüberstanden; Letzteres hatte wiederum den gegenteiligen Effekt auf die Arbeit vieler italienischer Caravaggisten.

Im Allgemeinen ist die Entwicklung der Kunst des 17. Jahrhunderts in mehrere Hauptphasen unterteilt. Der Beginn des Jahrhunderts war die Zeit der Bildung fortschrittlicher Strömungen, des Kampfes fortgeschrittener Künstler mit den Überresten der reaktionären Strömungen des 16. Jahrhunderts, hauptsächlich dem Manierismus. Eine sehr wichtige Rolle bei der Etablierung neuer, fortschrittlicher Prinzipien kommt Caravaggio zu, dem größten italienischen Maler dieser Zeit; in seinem Werk wurden – allerdings noch in verengter, begrenzter Form – neue Prinzipien realistischer Widerspiegelung der Wirklichkeit proklamiert. Wie relevant Caravaggios Entdeckungen waren, zeigt ihre ungewöhnlich schnelle Verbreitung in der Kunst verschiedener nationaler Schulen. Ganz zu schweigen vom Auftreten zahlreicher Anhänger des italienischen Meisters in vielen Ländern Westeuropas, fast alle großen Maler des 17. Jahrhunderts verspürten in der frühen Phase ihrer kreativen Laufbahn in der einen oder anderen Form eine Leidenschaft für seine Kunst. Parallel zu diesem Prozess an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert. Die Prinzipien der Barockkunst wurden formuliert und dann weit verbreitet.

Die erste Hälfte und Mitte des 17. Jahrhunderts, einschließlich der 1660er Jahre, stellt die Zeit der höchsten Errungenschaften der europäischen Kunst dieser Zeit dar. In dieser Zeit spielten fortschrittliche Tendenzen in allen nationalen Schulen eine führende Rolle (mit der möglichen Ausnahme Italiens, wo während des gesamten Jahrhunderts die offizielle Linie in der Kunst stärker war als anderswo). Im Vergleich zu den Künstlern des Anfangs des Jahrhunderts erreichen die Meister dieser Zeit ein höheres Niveau. In Flandern arbeiteten in dieser Zeit Rubens, Van Dyck, Jordan, Brouwer, in Spanien – Ribera, Zurbaran, Velazquez, in Holland – Frans Hals, Rembrandt, Carel Fabricius, Vermeer, Jacob van Ruisdael, in Frankreich – Poussin, Claude Lorrain, Louis Leien. In der Kunst Italiens gehen die höchsten Errungenschaften in Bildhauerei und Architektur, die mit den Namen Bernini und Borromini verbunden sind, auf diese Zeit zurück.

In der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. es kommt zu einem Wendepunkt. Dies ist eine Zeit weit verbreiteter Verschärfung der politischen Reaktion. In der Kunst Italiens und Spaniens dominiert die reaktionäre katholische Linie, in Frankreich die offizielle Hofrichtung, in Flandern und Holland befindet sich die Kunst in einem Zustand des tiefen Niedergangs.

Jener gewisse Grad an Einheit, der die Kunst des 17. Jahrhunderts auszeichnet. in verschiedenen europäischen Ländern ist nicht nur mit den Merkmalen der Gemeinschaft in ihren Ländern verbunden historische Entwicklung, sondern auch mit der für diese Zeit charakteristischen gesteigerten Intensität des künstlerischen Austauschs. Die weite und schnelle Verbreitung neuer kreativer Ideen in verschiedenen nationalen Schulen wurde durch Bildungsreisen junger Künstler nach Italien und in andere Länder, die Ausübung großer Auslandsaufträge, die Meister von europaweitem Ruhm erhielten, und schließlich die aktive künstlerische Politik von erleichtert die Kirche, die in allen katholischen Ländern Formen der gegenreformatorischen Kunst einpflanzte. Die Komplexität schöpferischer Beziehungen zeigt sich beispielsweise in der besonderen Rolle Roms in der Kunstkultur des 17. Jahrhunderts. Nachdem Rom schon immer als Schatzkammer der klassischen Kunst der Antike und der Renaissance Künstler angezogen hatte, erscheint es nun auch in neuer Funktion als einzigartiges internationales Kunstzentrum, in dem es Kolonien von Malern aus vielen europäischen Ländern gibt. Neben der Tatsache, dass Rom das Hauptzentrum der Entstehung der Barockkunst und gleichzeitig das Zentrum war, in dem sich Caravaggios revolutionäre Methode mit aller Kraft entfaltete, erwies sich der Boden Roms als fruchtbar für die Ideen des Klassizismus – sie durchgeführt am meisten ihr Leben von Poussin und Claude Lorrain. Der deutsche Maler Elsheimer wirkte in Rom und leistete einen wichtigen Beitrag zur Bildung einzelner Genres in der Malerei des 17. Jahrhunderts. Hier bildete sich eine einzigartige Richtung in der Alltagsmalerei heraus, vertreten durch eine Gruppe niederländischer und italienischer Meister („bamboccianti“). . Im gesamten 17. Jahrhundert entwickelte sich die Kunst im Zeichen eines intensiven Kampfes zwischen progressiven und reaktionären Tendenzen. Die Formen dieses Kampfes waren äußerst vielfältig. Es drückte sich im Widerspruch zwischen aufgelösten konservativen Kunstkanonen und neuen, wachsenden und sich entwickelnden künstlerischen Prinzipien aus, in gegenseitigen Konflikten, die zwischen einzelnen progressiven und reaktionären Künstlergruppen im Rahmen einer einzigen nationalen Schule entstanden. Dieser Kampf spiegelte sich in einer direkten künstlerischen Expansion wider, die beispielsweise von der katholischen Kirche durchgeführt wurde, indem sie die in der religiösen Kunst Italiens entwickelten Prinzipien und Formen für religiöse Propagandazwecke nutzte, um sie in die Kunst anderer Länder einzuführen . Es manifestierte sich auch in inneren Widersprüchen im Werk eines Meisters, im Aufeinandertreffen der realistischen Tendenzen seiner Kunst mit offiziellen Anforderungen. In einigen Fällen nahm der Kampf zwischen diesen Tendenzen aktive Formen an, Beispiele hierfür sind der Konflikt zwischen den besten niederländischen realistischen Malern und jenen Künstlern, die in der Mitte des Jahrhunderts auf die Position des degenerierenden Bürgertums wechselten, und der Konflikt zwischen Poussin und die französischen Hofmeister. In anderen Fällen war der Kampf weniger offensichtlicher Natur – Velazquez‘ Kunst entwickelte sich in der Zeit seiner schöpferischen Reife ohne sichtbare Konflikte mit Richtungen reaktionär-mystischer Natur, aber es besteht kein Zweifel daran, dass das Werk des größten spanischen Realisten eine entscheidende Rolle spielt Antithese in Bezug auf sie.

Die Komplexität und manchmal auch Kompliziertheit dieser Kampfformen sollte jedoch nicht über eine äußerst wichtige Tatsache hinwegtäuschen – das Auftreten im 17. Jahrhundert. die ersten Anzeichen einer Spaltung der Künstler in zwei Lager – in Meister, deren Kunst nicht über die Interessen der herrschenden Klassen hinausging, und fortschrittliche Künstler, die sich im Wesentlichen in Opposition zu offiziellen Kunstbewegungen befanden. Eine solche Spaltung, die in früheren Epochen noch unmöglich war, war bereits ein Vorbote des Kampfes zwischen zwei Kulturen – der reaktionären und der demokratischen –, der zu einem wesentlichen Merkmal späterer Phasen der gesellschaftlichen Entwicklung werden sollte.

Die Bedeutung der Kunst des 17. Jahrhunderts ist sowohl für ihre unmittelbaren Erben – die Meister des 18. Jahrhunderts – als auch für die nachfolgenden Etappen der Kunstgeschichte von außerordentlich großer Bedeutung. Wenn Vertreter der offiziellen Hofkunst des 18. Jahrhunderts. beschränkten sich oft darauf, die von ihren Vorgängern im letzten Jahrhundert entwickelten Kanons zu variieren, dann folgten die Meister fortschrittlicher künstlerischer Bewegungen dieser Linie kreative Entwicklung Leistungen von Künstlern des 17. Jahrhunderts. Im 19. Jahrhundert waren die Werke von Rubens, Rembrandt, Hals und Velazquez Vorbilder für Maler des realistischen Lagers. Die besten Kunstschöpfungen des 17. Jahrhunderts sowie ihre bemerkenswerten Erfolge auf dem Gebiet der künstlerischen Synthese, die bis heute die volle Kraft ihres schöpferischen Einflusses bewahrt haben, zählen zu den höchsten Errungenschaften der weltweiten Kunstkultur.

 

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